Pero muchas de esas respuestas son el resultado de investigaciones en las que historiadores, restauradores, así como expertos trabajan con documentos incompletos y pistas que, en ocasiones, pueden dar lugar a interpretaciones distintas. Un caso en Italia demuestra hasta qué punto estos detalles importan.

La confusión entre un 3 y un 8 en la fecha de una pintura acabó modificando su datación, alterando su valor histórico y permitiendo que abandonara el país antes de que se descubriera su verdadera relevancia.

De esta manera, Italia dejó perder una pintura medieval importante por un fallo en una fecha mal leída en el dorso del cuadro. La administración interpretó que era una obra del siglo XIX y la pieza se vendió como si fuera mucho menos valiosa de lo que realmente es.

Tiempo después, un estudio en Suiza ha confirmado que el cuadro pertenece al siglo XIV y que su autor está relacionado con uno de los grandes maestros anónimos de la escuela emiliana.

Un error en el cuadro de la Virgen con el Niño

Cabe señalar que la pintura de la Virgen con el Niño del Maestro del Baptisterio de Parma había sido catalogada durante años como una pieza realizada varios siglos después de su fecha real de creación.

La razón fue una interpretación errónea de la inscripción presente en la propia obra: una cifra que se leyó como un 8 cuando en realidad correspondía a un 3. El 8 inicial que había justificado el 1850 era en realidad un 3 deformado por el desgaste, por lo que lo correcto era 1350.

Esta pequeña diferencia tuvo enormes consecuencias, ya que si la obra pertenecía a una época más reciente, su importancia dentro del patrimonio artístico italiano disminuía considerablemente.

Sin embargo, nuevas investigaciones permitieron concluir que el cuadro debía situarse en el siglo XIV. De este modo, lo que se consideraba una obra tardía pasó a ser reconocida como una pintura medieval con un valor estimado cercano a los 500.000 euros.

Por qué el siglo XIV era tan importante

La correcta datación transformó completamente el significado de la pieza, ya que el siglo XIV, conocido en Italia como el Trecento, representa una etapa decisiva en la evolución del arte occidental.

Durante ese periodo comenzaron a desarrollarse nuevas formas de representación que sentarían las bases del posterior Renacimiento italiano. Por ello, identificar una pintura como perteneciente a esa época implica reconocerla como parte de uno de los momentos más influyentes de la historia del arte europeo.

Además del impacto histórico, esta nueva atribución también afectaba a las medidas de protección patrimonial. Una obra medieval podía estar sujeta a restricciones mucho más estrictas respecto a su exportación y conservación.

Cabe señalar que este caso también sirve para comprender que datar una obra va mucho más allá de leer una fecha escrita sobre la superficie del cuadro.

Los restauradores recurren al análisis para comparar composiciones, técnicas y recursos pictóricos con otras piezas conocidas del mismo periodo. También estudian la procedencia de la obra, revisan inventarios históricos y examinan documentos relacionados con antiguos propietarios.

A ello se suman análisis materiales destinados a identificar pigmentos, soportes y procedimientos de elaboración característicos de determinadas épocas. En muchos casos, la colaboración entre historiadores del arte, restauradores y científicos resulta fundamental para alcanzar conclusiones más precisas.

Sin embargo, ninguna de estas herramientas ofrece respuestas absolutas por sí sola. La datación artística suele construirse a partir de la suma de múltiples evidencias y la historia de este cuadro demuestra que conservar el patrimonio no consiste únicamente en proteger físicamente las obras.

Antes de eso, es necesario comprender qué representan realmente y cuál es su lugar dentro de la memoria colectiva. En ocasiones, una simple cifra puede cambiar por completo el destino de una pieza y la manera en que entendemos nuestro pasado.

El emperador Qianlong gobernó China entre 1735 y 1796, nada menos que 61 años. Se retiró para no superar el reinado de su abuelo, porque lo consideraba una falta de respeto. Falleció en 1799, a los 87 años de edad. Fue extremadamente longevo para su época.

Qianlong es uno de los gobernantes más influyentes de China. Durante su imperio la población se duplicó, con ayuda de nuevos cultivos provenientes de América, como el boniato o el maiz, pasando de 150 a 300 millones de habitantes. Cuando se convirtió en emperador emérito, uno de cada tres habitantes de la Tierra era chino.

La obsesión por los sellos del emperador Qianlong

Fue también un brillante militar. Ganó diez importantes campañas, que ampliaron el territorio de China hasta casi los límites actuales. En uno de los sellos que usaba ponía “El anciano de las Diez Grandes Campañas”.

El emperador Qianlong era un apasionado del arte. Él mismo escribió 42.000 poemas. Es recordado por poner en marcha la Siku Quanshu, la Biblioteca de los Cuatro Tesoros. Más de 15.000 copistas copiaron 36.000 volúmenes, 3.450 obras completas de los mejores autores de la historia de China.

Gracias a eso se han conservado miles que se habrían perdido. Pero este logro tiene su reverso oscuro. Durante la recopilación de las mejoras obras, se practicó una inquisición cultural: se quemaron miles de escritos que hablaban mal del emperador o que, consideraba, iban en contra de su dinastía. Docenas de escritores y artistas fueron decapitados, y si habían muerto antes de ser acusados, desenterraban sus cadáveres y los despedazaban.

El emperador Qianlong dedicó toda su vida a comprar obras de arte para la Colección Imperial, o las encargaba a los artistas de la época. Y aquí reside otra de sus polémicas. A todas las obras que añadía a la Colección Imperial les ponía uno o varios de sus sellos, y si le entusiasmaban, lo estampaba varias veces en distintos lugares. En la obra “Cinco bueyes”, del pintor Han Huang, llegó a poner su sello en ocho ocasiones. Puedes verlo en la imagen anterior.

Qianlong tenía unos 1.800 sellos. Según cuenta el medio local South China Morning Post, todas sus colecciones de arte llevaban el sello qianlong yulan zhi bao, es decir, “el tesoro del reconocimiento imperial del emperador Qianlong”.

Para las piezas que más admiraba, utilizaba sellos como yi zisun, “digno de la posteridad” o sanxitang, “el Salón de las Tres Raridades”, su sala del tesoro personal. Además poseía sellos que reflejaban sentimientos, como admiración, sorpresa, tristeza, etc.

Hay que decir que en China era una tradición estampar sellos en las obras de arte y las caligrafías ya desde mil años antes del emperador Qianlong. Lo hacían los propios artistas para firmar, los dueños de las obras, y los coleccionistas. Con el paso de los siglos se podían acumular más de una docena en un solo pergamino, como se ve en las fotos.

Entre los expertos, hay división de opiniones. Los amantes del arte lo ven como una aberración, porque estropean la composición de la pintura, y en muchos casos se estampaban en la propia caligrafía.

Para los historiadores en un tesoro, porque permite saber cómo esa obra fue pasando de mano en mano, y a quién perteneció. A los coleccionistas también les gusta, porque sirve para descifrar si una obra es auténtica, e incluso vale más si lleva el sello de la realeza.

El emperador Qianlong coleccionó miles de obras, y su sello está en todas ellas. Una mutilación para algunos, un trozo de historia para otros.

Su carrera, que abarca más de seis décadas, le ha permitido observar desde dentro la evolución cultural de Estados Unidos y el papel que Hollywood ha desempeñado en la construcción de su identidad artística.

En una reciente reflexión sobre la cultura estadounidense, el actor y director planteó una idea que invita a mirar el panorama cultural desde otra perspectiva.

Según Eastwood, Estados Unidos ha producido pocas formas de arte verdaderamente originales en comparación con la tradición europea.

Aunque reconoce el enorme impacto cultural del país en el mundo, considera que muchas de sus expresiones artísticas nacen de influencias procedentes de Europa.

De acuerdo con Elle, para el cineasta, esta diferencia se debe tanto a la historia como a la evolución cultural de ambos continentes.

Europa cuenta con siglos de desarrollo artístico acumulado, mientras que Estados Unidos es una nación relativamente joven desde el punto de vista cultural.

Una reflexión nacida del western

La reflexión de Eastwood surgió durante una conversación sobre el lugar que ocupa el western en la historia del cine, que no es un género cualquiera en su trayectoria.

Durante décadas, su imagen ha estado ligada a ese universo cinematográfico, primero como actor en los spaghetti western dirigidos por Sergio Leone y después como director de películas que redefinieron el género.

Para Eastwood, el western es una de las pocas formas de arte que pueden considerarse genuinamente estadounidenses.

Las historias ambientadas en la frontera, la expansión hacia el oeste o los conflictos en territorios aún sin ley nacen directamente de la historia del país y de su imaginario colectivo.

Ese contexto histórico permitió a Hollywood desarrollar un género cinematográfico que no solo definió una época del cine, sino que también influyó en la narrativa visual de la industria en todo el mundo.

El western se convirtió así en una forma cultural capaz de representar valores, conflictos y mitologías propias de Estados Unidos.

Jazz y blues: otras raíces culturales propias

Además del western, Eastwood identifica dos formas de expresión artística que considera auténticamente estadounidenses: el jazz y el blues.

Ambos estilos musicales surgieron en Estados Unidos a partir de la mezcla de distintas tradiciones culturales, especialmente dentro de las comunidades afroamericanas.

Con el paso del tiempo, estas formas musicales desarrollaron un lenguaje propio que terminó influyendo en gran parte de la música moderna.

El jazz introdujo nuevas estructuras rítmicas y formas de improvisación que cambiaron la manera de entender la música en el siglo XX.

Mientras que el blues sentó las bases de géneros posteriores como el rock o el soul. Aunque nacieron en contextos sociales muy concretos, ambos estilos terminaron por expandirse a escala global.

Para el cineasta, estos ejemplos muestran que Estados Unidos sí ha hecho aportaciones culturales originales, aunque su número sea relativamente reducido si se compara con la larga tradición artística europea.

El peso de la historia cultural europea

La comparación con Europa ocupa un lugar central en la reflexión del cineasta. A lo largo de los siglos, el continente europeo ha desarrollado una enorme diversidad de corrientes artísticas en campos como la pintura, la literatura, la arquitectura o la música clásica.

Desde el Renacimiento hasta las vanguardias del siglo XX, la historia cultural europea ha generado movimientos que han marcado la evolución del arte occidental.

Esa profundidad histórica es, según Clint Eastwood, una de las razones por las que Estados Unidos presenta una tradición artística más limitada en términos de formas originales.

Gran parte del desarrollo cultural estadounidense se originó en tradiciones traídas por inmigrantes europeos.

Cabe destacar que en ese proceso, muchas expresiones artísticas evolucionaron o se adaptaron, pero sus raíces seguían vinculadas a culturas anteriores.

La televisión pública prepara un nuevo canal temático para la TDT que se va a sumar a La1, La2, 24 horas y Teledeporte. RTVE es una de las pocas corporaciones europeas que no tenía una emisora de este tipo, pero eso podría cambiar pronto.

RTVE prepara la llegada de su canal temático

RTVE está trabajando en la llegada de su nuevo canal temático dedicado a la cultura. La emisora se inspirará en Arte que emite en Francia y Alemania, incluso podría cerrar una colaboración compartiendo contenido con otros países europeos.

El punto fuerte de Arte serán los documentales, tanto de producción propia como de terceros. RTVE recuperará joyas de Estudio 1, artes escénicas y películas del cine nacional, también colaborará con emisoras de la casa como Radio 3 o Radio 3 Extra y la participación de la Orquesta y Coro RTVE y los principales teatros líricos del país.

El nuevo canal de la TDT va a tener diferentes espacios para música, cine, teatro, tendencias del entorno digital. La televisión pública podría seguir la estrategia de otras emisoras privadas como Antena 3 con bloques temáticos.

Ana Peláez, directora del área de Artes y Conocimiento y actualmente al frente del programa Imprescindibles, va a dirigir el nuevo canal de RTVE. La TDT vuelve a apostar por la cultura con un movimiento inesperado.

Cuándo llegará el nuevo canal de RTVE

RTVE aún es prudente con la llegada de su nuevo canal temático a la TDT. Si se confirman los planes de la corporación, podría emitir a finales de junio. No va a ser un lanzamiento inmediato.

El canal Arte pretende revolucionar la TDT en abierto, pero primero llegaría a las plataformas de streaming de las operadoras. Movistar Plus+, Orange TV, Vodafone TV y DIGI TV podrían adelantarse a la televisión.

El proceso para entrar en la parrilla no es inmediato, podría alargarse unos meses. La llegada de nuevos canales es mucho más fácil para las OTT de las operadoras, también para su plataforma propia con RTVE Play.

Las plataformas de streaming podrían recibir el nuevo canal de RTVE antes que la TDT, aunque por el momento se desconoce la fecha oficial en la que llegará a las televisiones españolas.

En sus cuadernos dejó una idea muy importante como son las soluciones de la naturaleza, que son más simples, directas y ajustadas de lo que el ingenio humano suele conseguir.

Leonardo, la naturaleza y el diseño

Para Da Vinci, la naturaleza era el manual de instrucciones. Estudiaba cómo se curva un ala, cómo se ramifica un árbol o cómo circula el agua antes de dibujar un puente, un canal o un artefacto volador.

Entendía que cada elemento en un organismo o en un paisaje cumple una función precisa y se integra con el resto del sistema.

Esa mirada le lleva a una conclusión que hoy sigue incomodando: cuando los humanos diseñamos, tendemos a complicar las cosas. Añadimos capas, piezas, ornamentos.

La naturaleza, en cambio, llega a soluciones donde casi no sobra nada. Un hueso, una hoja o un tendón combinan resistencia, eficiencia y adaptación al entorno con un nivel de economía que todavía cuesta replicar en ingeniería.

La soberbia tecnológica de la IA

Si saltamos a la actualidad, el contraste es evidente, ya que buena parte de las empresas que están detrás del desarrollo de la inteligencia artificial trabajan con la idea de que, con suficiente cómputo y datos, se puede superar cualquier límite biológico.

Lenguaje, visión, toma de decisiones o creatividad se tratan como problemas matemáticos que acabarán resueltos con modelos más grandes.

En ese contexto, la naturaleza se ve a menudo como algo que corregir o optimizar. Ecosistemas, cuerpos y comunidades aparecen como variables más en una hoja de cálculo.

La intuición de Leonardo da Vinci va justo en la dirección contraria, porque recuerda que esos sistemas llevan millones de años ajustándose y que la tecnología, por muy avanzada que sea, sigue operando dentro de esos márgenes físicos y biológicos.

Lo que la IA copia y lo que se le escapa

Muchos modelos de IA se inspiran en procesos naturales, donde se habla de neuronas artificiales, de algoritmos evolutivos, de aprendizaje reforzado.

Se copian patrones de funcionamiento, pero se insertan en un entorno muy distinto. Un chatbot no tiene cuerpo, no siente dolor, no se agota, no depende de un clima estable para seguir existiendo.

Esa diferencia importa, puesto que un organismo vivo ajusta su comportamiento porque, si se equivoca demasiado, muere. Un sistema de IA puede fallar miles de veces en un entorno de pruebas sin sufrir consecuencias directas.

Aprende patrones estadísticos, pero no está anclado a la misma red de dependencias que un animal, un bosque o un río. Ahí es donde la naturaleza sigue siendo más inteligente en el sentido que le interesaba a Da Vinci.

Por qué se ignora el aviso de Leonardo Da Vinci

Que tengamos esta advertencia desde el siglo XV y aun así no aparezca casi nunca en las respuestas de la IA no es casual. Hay varios incentivos que empujan justo en la dirección contraria.

El primero es la fe en el progreso técnico ilimitado, donde, si algo sale mal, ya lo arreglará la próxima versión del modelo. Cuanto más crece esa confianza, menos espacio queda para hablar de límites.

En cuanto a lo segundo, es la presión económica y geopolítica. Empresas y gobiernos compiten por liderar la carrera de la IA, que favorece un lenguaje de dominio.

Por ejemplo, automatizar trabajos, controlar infraestructuras críticas, extraer más datos y más valor en menos tiempo. Preguntarse si el diseño encaja con los equilibrios naturales suena, en ese contexto, a pérdida de ventaja.

El tercero es la desconexión con los costes reales, porque entrenar y desplegar modelos grandes consume energía, agua y materiales. Impacta en territorios, en cadenas de suministro y en comunidades.

Sin embargo, muchas veces se presenta como un avance abstracto, sin vincularlo a emisiones, consumo de recursos o riesgos concretos para personas y ecosistemas.

Tomar en serio el mensaje de Leonardo da Vinci no implica rechazar la IA, sino cambiar la forma de evaluarla. En lugar de medir solo precisión, velocidad o tamaño del modelo, habría que incorporar preguntas sobre encaje con los límites ecológicos y sociales.

Leonardo recuerda que la naturaleza no es un obstáculo que la tecnología deba superar, sino el marco dentro del cual cualquier invento tendrá que convivir.

Ignorar ese aviso en el desarrollo de la IA no solo es un error filosófico; es también un riesgo práctico para los mismos sistemas de los que depende la vida cotidiana.

Los usuarios realizan imágenes virales generadas por IA versionando memes, acontecimientos históricos o incluso generan crossovers inesperados con Elon Musk y Donald Trump al estilo Ghibli o escenas míticas de todo tipo de películas. Hasta las marcas se han sumado a esta moda en redes sociales.

La función para crear imágenes inspiradas en el estilo de Hayao Miyazaki y compañía está limitada a los usuarios de las suscripciones Plus, Pro, Team y Select. Aquellos que utilicen el plan gratuito tienen un máximo de tres fotos gratis, deben evitar todo tipo de errores para obtener el mejor resultado.

Todos los fallos que debes evitar al crear imágenes al estilo Ghibli

ChatGPT ha causado furor con la generación de imágenes inspiradas en el estudio de animación japonés detrás de clásicos como Mi vecino Totoro o La princesa Mononoke. El chatbot de OpenAI sabe captar la estética tan reconocible.

Los usuarios solo tendrán que entrar en ChatGPT y pedir que genere una imagen al estilo Ghibli, pero la descripción es más importante que nunca. Las indicaciones más precisas y detalladas generan los mejores resultados.

ChatGPT necesita indicaciones lo más claras posible, así que es recomendable no escatimar en detalles. Si quieres los mejores resultados, debes añadir información como las expresiones faciales de los personajes de la fotografía, la ropa y realizar una descripción del entorno.

Los detalles ayudan a que la IA sea más precisa, pero un exceso de datos puede generar el efecto opuesto. ChatGPT puede comprender la descripción de unos 20 elementos simples, si sobrepasas su límite, la IA puede confundir la información y generar imágenes desordenadas o poco realistas.

Studio Ghibli utiliza una gama cromática muy específica, pero esto puede llegar a confundir a ChatGPT. Si quieres emplear unos colores en concreto, la mejor opción es dejar que el chatbot escoja la paleta, aunque le puedes guiar utilizando términos como "colores pasteles suaves" o "tonos apagados".

El arte al estilo Ghibli es tan característico en parte debido a la capacidad de transmitir emociones fuertes. A pesar de que ChatGPT entiende perfectamente cómo reflejar esta estética, es recomendable que especifiques el estado de ánimo de los personajes en las descripciones.

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Saber cómo ser vería tu avatar amarillo rondando por las calles de Springfield ya no es un reto de diseño, pues con usar el prompt adecuado, podrás obtener un resultado espectacular.

En esta guía paso a paso, aprenderás cómo utilizar la IA para diseñar un personaje basado en la famosa serie animada de Los Simpson.

Cómo hacer tu propia versión de Los Simpson con la inteligencia artificial

Cuando se trata de generar imágenes con la IA que tengan detalles muy específicos, puede volverse algo complicado debido a la forma en la que lo interpreta la herramienta.

Sin embargo, hay algunos trucos para este tipo de situaciones y es determinar de manera ordenada todas las características de la persona. 

Haz una lista de los detalles más importantes y redacta el siguiente prompt para solicitarle el diseño a la inteligencia artificial.

“Crea una imagen de un personaje Simpson con la siguiente apariencia: Género: Masculino. Tipo de cabello: rizado. Color de cabello: negro. Tipo de Cuerpo: normal. Color de ojos: negro. Ropa: elegante. Vello facial: barba corta”. - Computer Hoy a IA.

Cada uno de los parámetros nombrados en la solicitud debes adaptarlos a tu apariencia para obtener el resultado adecuado. 

De hecho, puedes agregar detalles como lunares, forma de vestir e incluso cambiar el estilo del fondo y mucho más.

Este proceso se lleva a cabo con efectividad tanto en Gemini, como en Copilot y ChatGPT. Así que, solo es cuestión de que experimentes con tu IA de preferencia y uses las frases adecuadas para conseguir el diseño de Los Simpson que necesitas.

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Lo curioso del asunto es que esta peculiar propuesta ha servido para dos cosas: generar un acalorado debate con respecto al arte (nunca faltan quienes defienden o critican lo que suele llamarse “arte moderno”) y también convertirse en un negocio. ¿Hasta qué punto este tipo de excentricidades tienen un recorrido real? Visto lo visto, no es para tomárselo a risa. 

Plátano con cinta adhesiva: la otra cara del arte

En diciembre de 2019, un plátano común y corriente pegado a la pared con cinta adhesiva desató un frenesí en el mundo del arte. La obra, titulada Comedian, fue creada por el artista conceptual italiano Maurizio Cattelan y expuesta en la prestigiosa feria Art Basel Miami Beach. Lo que parecía una broma ridícula rápidamente se convirtió en uno de los mayores debates artísticos.

En realidad, Comedian es exactamente lo que parece: un plátano puesto en una pared con un trozo de cinta adhesiva gris. Cattelan, conocido por su provocadora visión creativa, utilizó este simple gesto para desafiar al arte convencional y su valor. Sin embargo, lo más sorprendente no fue la obra en sí, sino su precio: 120.000 dólares por cada una de las tres ediciones disponibles.

¿Y qué pasaba con el plátano? Pues que no venía con instrucciones específicas de conservación, por lo que más pronto que tarde se acabaría pudriendo irremediablemente. Eso sí, los compradores recibieron un "certificado de autenticidad" y la libertad de reemplazar el plátano cuando lo consideraran necesario. Vamos, que colaboraban en la obra. 

Pero por si todo esto no fuese ya lo suficientemente surrealista, durante la feria, otro artista, David Datuna, despegó el plátano de la pared, lo peló y se lo comió frente al público. Datuna tituló su intervención Art Performance: Hungry Artist (Artista hambriento) y declaró que su acto también formaba parte del arte. Las redes sociales hicieron eco del asunto, claro. 

Una ¿broma? De 6,2 millones de dólares

Curiosamente, la historia de este plátano no ha terminado aún. O lo ha hecho de la forma menos esperada. En una reciente subasta celebrada esta semana en la ciudad de Nueva York, la pieza ha terminado por adjudicarse por la friolera de 5,2 millones de dólares (a lo que habría que sumarle un millón más por las cuotas de la casa de subastas donde se ha celebrado). 

La puja dio comienzo por 800.000 dólares, y no dejó de subir hasta alcanzar la considerable cifra comentada. Un acontecimiento que vuelve a poner de manifiesto que el arte, según parece, depende no solo del talento que alguien pueda tener para embellecer el mundo, sino de las circunstancias que, de una forma u otra, rodean una creación. Por disparatada que sea. 

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El esforzado operario no ha recibido ningún reproche, ni ha sido despedido. A los ojos de cualquiera que no sea un amante del arte contemporáneo... Esas latas estaban para tirar...

El museo LAM se caracteriza por sus exposiciones "poco comunes", en donde las obras de arte no se muestran solo en las paredes o en vitrinas, sino en, literalmente... cualquier lugar. Incluido el suelo.

Cuando la basura puede ser arte

Según cuenta la propia jefa de comunicaciones del museo, Froukje, en la web de LAM, un técnico de ascensores había terminado su jornada laboral, así que se dispuso a irse a casa, cuando algo le llamó la atención.

En el suelo había dos latas vacías y aplastadas, que puedes ver en la foto de apertura de la noticia. Pensó que algún trabajador del museo las había dejado allí, así que las recogió y las tiró a la basura.

Antes de marcharse, la conservadora del museo, Elisah van den Bergh, dio un repaso a la colección, como hacía siempre, y descubrió que faltaba una de las obras de la colección Todos los buenos momentos que pasamos juntos, del artista francés Alexandre Lavet.

Desesperada, se puso a buscar por los alrededores... y encontró las latas en una bolsa de basura cerrada, lista para tirar al contenedor.

Afortunadamente no estaban dañadas, así que bastó con limpiarlas un poco para devolverlas a su lugar en la exposición.

La colección Todos los buenos momentos que pasamos juntos está formada por diferentes grupos de latas vacías y aplastadas, pintadas a mano por el artista Alexandre Lavet, que estaban expuestas en el suelo, o tiradas en asientos, o en una mesa:

Como se puede ver en la foto, nadie ha podido reprochar al operario, que no conocía la exposición, su "error" de confundir una obra de arte con basura tirada en el suelo...

Esto es lo que dice artista Alexandre Lavet sobre su colección, en su página web: "Estas obras son un homenaje a las calles de Bruselas, los estudios de artistas, los pisos de amigos, las fiestas, las inauguraciones de exposiciones en galerías y espacios gestionados por artistas, y a este objeto común y familiar que reúne a personas y amigos".

Y continúa: "Las latas de colores destacan bajo la luz, mientras que las blancas y negras parecen haber perdido sus colores en las zonas de sombra".

Hace siglos, era fácil distinguir una obra de arte. El arte contemporáneo se lo pone más difícil, a los no entendidos. Este empleado confundió unas latas de cerveza aplastadas con basura, porque estaban expuestas en el suelo. ¿Quién puede reprochárselo?

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Cuando se habla de esta categoría de arte, es bastante complicado imaginarlo relacionado con la tecnología de alguna manera, ya que esta tradición textil proviene de un pueblo indígena antiguo que sigue manteniendo su cultura hasta el día de hoy. 

Pues bien, la fusión de estos dos elementos como un arte ha sido descubierta por parte del historiador Ken Shirriff en la Galería Nacional de Arte de Estados Unidos.

Lo sorprendente de esto es que dicha obra cuenta con un patrón que sigue el diseño de un procesador Pentium de Intel, lo que cuestiona las dinámicas entre herencia cultural y avances tecnológicos. 

Un tejido navajo cuenta con un diseño exacto del troquel de un procesador Pentium 

Según el informe de Ken Shirriff, la obra en cuestión ha sido realizada por la artista Marilou Schultz, una alfombra tejida detalladamente para mostrar el aspecto interno de un chip Pentium. 

La idea es conectar el arte textil navajo con la tecnología moderna para hacer algo nunca antes visto. De hecho, esta pieza fue creada con materiales naturales como tintes vegetales y las técnicas más tradicionales.

Tal y como se puede apreciar, el proceso fue meticuloso para poder llegar a un diseño en el que se muestre cada una de las secciones del troquel del procesador.

El resultado ha sido una división de 64 secciones que se juntaron para conformar toda la estructura y la función de diferentes componentes, como las unidades de ejecución.

Las distribuciones en el arte son tan precisas que se pueden visualizar fácilmente. En efecto, el historiador ha mostrado cada una de las partes del chip sobre el tejido y es algo impresionante cómo se acopla al diseño del componente.

Esta obra fue un encargo de Intel en 1994 para otorgarlo a AISES (Sociedad de Ciencia e Ingeniería de los Indios Americanos). De esta manera, fue como llegó a la sección de “Historias tejidas: textiles y abstracción moderna” en una de las exposiciones de exposición de arte.

Actualmente, Marilou Schultz está trabajando en otro proyecto similar, pero basado en el chip Fairchild 9040. Este tiene una gran importancia porque fue hecho por empleados locales de una planta de tierras de Navajos.

Ver cómo se complementan dos temas tan diferentes a través de una obra tejida a mano es algo que pocas veces se puede apreciar, sobre todo en la actualidad, con la llegada del arte generado con inteligencia artificial.

El hecho de que se haya implementado uno de los procesadores más importantes de Intel en un tejido navajo nos da una perspectiva diferente y ganas de mantener lo tradicional haciendo fusiones con elementos modernos. 

En fin, solo es una muestra más de que lo clásico no pasa de moda y que va a ser muy difícil que la IA reemplace un trabajo humano como este.

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Personajes de Mario, animales, y otras creaciones con flores inmortalizadas en fotografías o cautivas en cuadros al vacío, antes de que se marchiten.

Si le dices a ChatGPT que cree un Mario o un Bowser hechos con flores, hará algo parecido a esto en cuestión de segundos. Pero no será lo mismo. Raku Inoue tarda horas, incluso días, en elegir y colocar las flores, para diseñar sus peculiares obras.

Obras de arte hechas con flores

El artista Raku Inoue es un japonés afincado en Canadá, que un día estaba observando las hojas de los árboles arrastradas por el viento, y pensó que era un desperdicio. Así que las recogió, y se puso a pensar qué podía hacer con ellas.

Comenzó a recrear animales, personajes de los videojuegos de Mario, y todo tipo de objetos, usando únicamente elementos provenientes de las plantas: flores, hojas, semillas, ramas, etc.

Hoy, siete años después, ha convertido esta curiosa afición en su profesión. Las empresas le contratan para crear campañas publicitarias decoradas con obras modeladas con flores. Puedes verlo en este vídeo:

Raku Inoue recoge él mismo las plantas que usa, y adapta sus creaciones en función de la estación. Los colores son diferentes según la época del año.

Las hojas no están teñidas. Todo lo que ves son colores naturales. Pero, a medida que se marchita, una obra puede cambiar sus colores, e incluso desaparecer completamente.

Aunque están hechas con elementos planos, todas estas creaciones con plantas tienen un efecto tridimensional. Asegura que viene de su trabajo como escultor con arcilla polimérica, que hace que su mente siempre visualice todo en 3D.

Raku Inoue es uno de tantos artistas cuya profesión está amenazada por la IA, que puede crear objetos con cualquier material, en segundos, y gratis.

Pero siempre habrá gente que valorará el trabajo manual. La sensibilidad y la dedicación para crear obras de arte hechas con flores.

Las creaciones de muchos artistas modeladas en piedra o pintura, duran siglos. Raku Inoue eligió usar algo tan efímero, como una planta. Pocas de sus obras perdurarán en el tiempo, pero ha sabido ganarse la vida con ello.

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Uno de los mejores ejemplos actuales en la web es Wombo.art. Lo único que necesitas para hacerlo funcionar es introducir en su pantalla inicial una frase, una idea, un personaje… lo que te apetezca. Con esto, la IA es capaz de generar una obra de arte (dependiendo del tipo de arte que hayas decidido previamente).

Lo fascinante de la herramienta es comprobar como una inteligencia artificial puede componer verdaderas obras a partir de cualquier texto breve, que no le pide nada a otras como DALL-E 3 o Midjourney. Cabe señalar que tiene versiones móviles para iOS y Android, así como también una versión web.

Una vez definida la frase, Wombo te permite adoptar un estilo artístico sobre una gran biblioteca disponible, o desactivarlo por completo, si así lo prefieres. Hay mucho para experimentar aquí, desde estilos barrocos, futuristas, Steampunk, hasta uno ajustado a las pinturas de Dalí.

Cómo crear tu obra de arte con Wombo y la IA

Wombo utiliza algoritmos avanzados de IA para interpretar tus descripciones y generar imágenes que capturan la esencia de lo que imaginas. Tanto si eres un amante del arte, un diseñador, o simplemente alguien que quiere experimentar con nuevas formas de expresión creativa.

Lo primero que necesitas hacer es abrir tu navegador web y dirigirte al sitio web de Wombo. Es una plataforma accesible y fácil de navegar. Una vez en el sitio, tendrás que escribir una descripción detallada de la imagen que tienes en mente. 

Cuanto más específico seas en tu descripción, más precisa será la representación visual que la IA creará. Por ejemplo, podrías escribir: Un paisaje montañoso al atardecer con un lago reflectante y un cielo lleno de colores cálidos. Debes escribir tu frase en inglés, puedes apoyarte de Google Translate.

La plataforma te permite elegir entre varios estilos de arte. Puedes optar por un estilo realista, impresionista, abstracto, o cualquier otro que se ajuste a tu visión. Este paso es crucial para personalizar la obra de arte según tus preferencias.

Una vez que hayas ingresado tu descripción y seleccionado el estilo, haz clic en el botón para generar la imagen. La IA de Wombo.art se encargará de crear la obra de arte en cuestión de segundos. Si estás satisfecho con el resultado, puedes descargar la imagen y compartirla con tus amigos o en tus redes sociales. 

La creación de la imagen toma unos segundos, y una vez creada podrás descargar una copia en alta definición (1920x1080), tan solo debes hacer clic en el botón de descarga que aparece en la parte inferior izquierda de la imagen. 

También es curioso que la IA genera imágenes diferentes con el mismo estilo y palabra o frase, por lo que aparte de la multitud de estilos disponibles, tienes infinitas versiones de la misma premisa. Sin embargo, la mayoría son de pago, por lo que debes pasar por caja para desactivar todas las funciones.

Como ya mencionamos, el servicio emplea una clase de algoritmos de inteligencia artificial que se utilizan en el aprendizaje automático. Esta técnica puede generar imágenes que parecen auténticas.

De momento y pese a la viralidad que está alcanzando esta aplicación, no se han reportado fallos a la hora de acceder a la web o generar el contenido. Por lo que no esperes más, pruébala y sorpréndete con sus creaciones.

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Rinehart no estaba contenta con un retrato realizado por el artista Vincent Namatjira. La obra estaba colgada en la Galería Nacional de Australia, pero la mujer considera que el resultado no es muy halagador y no ha dudado en criticar el cuadro.

La realidad es que pasa desapercibido entre otras obras y muy pocos han apreciado que se trata de Gina Rinehart. Otros han reconocido a la magnate australiana y han continuado su visita con cierta risa en su rostro.

La mujer no ha dudado en ponerse en contacto con la Galería Nacional de Australia y pedir que retiren la obra. La exposición ubicada en Canberra ha rechazado su petición en un comunicado y apuesta por el diálogo para discutir la retirada de obras de su colección.

El retrato de Gina Rinehart ha ganado una popularidad insospechada

El pequeño incidente ha pasado a convertirse en una noticia nacional y la gran mayoría de los australianos han visto la obra. Gina Rinehart intentaba acabar con las burlas asegurándose de que nadie viese su retrato y ha conseguido el efecto contrario, recoge Techdirt.

Los medios de comunicación australianos informaron de la controversia con la pintura del artista Vincent Namatjira. The Guardian incluso se atrevió a calificarlo como el último ejemplo del efecto Streisand y la revista TIME titula: "Un multimillonario australiano intentó suprimir el poco halagador retrato que un artista aborigen hizo de ella. Sólo ha llamado más la atención".

El término acuñado por la propia Barbra Streisand nació después de que la cantante y actriz demandara a un fotógrafo en 2003 por publicar una imagen tomada sin su consentimiento en su casa de California (Estados Unidos).

El intento de Barbra Streisand de eliminar todo rastro de la imagen provocó que la fotografía llegara a un millón de personas que visitaron la exposición en un mes. Gine Rinehart ha vivido una situación similar. 

La Galería Nacional de Australia ha asegurado que han detectado un aumento considerable en el número de visitantes que acuden a la exposición. Rinehart se ha convertido en una de las personas más buscadas en Google y el tráfico en los canales digitales de la galería ha subido durante la semana pasada.

El interés por el retrato de la mujer más rica de Australia era prácticamente nulo y ahora la obra es otro de los atractivos turísticos de la ciudad de Canberra.

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"Pedimos disculpas porque nuestro sitio web está inoperativo actualmente", aparecía en la web cuando los visitantes intentaban acceder a la sección de subastas de arte este lunes por la tarde. 

Las ventas mundiales de Christie's en 2023 ascendían a 5.800 millones de euros. Los hackers sabían lo que estaban haciendo ya que esta semana estaban en activo tres grandes subastas:

• Obras de la coleccionista de arte Rosa de la Cruz con las que esperan recaudar 30 millones de dólares el 14 de mayo.
• Colección de arte del siglo XXI por valor de más de 100 millones de dólares el 14 de mayo.
• Colección de arte del siglo XX por valor de 500 millones de dólares el 16 de mayo.

Christie's apostó de lleno en diciembre del año pasado por su plataforma de venta online como su motor de crecimiento. Esta sería una "puerta de entrada para construir y ampliar relaciones con compradores nuevos y más jóvenes", expresó.

La empresa aseguró que el 33% de los nuevos vendedores y compradores de arte de Estados Unidos utilizan o han utilizado su plataforma en línea. Las pérdidas de mantener la página inactiva durante días se pueden contar por millones de euros.

The New York Times fue el primer medio en informar de la interrupción el pasado 10 de mayo. Christie's detectó la noche del jueves 9 de mayo que algo no estaba funcionando correctamente pero no le dieron la importancia que debería hasta el viernes, momento en el que se paralizaron algunas subastas.

Christie's intentó resolver el hackeo lo antes posible, pero no sería sencillo ya que sus servidores se habían caído por completo.

El problema empezó a solucionarse el domingo y la única subasta que no se ha podido realizar según lo previsto es de una colección de relojes de lujo. Los vendedores y compradores realizaron las transacciones por teléfono o en persona mientras la empresa solucionaba el problema informático.

Christie's está creando una web de reserva en la que almacenar los artículos en subasta, sus catálogos y las fichas de los usuarios. Los compradores podrán utilizar el servicio online Christie's Live cuando esté operativo.

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Esta vez no hablamos de expertos o gurús que prevén un fin del mundo al más puro estilo Matrix o Terminator, sino algo mucho más tangible: cientos de cantantes se han opuesto a la IA, e incluso han firmado una queja en la que expresan su descontento con las nuevas herramientas para crear música. Este colectivo no es el primero en hacerlo, y seguramente no sea el último. 

Cantantes contra la inteligencia artificial

Un total de doscientos cantantes (algunos de ellos también compositores) se han unido para una causa común: decirle “no” a la IA. Es decir, a aquella parte de la misma que supone una amenaza para su trabajo. Entre quienes han decidido sumarse a la iniciativa hay gente de todos los géneros: Billie Eilish, Elvis Costello, Norah Jones, Sheryl Crow, o Katy Perry, Pearl Jam o R.E.M.

En su opinión la inteligencia artificial supone todo un peligro para la creatividad y el arte pero, sobre todo, para su trabajo. El cual, según parece, está siendo utilizado para entrenar a la propia IA. Es decir, que de alguna forma, los músicos sostienen que son sus creaciones las que están alimentando al “depredador” (así lo han denominado) que “roba su aspecto y sus voces”.

En realidad, y si se mira con perspectiva, no es la primera vez que pasa esto. El New York Times fue uno de los primeros medios importantes en denunciar a varios desarrolladores de inteligencia artificial por, a su parecer, hacer uso de sus contenidos sin permiso ni remuneración alguna. Curiosamente, el propio periódico anunció luego que usaría esta tecnología en su redacción. 

Y algo similar también ha sucedido con pintores, fotógrafos, escritores (encabezados por Dan Brown) y casi todo tipo de artistas. Al fin y al cabo, la inteligencia artificial, tanto la escrita como la que crea imágenes (o música) no inventa de la nada, se inspira en obras ya hechas. ¿Dónde está, por lo tanto, el límite de los derechos de autor? Esa es la pregunta clave de todo este asunto. 

¿Qué piden los músicos?

La carta de los cantantes en la que muestran su oposición a la inteligencia artificial también ha estado secundada por artistas españoles, como es el caso de Luz Casal y Manuel Carrasco. Estos y los internacionales tienen claro que el “robo” creativo que lleva a cabo la inteligencia artificial es inadmisible. 

¿Lograrán estas protestas llegar a alguna parte o, tal y como sucedió en luchas anteriores como la de Metallica con Napster, no conseguirán cambiar en absoluto en signo de los tiempos? Es difícil saberlo, o responder aún a todas las preguntas que, eso sí es seguro, el uso de la IA continúa despertando. 

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Esta cifra matemática no solo se manifiesta en la naturaleza, sino que también deja su huella distintiva en el arte y la arquitectura, convirtiéndose en un elemento que ha despertado la curiosidad y la admiración de generaciones. 

Cabe señalar que a lo largo de los siglos se le ha llamado de muchas formas, como el número dorado, el número de phi, la sección áurea, la medida áurea o incluso el número de Dios.  

Sin embargo, más allá de su nombre que puede confundir a más de uno, su significado real no es más que una simple proporción geométrica.  

El número áureo  

La proporción áurea es una relación matemática que se manifiesta cuando la proporción de dos segmentos de una recta es igual a la proporción del segmento más largo con el segmento más corto. 

Numéricamente, es aproximadamente 1.618033988, un número irracional que no puede expresarse como la fracción de dos números enteros. Sin embargo, se puede aproximar a varios decimales. 

Y para entender cómo funciona realmente, hay que echar un vistazo a la sucesión de Fibonacci, que es la secuencia matemática infinita en la que cada número es la suma de los dos anteriores.  

Comienza con 0 y 1, y la secuencia continúa de la siguiente manera: 0, 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, 21, 34, y así sucesivamente. Para entenderlo mejor, se presenta de la siguiente manera: 

• 0+1=1 
• 1+1=2 
• 1+2=3 
• 2+3=5 
• 5+3=8 
• 8+5=13 

La conexión entre la sucesión de Fibonacci y la proporción áurea es asombrosa. A medida que se avanza en la sucesión, la relación entre dos términos consecutivos se aproxima al número áureo, que es aproximadamente 1.618033988. 

Es importante mencionar que el número áureo se encuentra en la naturaleza en una gran variedad de formas. Por ejemplo, se puede observar en la distribución de los pétalos de las flores, en la forma de las conchas marinas, así como en la disposición de las ramas de los árboles.  

Pero no solo la naturaleza se ve influenciada; el diseño de logos también utiliza esta relación para lograr un equilibrio estético y visualmente atractivo. El logo de la marca Apple está basado en la proporción áurea.  

La manzana mordida está dividida en dos partes, de manera que la relación entre la parte mayor y la menor sea igual a la relación entre la totalidad y la parte mayor. 

Por su parte, el arte, así como la arquitectura, aprovecha esta cifra divina para la distribución del espacio y dar una mejor forma a los elementos.  

Otro ejemplo de uso del número áureo en el arte es el Partenón de Atenas. Las proporciones del templo se basan en este número, lo que le confiere una sensación de equilibrio y armonía.  

Por supuesto, la pirámide de Guiza también es un ejemplo de ello, ya que la altura del monumento dividida por la mitad de la base es aproximadamente igual al número áureo, lo cual es sorprendente.  

La obsesión de da Vinci por el número áureo  

Leonardo da Vinci estaba obsesionado con la proporción áurea, por el hecho de que la consideraba una cifra perfecta, que representaba la belleza y la armonía. El artista creía que esta proporción matemática era la clave para crear obras de arte que fueran bellas y equilibradas.  

Por eso, utilizó el concepto en muchas de sus obras, como la Mona Lisa, El Hombre de Vitruvio y la Última Cena.  

Da Vinci llegó a la conclusión de que esta cifra geométrica era divina y que se encontraba oculta en todas las cosas de la naturaleza. Por esta razón la consideraba un elemento sagrado.  

En última instancia, la proporción áurea no es solo una idea abstracta, se manifiesta en todo lo que nos rodea. Observa cómo los pétalos de una flor o la espiral de un girasol siguen el patrón matemático de este concepto.

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La historia de este Botticelli recogida por Insider, comienza en la década de 1960, cuando Enrico Somma lo extrajo de una capilla en el sur de Italia, temiendo por su seguridad. El temor a los robos de arte, comunes en iglesias italianas por aquel entonces, motivó su decisión. La pieza pasó de ser un objeto de devoción pública a un secreto familiar celosamente guardado.

El cuadro muestra a la Virgen María sosteniendo al Niño Jesús. Los expertos sugieren que Simonetta Vespucci, musa frecuente de Botticelli, pudo haber sido la modelo. Este detalle realza la importancia histórica y artística de la obra, aportando un toque humano a la narrativa.

Enrico Somma, consciente del valor incalculable de la pintura, tomó medidas extremas para su protección, incluyendo dormir con un arma cerca. La familia, rechazando ofertas de compra, mantuvo el cuadro oculto, especialmente tras la muerte de Enrico, para disuadir el interés y prevenir robos.

El rumor y la creciente atención en las redes sociales llevaron a la familia a preocuparse. Finalmente, decidieron confesar y devolver la obra. Esta decisión estuvo influenciada por la presencia en la zona de los grupos criminales de la Camorra, que ponían en peligro tanto a la familia como a la pintura.

El Boticceli se encuentra ahora en la Galería Ufizzi de Florencia

El retorno del Botticelli habría sido orquestado por Nello D'Auria, alcalde de Gragnano, quien actuó como intermediario entre los Somma y las autoridades. El cuadro fue entregado a la unidad de protección del patrimonio cultural de los carabinieri en una ceremonia secreta el mes pasado.

Actualmente, La Virgen y el Niño o Madonna and Child se encuentra en la Galería Uffizi en Florencia, donde se somete a un proceso de autenticación y restauración que durará aproximadamente un año. 

A pesar del valor sentimental de la obra para la familia Somma, expresaron su deseo de que eventualmente regrese a la comunidad, posiblemente en un museo.

Este acto de devolución ilustra un vínculo emocional profundo entre una familia y una obra de arte, trascendiendo de su valor monetario. El artículo se basa en la información reportada por Insider y otros medios, ofreciendo una visión de este fascinante episodio en la historia del arte.

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La fama de Dalí se fundamenta en su inmensa contribución al movimiento surrealista. Sus pinturas, como La Persistencia de la Memoria, son reconocidas en todo el mundo por su estilo onírico y sus imágenes extravagantes.   

Sin embargo, dentro de su genialidad y figura, había algo más que quizás no era bien visto por algunos, pero por otros era un simple gesto de generosidad. Una anécdota que circula sobre él revela un aspecto inusual de su personalidad.  

Se dice que, después de disfrutar de lujosas cenas con amigos en restaurantes caros, Dalí encontraba una manera única de evitar pagar las facturas. Sin duda, algo que muchos piensan que es una mentira, pero según Mises Hispano, esto es una historia verdadera.  

Esto es lo que hacía Dalí para no pagar las facturas en los restaurantes 

"Después de salir de fiesta con sus amigos y consumir lo más caro que los restaurantes podían ofrecer, llegaba el momento de pagar, pedía la cuenta, sacaba uno de sus cheques, escribía el monto, y lo firmaba.  

Pero antes de entregar el cheque, rápidamente lo volteaba, hacía un dibujo al reverso y lo autografiaba. Dalí sabía que el dueño del local no cobraría la factura, sino que lo guardaría, lo pondría en un marco, y lo expondría en el mejor lugar del restaurante". 

Mises Hispano cree que esta anécdota es cierta, ya que está en línea con la personalidad de Salvador Dalí. Se dice que era un hombre excéntrico y amante del dinero, y no le importaba gastarlo en sus caprichos.  

También tenía un escaso control sobre su obra, lo que lo llevó a que se hicieran muchas falsificaciones de sus pinturas. Con este gesto, Dalí demostró su capacidad para crear impacto y romper los moldes en todos los ámbitos de su vida. 

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Pero entre sus muchas contribuciones, se encuentra una menos conocida, pero igualmente intrigante, se trata de la regla de los árboles, que ha sido parte de la comprensión científica durante más de 500 años.

El polímata florentino plasmó en su obra, también conocida como regla de ramificación, cómo dibujar árboles y explicó su crecimiento. Según esta regla, el grosor de una rama o tronco es igual al grosor combinado de todas las ramas que se desprenden de él. 

Esta idea revolucionaria fue ampliamente aceptada en la comunidad científica e incluso ha ayudado a modelar y entender el funcionamiento de los árboles a lo largo de los siglos. Ya que parecía explicar de forma sencilla cómo se desarrollaba la estructura de los troncos. 

Nuevo estudio refuta la obra de la regla de la ramificación de Leonardo da Vinci

Sin embargo, la ciencia avanza constantemente, y recientemente se ha cuestionado la validez de esta regla. Un estudio publicado por la revista Proceedings of the National Academy of Sciences (PNAS) ha desafiado la obra de Leonardo, arrojando luz sobre la complejidad del crecimiento arbóreo. 

Dos científicos especializados en plantas, Stuart Sopp y Rubén Valbuena, de la Universidad de Bangor en el Reino Unido y la Universidad Sueca de Ciencias Agrícolas, Suecia, respectivamente, lideraron esta investigación. 

Su objetivo era comprender mejor cómo los árboles crecen y cómo esto afecta su capacidad para transportar agua, así como nutrientes, desde las raíces hasta las hojas, y lo que descubrieron fue sorprendente. 

Si bien la regla de los árboles propuesta por Leonardo da Vinci ha sido útil para comprender aspectos como la escala metabólica y la resistencia al viento en los árboles, no se aplica de manera consistente en todos los tipos de troncos y no se sostiene a nivel microscópico. 

Cabe señalar que, para permitir un transporte eficiente de agua y nutrientes, el sistema vascular de un árbol debe mantener una resistencia hidráulica adecuada. Es decir, los canales vasculares deben cambiar sus dimensiones a medida que se extienden hacia las extremidades del árbol. 

De esta manera, se forma una red de capilares más densa en relación con el tejido vegetal que rodea. Este diseño permite optimizar el uso del agua y el carbono en el funcionamiento, además de la estructura del sistema vascular. 

La investigación de Sopp y Valbuena no solo desafía la regla de Leonardo, sino que también ofrece una nueva forma de estimar la biomasa y el carbono de los árboles. Este nuevo indicador podría facilitar la evaluación para enfrentar el cambio climático. 

El estudio aporta nuevos datos a la teoría del escalamiento metabólico, que explica cómo algunas características de las plantas, como la altura, la biomasa, el diámetro y el área foliar, varían según su tamaño.

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Sin embargo, en ocasiones, hay joyas ocultas entre todas las reliquias, y un ejemplo de ello le sucedió a una mujer anónima en Manchester, New Hampshire, Estados Unidos. Una historia que demuestra que los tesoros históricos pueden estar en cualquier lugar, incluso en una tienda Savers. 

En 2017, la mujer, que se desconoce su nombre, entró en la tienda Savers en busca de algo especial, sin imaginar que encontraría mucho más de lo que esperaba. En medio de los estantes llenos de objetos diversos, su atención se posó en un modesto cuadro que estaba a la venta por solo 3 euros.

Por supuesto, en ese momento nadie sospechaba la importancia de lo que había ante sus ojos. La pintura en cuestión, que más tarde sería identificada como Ramona, no llamó la atención de nadie en particular, ni siquiera del propietario de la tienda, que no tenía idea de la joya que tenía a la venta.

Sin pensarlo demasiado, la mujer decidió comprar el cuadro y llevárselo a su hogar, sin sospechar que estaba a punto de desencadenar una historia que cambiaría por completo el destino de esa obra de arte. Pasaron seis años desde la compra y durante esos años el cuadro pasó desapercibido hasta que su verdadero valor se reveló al mundo. 

La revelación ocurrió de manera casual, cuando la mujer anónima decidió compartirlo en Facebook. Ni ella ni nadie podría prever que esa publicación desataría una serie de eventos que sacarían a la luz el misterio que envolvía a la pintura. 

El verdadero valor de "Ramona"

Un conservador de arte, al ver la publicación en la red social, reconoció de inmediato la pieza y supo que debía examinarla en persona. A partir de ese momento, dio inicio una meticulosa investigación para descubrir la verdadera identidad del autor de Ramona. 

La obra, firmada con las iniciales NC Wyeth en una de sus esquinas, llevó a los expertos a una profunda exploración. Y lo que descubrieron los dejó boquiabiertos. La pintura resultó ser la obra perdida del célebre artista estadounidense NC Wyeth, un ilustrador reconocido por su contribución a libros y revistas en el siglo XX. 

Si bien Wyeth es más conocido por sus interpretaciones de historias como Robin Hood y La isla del tesoro, este cuadro en particular es una auténtica y rara joya oculta que ha sorprendido a propios y a extraños. La autenticidad de la obra se confirmó gracias a varias etiquetas en la parte posterior del cuadro y a una pegatina rota que decía Ramona. 

Cabe señalar que la pintura formaba parte de una serie creada por Wyeth para una edición de 1939 de la novela estadounidense Ramona de Helen Hunt Jackson. La sorpresa fue mayúscula, ya que solo se había localizado otra pintura de la misma serie. El cuadro se convirtió en una pieza única, pero sobre todo valiosa. 

Fue subastado por 156.000 libras (179.000 euros) en Bonhams Skinner en septiembre de 2023, lo que representó un asombroso aumento en su valor en comparación con los 3 euros que costó originalmente en la tienda Savers. 

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El Papa Francisco, los actores Chris Pratt y Margot Robbie, los luchadores Dwayne “The Rock Johnson” y John Cena, o las cantantes Lizzo y Ariana Grande, ninguno se salva de aparecer comiendo, algunos más plácidamente que otros, trozos cemento con sus manos.

Como en tantas otras ocasiones, todo comenzó en Reddit, concretamente en un subforo llamado Weird DALL-E, que utiliza la IA de generación de imágenes. Es allí dónde su creador explica: “Alguien ya hizo un concurso normal de comer hormigón. Yo solo decidí hacer uno con famosos”, dice el creador de las imágenes en respuesta a un forero que le pregunta cómo se le ocurrió la idea.

Danny Devito, Keanu Reeves, Elon Musk, el presidente Joe Biden y Donald Trump, todos ponen cara de asco por lo que están haciendo en las imágenes. Es otro gran ejemplo de las inquietantes y, no siempre legales o morales, posibilidades que proporcionan los generadores de imágenes de IA.

“Quería explorar qué pasaría si dieras a un programa de IA acceso a miles de imágenes de alguien comiendo hormigón y le permitieras crear sus propias interpretaciones de ellas”, afirma el creador detrás de la propuesta artística.

La IA fue entrenada con fotos reales de gente comiendo cemento, porque, sí, hay gente que hace esto de forma real, y en Reddit tienen acceso a sus fotos. A continuación, utilizó estos datos para generar imágenes en las que simula que un famoso realmente está comiendo cemento con las manos y los resultados son casi indistinguibles de las fotografías reales.

¿Podría tener este experimento alguna aplicación práctica?

Broma y memes aparte, la inteligencia artificial ha demostrado, con proyectos como este, que puede emplearse para generar imágenes muy realistas que podrían emplearse con fines publicitarios, marketing o incluso artísticos. Esto podría tener un impacto significativo en la forma de generar y distribuir contenidos. 

Además, esta tecnología podría abrir oportunidades a artistas que no tienen acceso a equipos o recursos caros, permitiéndoles crear imágenes de alta calidad con un esfuerzo o coste mínimos. Este es solo un ejemplo más de cómo se está usando la IA de forma creativa, y humorística, y no se puede exagerar su potencial para transformar la forma en que producimos arte y contenidos en el futuro. 

Por otro lado, y no de forma menos preocupante, también demuestra los peligros relacionados con la privacidad de las personas implicadas y de cómo las inteligencias artificiales necesitan regulación, tal y como ya ha admitido la propia creadora de ChatGPT

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Piet Mondrian o también conocido como solo Mondrian fue un pintor vanguardista neerlandés. Su relevancia en el mundo del arte es tal que, incluso ahora, su legado continua presente dentro de las diferentes escuelas del neoplasticismo. Las obras de Mondrian se exponen en museos de todo el mundo y son admiradas por una enorme cantidad de visitantes.

Entre sus cuadros más famosos se encuentra Composición en rojo, amarillo, azul, blanco y negro que se encuentra en Gemeentemuseum en la Haya, Países Bajos. Posiblemente sea la obra más famosa que tiene o, al menos, la más conocida por el público general; pero no es la que nos interesa ya que esa se encuentra colgada en la posición correcta.

Las obras de arte abstractas de Piet Mondrian son complicadas de interpretar y más cuando no se encuentra acabada. El cuadro que lleva exponiéndose en diferentes salas de museos desde hace más de 75 años y para más inri, ha pasado toda su existencia colgado boja abajo en los diferentes museos en los que se ha expuesto.

Las obras de arte de Mondrian siguen dando que hablar a día de hoy, aunque sea por su orientación

Tal y como recoge el ABC, Susane Meyer-Büser ha descubierto que esta obra de Mondrian se encuentra colgada boca abajo. Lo que ha llevado a esta comisaria a descubrir este pequeño gran detalle es el estudio de la obra, dando lugar a declaraciones en las que indica que el engrosamiento de la cuadrícula debería encontrarse en la zona superior.

La palabra de Susane Meyer-Büser se ve avalada por varias pruebas: una fotografía en el estudio de Mondrian en el que se ve la pintura en un caballete colocada al revés de la orientación actual y una pintura del mismo estilo que se encuentra en el Pompidou de París que está en la orientación correcta.

Viendo todo esto el pensamiento más lógico es creer que se puede solucionar dándole la vuelta y ya. Pero esto no se puede hacer, al llevar la obra más de 75 años colgada del revés en caso de que se cambie la orientación se destrozaría debido a la gravedad. Y, es que, las cintas que están presentes en la obra no aguantarían este cambio de orientación.

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Esta nueva función de DALLE-E se conoce como "outpainting" y permite a los usuarios tomar una imagen original y luego hacer que la inteligencia artificial amplíe los límites de la obra. Maravillas del OpenAI.

En este caso, DALL-E añade elementos visuales adicionales al cuadro, tomando el estilo original y ampliando los bordes. Sinceramente, algunos ejemplos dan miedo de lo bien que trabaja. Encaja perfectamente con el estilo y la forma de trabajar del autor original.

Ver como trabaja la IA haciendo esta labor de outpainting es impresionante, y más cuando se ponen obras reconocidas, como ahora vais a ver. Hemos recopilado algunos de los mejores ejemplos, para que así comprobéis que no es cosa nuestra: la IA parece hacer magia.

"Perros jugando al póquer" es una maravillosa serie de pinturas que muestran al mejor amigo del hombre participando en una timba de póker, el cuadro es de los más reconocibles del siglo XX, saliendo un montón de series y películas (incluso en Los Simpson).

Si alguna vez se ha preguntado qué hay más allá del marco del lienzo original, DALL-E tiene la respuesta... o una respuesta que a muchos nos parece válida.

Y no acaba aquí, ya que también hay lugar para un cuadro imperecedero e icónico: la Mona Lisa. Eso sí, lo mismo está un poco cambiada... más de ciencia ficción y detalles un poco fuera de lugar.

La inteligencia artificial tiene muchos usos y, posiblemente, este sea el menos útil para la humanidad (si lo comparamos con buscar medicinas o curas para enfermedades raras). Sin embargo, una aproximación artística desde el mundo de la IA es realmente curioso de observar. Se agradece entre tanto ruido.

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Y es que, hay un cierto sector de la población que, ya sea porque es invidente, o porque tiene problemas visuales, no pueden visualizar datos científicos. Esto ahora ha acabado gracias a un arte antiguo recuperado, conocido como litofanía.

En pocas palabras, nos encontramos ante una forma artística de representación de imágenes a través de grabados. Estos finos grabados solían estar hechos de materiales translúcidos como la porcelana o la cera. Cuando se retroiluminaban, aparecía una imagen tridimensional.

La técnica cayó en desuso tras la invención de la fotografía, pero la llegada de la impresión en 3D ha reavivado el interés. Hoy en día, las litofanías se suelen hacer con plástico, impreso en 3D a partir de cualquier imagen 2D convertida en topografía 3D.

Según un artículo publicado recientemente en la revista Science Advances, estas litofanías son accesibles para estas personas y deben usarse para mostrarles cosas que se están perdiendo.

"Esta investigación es un ejemplo de cómo el arte hace que la ciencia sea más accesible e inclusiva". dijo el coautor Bryan Shaw. "Las imágenes que salen del telescopio Webb son inaccesibles para las personas ciegas. Sin embargo, demostramos que unos gráficos táctiles y delgados, llamados litófanos, pueden hacer que todas estas imágenes lo sean, independientemente de la vista", continúa.

Desde luego, puede parecer una tontería, pero la '"visualización" de los conceptos científicos es común tanto en la escuela como en grados más altos y supone considerables barreras educativas para los estudiantes con ceguera o baja visión.

Ante esto, recursos como el braille o modelos táctiles, parecen quedarse algo cortos y esto daría un empujón final para que cada vez más invidentes o discapacitados visuales salten a este campo. Los autores imaginan un día en el que las tradicionales diapositivas de PowerPoint utilizadas en las charlas, puedan convertirse en litofanías, y los asistentes sostengan los gráficos en sus manos.

Encontrar una forma de crear gráficos científicos táctiles universales que puedan utilizar tanto los ciegos como los videntes eliminaría una antigua barrera que ha mantenido a muchos discapacitados visuales fuera del mundo de las ciencias.

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Esto se conoce como hand lettering y es una habilidad creativa específica que utiliza las letras para crear bonitos diseños y arte. Este requiere cierto nivel de experiencia y capacidades, aunque realmente todos podemos iniciarnos y conseguir grandes resultados.

Si mínimo sabes escribir y te apetece iniciarte en este arte, el hand lettering puede convertirse en tu nuevo pasatiempo favorito. Tal vez ya hayas probado a escribir letras a mano, o tal vez seas nuevo en esto y no tengas ni idea de por dónde empezar. Si no es así, te dejamos con algunos aspectos y cosas básicas que vas a necesitar si quieres comenzar.

Primero de todo necesitarás bastante materiales: papel, bolígrafos, rotuladores, pinturas y material de ofimática en general, ya depende de tu imaginación. Por otro lado, una de las grandes bases en todo arte es la inspiración. Sin embargo, Internet está lleno de ejemplos (sobre todo Pinterest e Instagram).

Cómo, uno de los grandes consejos en la práctica. Las dos formas que se recomiendan son las de escribir a mano la palabra "mínimo" en minúscula un montón y dedicar tiempo a una letra al día. Esta palabra se caracteriza por tener todas las curvas y giros esenciales que encontrarás en el resto de palabras.

Una vez que hayas aprendido el método, intenta crear tu propio alfabeto. Esto te ayudará a crear un estilo propio que te resulte atractivo. por último, otro factor muy a tener en cuenta es que deberías aprenderte las fuentes. 

Puedes optar por centrar tus esfuerzos en dominar una sola familia (serif, sans serif y script), pero averiguar cómo crear letras con una variedad de familias de fuentes puede hacer que tu trabajo destaque por encima del resto y sea mucho más rico.

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Esta herramienta ya es voz populi, aunque si aún no la conoces te dejamos este artículo en el que te explicamos en qué consiste y su origen en OpenAI, con Elon Musk como uno de los principales fundadores.

Como ya podréis suponer estamos ante la segunda versión de algoritmo de red neuronal, una versión mejorada de su predecesora, y que además ofrece más opciones. OpenAI define esta segunda versión como un nuevo sistema de creación de imágenes realistas generadas en base a una descripción.

El programa, que fue anunciado por el laboratorio de investigación de inteligencia artificial OpenAI en abril de 2022, no se ha hecho público, pero un pequeño, pero cada vez más grande, grupo de personas, ha tenido acceso para experimentar con él y los resultados cada vez están siendo más espectaculares.

Es cierto que Twitter actualmente está lleno de memes que no dejan de ser un uso absurdo de la herramienta, pero que ciertamente es increíble lo que consigue con cuatro palabras.

Hasta hace poco, como ya hemos mencionado, la mayoría de la gente no tenía acceso directo a DALL·E y, en su lugar, tenía que satisfacer sus ansias de imágenes de IA con DALL-E mini, una imitación a pequeña escala construida por Craiyon. 

Matizar que el 21 de julio OpenAI invitó a un millón de nuevos usuarios de DALL·E 2 de su lista de espera, por lo que ya estamos viendo como esa apertura se está realizando, aunque lentamente.

Sin embargo, hoy queremos poner en valor las capacidades del artista de IA Denis Shiryaev y su grupo (y más artistas), que han aprovechado esta capacidad de DALL·E 2 para hacer que la IA aumente retratos y pinturas famosas de artistas como Leonardo da Vinci, Vasily Vereshchagin, Johannes Vermeer o Vincent van Gogh.

Hay que destacar que un usuario de Reddit ya había demostrado esta función de DALL·E 2 antes que Shiryaev utilizando la Mona Lisa. Combinó varias imágenes generadas para crear una panorámica especialmente detallada y extensa.

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Todos estamos acostumbrados a ver estos cuadros en su formato original ya sea en sus museos o en miles y miles de imágenes que tenemos a nuestra disposición en material digital, libros, revistas...etc.

Sin embargo, es cierto que, aunque no es algo que sea necesario, sí que resulta atractivo o curioso conocer aquello que se intuye que estaba viendo el pintor en el momento de crear su obra o lo que imaginaba más allá de lo que plasmó. 

Ellos decidieron un encuadre determinado pero había mucho más allá y DALL·E 2 nos da su interpretación en algunos de los cuadros más famosos del mundo con gran maestría.

"La Mona Lisa", también conocida como "La Gioconda", es una obra del Renacimiento pintada por el gran Leonardo da Vinci. Pintado entre 1503 y 1506, a día de hoy es considerado uno de los más importantes símbolos de la cultura occidental. 

Quizá no sea tan llamativo como el resto de cuadros que vamos a ver pero desde luego esa luna y ese fondo añade un gran complemento a esta obra, que es totalmente cierto que se quedaba bastante pequeña (77x53 centímetros).

"El grito" es una obra del pintor noruego Edvard Munch, es la pintura más famosa y reconocida de este autor, que debido a la gran fuerza expresionista del cuadro, es considerada como un antecedente y precedente de lo que después iba a ser este movimiento.

Si ya de por sí esta pintura era muy perturbadora, imagínate cuando dejamos de lado al personaje protagonista y añadimos esas dos caras. El cuadro gana aún más puntos que generan incomodidad.

Esta gran pintura/mural es ampliamente reconocida en nuestro país, obra del genio Pablo Ruiz Picasso en 1937. Como ya todos sabemos, se inspira en el contexto histórico de la Guerra Civil española.

Gracias a su estilo cubista y expresionista, se considera una de las grandes obras del siglo XX y DALL·E 2 debía ser usado para mostramos aún más de lo que se escondía. Aquí podemos ver como se hace aún más evidente el sufrimiento y aumentamos el número de víctimas de la barbarie.

En el romanticismo se puso muy de moda pintar paisajes y Caspar David Friedrich, fue uno de los gurús de este concepto sobre todo con "El caminante sobre el mar de nubes". No sabemos qué es lo que realmente tiene, pero existe un halo de identificación con esta obra, con este personaje y con el paisaje.

Aquí el añadido de aún más entorno es un todo por la fuerza que gana la obra. Esa gaviota, esas olas rompiendo contras las rocas hacen crecer por completo una obra que quizá para algunos podría pasar sin pena ni gloria.

Vamos con el artista neerlandés Vincent van Gogh. Esta "Terraza de café de noche" nos transporta a a las noches cálidas de verano, de las vacaciones en nuestros lugares favoritos y casi podemos recrear en nuestra mente todos los sonidos posibles de ese momento.

Pues bien, así es como quedaría si la pintásemos con un gran angular. Esta herramienta consigue ampliar todas las emociones que nos genera la versión original.

"La noche estrellada" es un cuadro pintado en el año 1889 por van Gogh, que marcó un punto de inflexión en el arte postimpresionista.

La técnica usada y los colores lo hacen único. Y es que, DALL·E 2 añade aún más espectacularidad a la obra. Podemos ver la existencia de un canal tan típico de los Países Bajos y cómo las propias luces de las estrellas se reflejan con gran maestría en las aguas.

¿Dónde reside el arte en todo esto?

Muchos llegan a considerar esta herramienta más artista que los propios pintores, aunque puede que ya estemos hablando de palabras mayores.

Es cierto que ningún ser humano puede hacer lo que hace DALLE·2, es decir, crear una gama de imágenes tan variada y de tan alta calidad en cuestión de segundos, pero esto no le convierte en artista. Aunque a veces parezca magia, bajo el capó sigue siendo un algoritmo informático, que sigue rígidamente las instrucciones de los autores del algoritmo en OpenAI.

El arte, en última instancia, de esta herramienta reside en quienes diseñaron el algoritmo, e incluso en aquellos que hacen un uso como el que ya hemos visto.

Y es que sí, parece que hay poco mérito en aquello que es generado por una máquina, pero alguien ha tenido que estar detrás ideándola y dándole forma. Si lo tomamos como ejemplo, ocurre lo mismo con la fotografía, pero ahí está el fotógrafo que es el que decide el encuadre, el brillo, el enfoque...etc. y lo consideramos un oficio artístico.

DALL·E 2 parece que acorta este proceso, pero no por eso es menos meritorio, al revés. No es solo texto, sino todo un proceso creativo que conduce a ese texto y en las manos correctas ya podemos ver solo la punta del iceberg de dónde podemos llegar.

Algunos artistas, como Ryan Murdoch, han defendido que se reconozca como arte la creación de imágenes basadas en el estímulo. Señala como ejemplo a la experimentada artista de la IA Helena Sarin y, desde luego, no sería un mal primer paso.

La IA DALL·E se abrirá en modo beta a 1 millón de artistas digitales 

Hace muy pocos días, OpenAI nos sorprendió con la noticia de que un nuevo y esperado modo beta en la herramienta DALL·E, permitirá a 1 millón de artistas, mostrar su obras, con ciertas restricciones, pero de una forma totalmente gratuita.

El 21 de julio, OpenAI invitó a un millón de nuevos usuarios de DALL·E 2 de su lista de espera, aunque irá dando licencias muy poco a poco. En una entrada del blog, OpenAI explica que el proceso se producirá "en las próximas semanas". 

Los artistas obtendrán 50 créditos gratuitos para crear imágenes con 50 frases diferentes. Una vez superados los 50 iniciales, OpenAI les proporcionará 15 créditos al mes. No está nada mal pero no existe una libertad absoluta de creación.

Eso sí, si quieres dar rienda suelta a tu imaginación y no ponerle límites, puedes pagar 15 dólares para comprar 115 créditos. Ahora bien, aunque OpenAI está cobrando por la creación de imágenes una vez gastas los que obtienes de forma gratuita, la organización sin ánimo de lucro no parece estar interesada en obtener un beneficio considerable de DALL·E.

"Los usuarios afirmar que tienen previsto utilizar las imágenes de DALL·E para proyectos comerciales, como ilustraciones para libros infantiles, arte para boletines informativos, arte conceptual, personajes para juegos, guiones gráficos para consultorías de diseño y guiones gráficos para películas", escribió OpenAI en el post.

Con todo esto sobre la mesa, solo nos queda esperar para poder ver las creaciones de esos artistas afortunados que de seguro no caerán en el meme y nos dejarán a todos con la boca abierta una vez más.

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Con esto, cada vez son más los que tratan de averiguar quién es y ya os avisamos que las teorías van desde lo más plausible hasta lo más absurdo. 

Sin embargo, en este artículo os dejamos con las 3 que más se han difundido y que parecen las más probables y creíbles.

Robin Gunningham

Hay muchas teorías en torno a la identidad de Banksy, pero la más destacada sugiere que el artista es un hombre llamado Robin Gunningham y es que, muchos antiguos compañeros de colegio dicen creer que es Banksy. 

Se dice que Gunningham era un ilustrador muy talentoso en el colegio, a menudo dibujando caricaturas, y de hecho Banksy ha confirmado que su amor por el dibujo comenzó durante estos años de escuela.

Además, una imagen tomada en Jamaica de Gunningham con un bote de spray y plantillas, ampliamente difundida, sugiere que se trata de Banksy.

Ni Gunningham, ni Banksy, ni sus representantes han comentado nunca públicamente la teoría, para confirmarla o desmentirla.

Robert Del Naja

Otras teorías prominentes han nombrado a Robert Del Naja como Banksy. Y es que este ya es un artista del grafiti y pasó muchos años trabajando en Bristol bajo el nombre de 3D, que Banksy cita como una de sus primeras inspiraciones. 

La teoría surgió después de que en un podcast se escapase el nombre de Banksy mientras hablaban del artista callejero.

La teoría de Del Naja se reforzó después de que los fans pudieran relacionar dos ocasiones en las que habían aparecido nuevas obras de Banksy en la misma ciudad en la que tocaba Massive Attack, su banda de música. 

 Sin embargo, a diferencia de Gunningham, Del Naja ha negado públicamente las afirmaciones.

Jamie Hewlett

Por último tenemos la teoría de Jamie Hewllett, el fundador de Gorillaz. El artista también ha realizado obras utilizadas en los vídeos musicales de la banda en el pasado. Sin embargo, en este caso  el publicista de Banksy negó estas afirmaciones.

Desde luego la multitud de avistamientos de Bansky no han sido suficientes para distinguir claramente su rostro. Tampoco está claro si Banksy realiza todas sus obras él mismo, o utiliza un equipo para ayudar.

Lo cierto es que parece que este no quiere revelar su identidad. Y es que esto actúa como una capa de protección para el artista, ya que en muchos lugares su trabajo está clasificado como criminal. 

Además, dado su estatus, es probable que su obra ofrezca menos impacto si se reúne una multitud mientras se instala.

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Los funcionarios americanos rechazaron este mes una solicitud presentada por Stephen Thaler, fundador de Imagination Engines, para registrar una reclamación de derechos de autor para una imagen digital que, según él, fue producida por un software de aprendizaje automático.

Thaler afirmó que la pieza, titulada Una entrada reciente al paraíso, fue elaborada por Creativity Machine, un sistema automatizado inventado por él y de su propiedad, y argumentó que el software debería ser reconocido como autor de la imagen.

La junta de revisión de la Oficina de Derechos de Autor de EE.UU. dijo que, aunque aceptaba que la imagen generada por el código estaba hecha sin ninguna contribución creativa de un actor humano, la junta no podía atender la petición.

Las leyes actuales de derechos de autor "solo protegen los frutos del trabajo intelectual que se basan en los poderes creativos de la mente humana", dijo la junta en una carta dirigida al abogado de Thaler.

"La oficina no registrará obras producidas por una máquina o un mero proceso mecánico que funcione sin ninguna aportación creativa o intervención de un autor humano porque, según el estatuto,  una obra debe ser creada por un ser humano", añaden.

Thaler argumentó que la agencia debería reconsiderar su decisión, ya que reconocer la autoría de las imágenes por parte de la IA favorecería los objetivos subyacentes de la ley de derechos de autor, incluyendo el fundamento constitucional de la protección de los derechos de autor.

La junta también rechazó el argumento de Thaler de que la pieza se produjo como un trabajo por encargo para un humano, diciendo que Creativity Machine no puede por sí misma entrar en un acuerdo legalmente vinculante para realizar la tarea y que, de todos modos, no había autoría humana involucrada.

El camino que tiene la IA por delante es largo y nada claro, si bien ya están entre nosotros, haciendo trabajos que no creíamos y realizando cuadros que jamás pensamos. Quien sabe que nos deparará el futuro en este campo.

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Como si no estuviéramos preparados, el ingenio y la habilidad de la raza humana puede dejar en mantillas a cualquier innovación o mejora tecnológica. Aunque, siendo justo, estas no aparecen de la nada, sino que también son posibles gracias a nosotros.

Pero hoy hablamos de un máquina contra personas. Porque a veces es bueno sentirse orgulloso de lo que hacen nuestros hermanos allá fuera de nuestras fronteras.

El protagonista del post de hoy es el artista nigeriano Hopex John, quien utiliza sus magistrales habilidades de dibujo para crear retratos hiperrealistas que cualquiera podría confundir con fotografías en blanco y negro.

El mérito de todo esto es que Hopex solo usa el carboncillo y una lámina en blanco. A partir de ahí es su talento quien hace rostros tan realistas que cualquiera diría que son espejos a la realidad.

El arte de John abarca desde dibujos de celebridades hasta encargos familiares, y dedica la misma cantidad de tiempo a retratar a cada sujeto, explican.

Cada marca en el papel está hecha con carboncillo, con el que dibuja cuidadosamente y difumina sobre la superficie blanca para crear luces y sombras. Dependiendo de la complejidad de su trabajo, explican en My Modern Met, completar una pieza puede llevarle más de 100 horas.

“Utilizo mi detallado arte de carboncillo para expresar mis sentimientos más profundos y abordar problemas socioculturales en Nigeria, África y el mundo en general”, explica John al medio.

Como podéis comprobar en su Instagram, cada obra de Hopex te deja con la boca abierta por su precisión, nivel de detalle y realismo, llegando a alcanzar un nivel de fotorrealismo que asusta. En la época de los montajes y los deepfakes esto rompe con lo establecido con un lápiz y un papel.

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Para tener una perspectiva, la capitalización del mercado de los NFT en 2020 rondaba los 330 millones de dólares, mientras que en el 2021, han superado los 41.000 millones de dólares.

Sin embargo, y es triste pero cierto, a pesar de todo el interés que despiertan los NFT, es probable que muchos compradores no hayan hecho el esfuerzo de comprender realmente la tecnología detrás de estos y qué es lo que realmente están comprando.

Pues bien, ¿qué hay dentro de un NFT?

En esencia, los NFT son contratos inteligentes rellenados con datos y almacenados en la cadena de bloques (antes Ethereum, ahora también Solana u otros). Los datos en este contrato pueden consistir en varias cosas, como archivos de arte, firmas y mucho más. 

Cuando alguien compra un NFT, está comprando un contrato inteligente y los datos subyacentes en la cadena de bloques, para resumir.

Un dato relevante de esta tecnología y que muchos compradores pasa por alto, no es solo el gato que supone hacer la transacción, si no el gasto que supone mantener ese NFT, almacenar esos datos dentro de la blockchain.

Los usuarios pueden sorprenderse al saber que, en Ethereum, almacenar datos por valor de 1 GB puede costar 240 millones de dólares al año. La blockchain Solana, que se ha convertido en una alternativa popular, resulta más barata (casi un millón de dólares anuales).

Para que te hagas una idea y puedas compara. Tomemos como referencia la obra NFT por excelencia, Everydays: The First 5,000 Days, del artista Beeple, que se vendió por 69 millones de dólares.

Pues bien, este NFT fue almacenado en la blockchain de Ethereum. Consta de un peso de 0,3 GB, por lo que costaría más de 72 millones de dólares mantenerla anualmente.

Estamos hablando de más dinero que la propia venta.

Entonces, esta fama que ha surgido por la compra de NFT, ¿cómo es asumida por sus compradores, a largo plazo? Pues la respuesta es sencilla, hay una manera de evitar este coste.

El archivo real del NFT, no se almacena en la blockchain que corresponda. Este se guarda fuera. Por el contrario, el contrato inteligente, que sí que está en Ethereum, por ejemplo, contiene un enlace que nos lleva al archivo original.

Con este arreglo, los participantes en el NFT evitan el coste de almacenar los archivos reales en la cadena y, sin embargo, siguen disfrutando de todas las ventajas de comprar, vender y realizar transacciones con el producto.

Sin embargo, esto expone al comprador, al estar fuera de la blockchain a riesgos relacionado con la centralización, como pueden ser comisiones de la ubicación del archivo (servidor de Google o AWS, por ejemplo) o que alguna de estas empresas ya no quiera apoyar a una blockchain.

Es esencial conocer todos los riesgos a los que te pues enfrentar si decides y tienes el dinero de comprarte un NFT. Sin embargo y a pesar de sus deficiencias actuales, tienen un potencial real para cambiar el mundo en el que nos encontramos.

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Y es que no es nada raro si Jimmy Fallon, el jugador de la NBA Stephen Curry, a cantantes como Timbaland o Post Malone, Madonna, Snoop Dogg, Steve Aoki o el último, Justin Bieber, poseen uno.

El precio de cada uno de ellos no baja de los 170.000 dólares, pero todos ello prefieren desembolsar una cantidad infinitamente mayor. Pero ¿por qué?, ¿qué ha ocurrido para que se desate esta fiebre por estos NFT tan concretos?

Hablamos de una colección NFT limitada de 10.000 avatares de simios que ha generado más de 750 millones de dólares en volumen de operaciones.

Pues bien, la explicación es a la vez sencilla y absurda, ya depende de cómo valores tú este fenómeno. Comprar un NFT de Bored Ape Yacht Club otorga beneficios exclusivos a los miembros del club, entre los que se encuentran el acceso a The Bathroom, una especie de graffiti digital colaborativo en el que los usuarios pueden dibujar, hacer garabatos o escribir lo que quieran cada 15 minutos.

También se han organizado fiestas exclusivas en Miami o Nueva York a las que solo pueden acceder los propietarios de un Bored Ape. Los coleccionables también permiten a sus propietarios ingresar a foros de mensajería privados en Discord y obtener acceso privilegiado a otros NFT. 

El comprador, en este caso de los avatares de los monos, adquiere una versión única de esa imagen. No hay dos monos iguales. Comprar un Bored Ape no sólo es comprar un avatar o una obra de arte rara, es un modo de inversión a ojos de quien lo ve así.

Pero paremos un momento. Si no estás familiarizado con el concepto de NFT, te dejamos aquí un vídeo explicativo. A grandes rasgos es una acreditación para identificar y autentificar la propiedad de un determinado elemento digital, sea un artículo, un vídeo o, como es el caso, unos dibujos de monos.

Estos se acuñan mediante tecnología Blockchain y adquieren un valor de mercado que fluctúa según oferta y demanda.

“El elitismo es algo real en este caso, igual que en el de los CryptoPunks. Si tienes un mono, perteneces a otro nivel por el hecho de tenerlo, seas famoso o no. Por ejemplo, si lo pones de imagen de perfil en Twitter, es una forma de que se sepa que tienes una pieza que puede valer varios cientos de miles de dólares”, ejemplifica un coleccionista de NFT.

Con esto contextualizado, hay que añadir también que el fenómeno de Bored Ape partió con precio base de 300 dólares. Actualmente, famosos como Jimmy Fallon, han adquirido el suyo por 224.000 dólares. Él es uno de los 5.947 propietarios de estos particulares monos.

“Buscaba algo raro, porque hay algunos que se parecen mucho, y conseguí uno rosa, un color del que solo hay 500 en la colección”, afirmaba el presentador.

Sin embargo, ahora lo locura ha sobrepasado todos los límites. Justin Bieber es el último en apuntarse a la moda de estos NFT. La gran diferencia con sus respectivos, no es solo que haya pagado la friolera cantidad de 1,3 millones de dólares por este, si no que se ha hecho con un NFT standard y no versiones especiales como algunos famosos tienen.

Básicamente ha adquirido este que te enseñamos abajo por un precio cinco veces mayor a la base (208.000 dólares) y ni quiera tiene nada original. Bieber tampoco es nuevo en el mercado de los NFT, así que este Bored Ape en particular le debe haber gustado mucho.

Pese a todo esto, se calcula que Justin Bieber tiene un valor de 265 millones de dólares en el momento de la publicación, por lo que 1,3 millones de dólares, aunque es una cantidad escandalosa para el ciudadano normal, es una propina para él. 

Sin embargo, el hecho de que haya pagado de más por algo que ni siquiera existe, salvo en el ámbito digital, no pasa desapercibido para los críticos de Twitter, que se han apresurado a burlarse de él por la imprudente compra.

La llegada de grandes marcas al Bored Ape Yacht Club tampoco se ha hecho esperar. La discográfica Universal ya ha anunciado que va a formar una banda con cuatro de estos monos y Adidas acaba de comprar su propio simio. No son las primeras en hacer algo así. 

La revista Rolling Stone creó una portada con este avatar, que luego convirtió en NFT y vendió por 3,4 millones de dólares.

Sin embargo tal popularidad trae consigo algunos que otros problemas. Este espacio se ha visto ridiculizado por sus problemas de seguridad. El coleccionista de NFT de Nueva York, Todd Kramer, informó que su colección de dieciséis NFT del BAYC, valorada en 2,28 millones de dólares fue hackeada.

Anteriormente, en diciembre de 2021, un comerciante distraído puso en venta un exclusivo NFT Bored Ape por tan solo 3.000 dólares en lugar de los 300.000 dólares por el cual estaba valorado.

Otro de los problemas a los que se ha enfrentado el famoso proyecto, es a los imitadores. Las colecciones PHAYC y Phunky Ape Yacht Club (o PAYC), prohibidas por el mercado digital OpenSea, están basadas en NFT con versiones reflejadas pero idénticas a los avatares del Bored Ape Yacht Club.

Veremos hasta dónde llega la fiebre por estos monitos y hasta qué punto los famosos son capaces de llegar por poseer uno de ellos en un intento de diferenciarse del resto. Está claro que la ley de la oferta y la demanda funciona a la perfección con estas imágenes.

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OpenSea es un marketplace descentralizado que se especializa en la comercialización de activos digitales, es decir, de NFT. Fundada a finales de 2017 por Devin Finzer y Alex Atallah nace con la idea de ser un Amazon de ese gremio.

A partir de aquí la historia de OpenSea ha sido de crecimiento continuo. Y es que en 2021 llegaron a los 100 millones de dólares, unos 88,6 millones de euros. 

OpenSea ha sido plataforma de algunos de los NFT más populares del mundo, como Everydays: The First 5.000 days de Beeple (vendido en 61,1 millones de euros).

Pues bien, ahora el problema reside en que la propia plataforma ha avisado que más del 80% de los NFT de su mercado son creaciones plagiadas, falsas o spam.

"Cada decisión que tomamos la hacemos pensando en nuestros creadores. Originalmente construimos el contrato de tienda compartida para facilitar a los creadores su incorporación a la plataforma", indican en un tweet.

Por ese motivo, han tomado la decisión de cambiar su política de acuñación gratuita. Se limita la subida a cinco colecciones con 50 elementos por cada una, que en total suman 250 activos.

Sin embargo, las críticas no tardaron en llegar a este marketplace ya que muchos usuarios se quejaron de nos haberles avisado con tiempo de este cambio que afectaba a sus proyectos. Con esto en juego, la plataforma tuvo que revertir su decisión.

Pese a todo esto, es remarcable que existe una cuenta en Twitter denominada NFT thefts desde la que se anima a los usuarios a denunciar los plagios de tokens en OpenSea y desde la que se denuncia la desprotección por parte de este mercado digital.

Además de anunciar este cambio de planes, OpenSea ha señalado que está trabajando en nuevas soluciones para garantizar la circulación segura de NFTs. Sin embargo, esta vez se asegurará que los usuarios están avisados previamente.

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Las criptodivisas son una aproximación a ese principio, pero los NFTs van un poco más allá y aplican ese concepto de reserva de valor a esos objetos más orientados al coleccionismo.

"Este año ha sido testigo de la explosión del mercado de las NFT, que ha pasado de ser un mercado de menos de mil millones de dólares a una industria de varios decabillones", afirma Mason Nystrom, analista de investigación del grupo de criptodatos Messari.

Sin embargo, la popularidad de los NFTs estalló en marzo de 2021, cuando un collage del artista Beeple (cuyo nombre de pila es Mike Winkelmannse) denominado  Everydays: The First 5000 Days sevendió por 69,3 millones de dólares en Christie’s, en la primera venta de este tipo en la casa de subastas.

La obra es un collage de algo más de 5.000 imágenes creadas (una por día) por Beeple en los últimos 13 años. La subasta se pagó en ETH, certificando además, por parte de Christie's, que la imagen de 21.069 x 21.069 píxeles era totalmente única.

Beeple, que ha ganado millones con sus obras, se ha convertido ahora en el máximo exponente de esa teórica revolución de que el arte y el coleccionismo podrían vivir con los NFTs. A largo plazo, los entusiastas esperan que los tokens algún día impulsen el comercio electrónico en cualquier metaverso lleno de avatares digitales. 

Aquí, las NFT podrían designar la propiedad de bienes virtuales, ya sea ropa para avatares digitales o arte para las paredes de sus casas digitales. Nike anunció recientemente que había comprado una empresa de calzado virtual para crear zapatillas de deporte virtuales.

De cualquier manera, el futuro del mercado de NFT también dependerá de la postura que adopten los reguladores a medida que se desarrolle el mercado libre, así que no tocará esperar para salir de dudas y observar cual es su futuro.

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Y es obvio que, comparado con herramientas más profesionales como Adobe Illustrator, el Paint de Microsoft no tiene ni puede hacer nada. Está a años luz de estas apps profesionales. Pero se defiende, lo único es que hay que saber sacarle el rendimiento.

Esto no es fácil es cierto, pero internet acaba de hacer famosa a Concha García Zaera, una señora de 91 años que puede ser, perfectamente, la persona con más habilidad con el Paint de toda la Tierra. Si no me creéis sólo tenéis que los cuadros que aquí os dejamos.

En 2004, Concha García ingresó en la Universitat Popular de València, donde estudió artes plásticas con el fin de perfeccionar las técnicas de pintura y dibujo. Poco después, sus hijos le regalaron un ordenador con Windows 7 con el que aprendió a plasmar su arte en la pantalla con el Paint.

Al principio intentó tomar clases de arte, pero no pudo practicar con pintura real, así que recurrió a Paint para practicar. 12 años después los resultados hablan por sí solos.

Al principio utilizaba como referencia las fotos de las postales que le enviaba su marido y, con el tiempo, ha conseguido crear unas obras de arte muy bonitas y sorprendentemente detalladas.

Lo mejor de todo esto es que ha ido acumulando bastantes seguidores en Instagram, los cuales alucinan con la habilidad de esta abuela artista. Ahora mismo ya atesora más de 300.000 fans en la red social.

La artista cuenta ya con más de 80 obras de gran realismo y sobriedad cromática, basadas sobre todo en paisajes que parecen inalterables al paso del tiempo.

Las redes sociales, a veces, sirven para que artistas desconocidos ganen la fama que merecen, aunque sólo sea por un día.

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La generación procedural es una técnica basada en fórmulas matemáticas que crea algoritmos recursivos, es decir, la creación automática de nuevos elementos. Esto da pie al lanzamiento de juegos con mapas infinitos como pasa con Minecraft, No Man’s Sky, Nowhere, Spore, Binding of Isaac, Dead Cells o Proteus entre varios más gracias a que la generación procedural. 

Un recurso muy utilizado en videojuegos y funciona de forma automática. Por ejemplo, si queremos crear un campo de trigo, se genera de forma automática cada planta y su movimiento natural y orgánico. De esta manera se dota de realismo al mapa sin hacer una merma en rendimiento debido a la gran cantidad de proceso gráfico que ello conllevaría si no se hiciera uso de estas técnicas.

Nosotros hemos hablado con Íñigo Quilez, Film Tech Artist y uno de los impulsores de la generación procedural y el lenguaje shading. Íñigo Quilez ha trabajado como Film Tech Artist en Pixar durante varios años y nos ha contado cómo se crean animaciones 3D con esta técnica.

Cuando él trabajó en Pixar desarrolló nuevos algoritmos y técnicas para la creación de escenas como el bosque escocés de la película Brave.

Tal y como nos comenta, fue la única forma de generar tanto detalle en los árboles de la citada película y el esfuerzo dio sus frutos. La misma técnica se repitió en otro corto llamado Lava y en la película The Good Dinosaur, más conocida como El viaje de Arlo.

Al salir de Pixar continuó el desarrollo de la técnica y ahora sube ejemplos a su canal de YouTube. Su vídeo con más visitas es "Painting a Selfie Girl, with Maths" y que os mostramos a continuación. En este vídeo explica paso a paso cómo se crea cada parte de la animación y muestra en el lateral derecho las fórmulas usadas en cada momento y explica con voz en off el por qué de cada una de ellas. De hecho, este tipo de generación procedural se aplicaba exclusivamente a las animaciones de figuras 3D, sin embargo, él ha depurado la técnica hasta para poder partir desde cero, creando la propia figura.

Queda claro que las matemáticas son algo más que esa asignatura aburrida que empezábamos a ver en el colegio y es que esconden un lado divertido y dinámico con el que se puede llegar a jugar y crear universos enteros.

Íñigo Quilez nos dice que prueba cada fórmula hasta conseguir el nivel de detalle exacto que busca para esa escena. Un trabajo de muchas horas que luego vemos resumido en unos pocos minutos o al que incluso no damos importancia si no somos conscientes de lo que hay detrás.

Todo surge desde una malla tridimensional y unos polígonos regulares que van tomando forma con cada nuevo algoritmo. Lo más importante, en palabras de Quilez, es cuadrar bien el Sign Distance Fuction de la esfera inicial. SDF son sus siglas y en español: Función de Distancia de Signo. Este parámetro devuelve la distancia desde cualquier punto de la esfera, así se consigue un resultado más acorde con la realidad.

Cualquiera puede hacerlo, sí, pero requiere de práctica y también de conocimientos informáticos, técnicos y matemáticos.

La técnica que Íñigo Quilez lleva hasta el extremo usando matemáticas también sirve en videojuegos, cine, cortos de animación, programación, arte, fotografía y hasta música entre otros.

Una técnica que precisa de mucha exactitud, de muchas pruebas y mucha práctica. Con ella consigue generar digitalmente figuras desde fórmulas matemáticas en lugar de contar con un diseñador 3D que crea la figura con un lápiz digital.

Cada fórmula es una pincelada sobre un lienzo en blanco y esto es gracias al lenguaje shading y a la técnica generación procedural que convierte esas órdenes matemáticas y algoritmos en colores y formas.

Así es como se consigue que el agua parezca de verdad, que el árbol sea real y demuestre su textura, así como el pelo de los protagonistas, la ropa, los copos de nieve, la comida, los relámpagos, las plantas, las cataratas, las montañas, etc.

Con la película de Brave, el equipo de rodaje y producción viajó hasta Escocia para plasmar la belleza natural del entorno en la película de animación. Hicieron fotos de los elementos naturales que luego se tradujeron en fórmulas matemáticas.

Gracias al uso de las matemáticas consiguieron darle ese aspecto realista a la película de Brave. Una película de animación que recorre parajes naturales donde sus colores, la velocidad de los movimientos, la longitud, el grosor y los escenarios están bien conseguidos.

En esta técnica es muy importante el color, y tal y como se explica en el vídeo, se trata de muchos fotogramas unos detrás y otros, y a su vez, están compuestos por píxeles. Cada píxel lleva su organización de colores primarios, es decir, rojo, verde y azul. En base a esto se crean todos los demás colores.

Cada fotograma de la película de Brave tiene hasta 2 millones de píxeles y cada uno de ellos está formado por una numeración que corresponde a cada color. La numeración varía según la tonalidad que se busca de un color concreto. Eso supuso muchas horas de trabajo y muchas matemáticas.

Aún queda mucho por descubrir y mejorar, pero es interesante saber que ahora con matemáticas se pueden crear películas, videojuegos, obras de arte, fotografías, y mucho más, cuando siempre ha sido la asignatura más odiada de nuestra etapa escolar.

Y queda claro que la generación procedural facilita la vida de los creadores de contenidos que se pasarían horas animando figuras de manera realista y, además, está dando sus primeros pasos en lo que a creación de personajes 3D se refiere.

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También es importante sacar tiempo cada día para desconectar, para liberarnos del estrés de la rutina diaria y para dejar la mente en blanco. Y aunque pueda parecer increíble, en Twitter podemos relajarnos. O al menos es lo que pretenden todos aquellos que se suman al hashtag #PlotterTwitter, que se está haciendo popular en las últimas horas.

Bajo esta etiqueta, diferentes usuarios están compartiendo sus técnicas para relajarse. Si tú también quieres sumarte a esta iniciativa no tienes más que buscar la etiqueta #PlotterTwitter (no hace estar registrado en la red social del pajarito azul) y, si te animas, coger papel y lápiz y hacer tus propios dibujos.

No hace falta ser un virtuoso de las bellas artes para hacer tus creaciones artísticas. Sólo basta una buena dosis de ganas por evadirte de la realidad durante unos minutos. Y puedes hacerlo en cualquier lugar y a cualquier momento: en el metro, en un descanso del trabajo, en el intermedio durante las jornadas de estudio, antes de ir a dormir, etc.

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Entre los mejores ejemplos que podemos hacer para relajarnos son los creados por el desarrollador de juegos Matthew Wegnet, uno de los impulsores de esta iniciativa. El vídeo de 22 segundos de duración donde dibuja gatitos de manera sencilla acumula en estos momentos más de 6.000 retuits y más de 17.200 "me gusta".

I made a computer draw 336 cats. #plottertwitter pic.twitter.com/ToV09QvreL

— Matthew Wegner (@mwegner) 17 de marzo de 2018

También merece la pena echar un vistazo al #PlotterTwitter creado por Michael Fogleman sobre Donkey Kong o a los colgados por el usuario Landscape Art Bot. Estos son algunos de los ejemplos que más nos han gustado. Te invitamos a que descubras por ti mismo las maneras de relajarte en Twitter.

Los primeros hallazgos de que existía una pintura subyacente tuvieron lugar en 1992 mediante una radiografía de rayos X, pero ha sido ahora cuando hemos podido ver los detalles del paisaje que hay detrás. Y todo gracias a las nuevas técnicas de imagen no invasivas, como las imágenes hiperespectrales de reflectancia infrarroja adaptadas por la National Gallery of Art o el instrumento de imágenes de fluorescencia de rayos X desarrollado por la Universidad de Northwestern.

Este es desde ahora el cuadro más caro del mundo

Los hallazgos muestran que Pablo Picasso pintó esta obra rotando 90 grados la pintura de otro artista. Se cree que el autor del paisaje es Joaquín Torres-García, aunque no hay confirmación. Para la composición final de la nueva pintura aprovechó algunas de las formas del paisaje, por ejemplo incorporó las líneas de los bordes del acantilado en la espalda de la mujer.

Las novedosas técnicas de imagen no solo han permitido revelar el paisaje que se esconde bajo La pobreza agazapada, sino también los cambios que sufrió la obra a medida que el pintor malagueño avanzaba el trabajo. Las imágenes obtenidas revelan que inicialmente el artista pintó a la mujer con el brazo derecho fuera de la capa y sosteniendo un disco, pero finalmente cubrió la extremidad con el manto.

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"Picasso no tuvo reparos en cambiar cosas durante el proceso de pintura", afirma Marc Walton de la Universidad de Northwestern. "Nuestro equipo internacional ha empezado a destacar la complejidad del cuadro descubriendo cambios sutiles realizados por Picasso mientras trabajaba en su versión final".

Los investigadores van a continuar trabajando para desarrollar una cronología dentro de la estructura de la obra, con el objetivo de analizar el desarrollo del estilo del artista y sus posibles influencias. El próximo 1 de junio serán revelados nuevos hallazgos en la reunión anual del Instituto Americano de Conservación en Houston.

[Fuente y fotos: Universidad de Northwestern]

A partir de ahora el cuadro más caro del mundo es una extraña y desconocida para el gran público, es del maestro renacentista Leonardo da Vinci, que se ha vendido por una cifra récord de 380 millones de euros en una subasta el pasado miércoles. Se trata de "Salvator Mundi", una de las 20 pinturas de Leonardo de las que se conoce su existencia y la única que está en propiedad privada.

Se estima que el cuadro más caro de la historia data de alrededor del año 1500 d.C, cuando el autor renacentista la pintó originalmente para el rey Luis XII de Francia. En él se muestra a Cristo, vestido con túnicas de estilo renacentista. Mientras que con la mano derecha realiza la señal de bendición, en su mano izquierda sostiene una esfera de cristal. La pintura tiene una altura de 66 centímetros.

Desde la casa de subastas Christie's afirman que la mayoría de los estudiosos coinciden en que la pintura "Salvator Mundi" es del propio Leonardo y, aunque algunos críticos han cuestionado la atribución, ya que coinciden en que la profunda restauración a la que se sometió la obra enturbia la autoría de la obra.

La reconocida casa de subastas Christie's capitalizó el interés del público por Leonardo con una campaña mediática en la que se etiquetó la pintura como "The Last Da Vinci" (El último Da Vinci). El trabajo ha sido exhibido en capitales de alrededor del mundo como Hong Kong, San Francisco, Londres y Nueva York antes de que se realizara esta última venta.

Su recorrido histórico desde el mismísimo taller de Leonardo hasta la casa de subastas en Christie's no ha sido fácil. Cuando estaba en propiedad del rey Carlos I de Inglaterra, desapareció hasta el año 1900. Entonces, volvió a aparecer y fue adquirida por un coleccionista británico. En ese momento se creyó que pertenecía a un discípulo de Leonardo, en lugar de al maestro mismo.

El cuadro más caro de la historia fue vendido de nuevo en 1958, y posteriormente en 2005, que lo adquirió un consorcio de comerciantes de arte que pagaron una suma inferior a 8.500 euros. Debido a que la pieza se encontraba muy deteriorada y parcialmente pintada, este grupo de comerciantes de arte se encargaron de las labores de restauración de la pintura y procedieron a documentar su autenticidad como una obra de Leonardo. En el año 2013 la adquirió el multimillonario ruso Dmitry Rybolovlev por un cifra de 108 millones de euros.

El precio más alto jamás pagado por una obra de arte en una subasta fue en 2015, por “Mujeres de Argel” de Pablo Picasso, que se vendió por 179,36 millones de dólares. Hasta ahora, la obra de Picasso ostentaba el récord hasta que"Salvator Mundi" de Da Vinci se expuso en la galería Christie’s de Nueva York.

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El precio de venta más alto que se ha llegado a pagar por cualquier obra de arte fue de 253 millones de euros por la pieza "Intercambio" de Willem de Kooning en septiembre de 2015, que vendida de forma privada por la Fundación David Geffen al gestor de fondos de cobertura Kenneth C. Griffin.

La sede central del Christie's Rockefeller Center se encuentra en Nueva York, donde los amantes de arte se congregaron para admirar el "Salvator Mundi" el martes . Finalmente, La pintura más cara del mundovolvió a ser vendida el pasado miércoles 15 de noviembre de 2017 a un comprador todavía desconocido.

[Fuente: Business Insider]

La pieza, conocida como Joconde Nue y Monna Vanna, es del estudio de Da Vinci y ha estado custodiada en el Museo Condé de Chantilly (Francia) desde el año 1862. Los expertos están de acuerdo en que se trata de un original por la calidad del dibujo, especialmente en el rostro y las manos.

Ahora, la Gioconda desnuda está siendo analizada por los científicos en el Centro de Investigación de Restauración de los Museos de Francia, ubicado en los sótanos del Louvre. A la espera de las conclusiones definitivas, los primeros indicios apuntan a que esta pieza podría haber sido pintada justo antes de que se realizara el cuadro, como un boceto previo. "El dibujo se hizo en paralelo con la Mona Lisa, que fue pintada alrededor del año 1503, al final de la vida de Leonardo", afirma Mathieu Deldicque, conservador de patrimonio del Museo Condé.

Aunque existen muchas diferencias entre la Mona Lisa y este dibujo, hay otros elementos que son prácticamente idénticos, como las manos y el torso, y la sonrisa apacible y comedida de ambas mujeres también tiene cierta similitud. 

Otra posibilidad que se maneja es que el autor sea un discípulo de Da Vinci, o que una parte la haya pintado el maestro y otra el alumno. "La eclosión en la parte superior del dibujo cerca de la cabeza fue pintada por una persona diestra", explica en Le Parisien Bruno Mottin, experto en conservación. 

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Teniendo en cuenta que Leonardo era zurdo, se trata de un indicio claro de que al menos en parte es obra de otra persona. No obstante, Deldicque sostiene que "este dibujo es en parte del propio maestro", por lo que la autoría común es una de las teorías que están manejando los expertos.

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Por otro lado, algunas perforaciones sobre el papel podrían señalar que la pieza fue utilizada para trasladar el dibujo sobre una tela, una versión que parece factible porque encaja con otras variaciones de Mona Lisa Desnuda pintadas al óleo que se han atribuido a los discípulos de Da Vinci. Tendremos que esperar a que se hagan públicos los resultados del estudio para resolver el misterio de este dibujo.

[Fuente: Forbes]

Esta semana se ha presentado un novedoso proyecto que, tras 65 noches de trabajo durante cinco años, ha llevado los detalles de la Capilla Sixtina a la fotografía digital, llegando a su fin con un total de 270.000 fotogramas.

Las nuevas fotografías han sido recogidas en un conjunto de tres volúmenes de 870 páginas cada uno, con un peso de alrededor de 9 kg y páginas desplegables de 60x130 cm. Una edución limitada a sólo 1.999 ejemplares, que se comercializará únicamente para bibliotecas y coleccionistas. Este espectacular libro de fotografías de la Capilla Sixtina ha sido producido de forma con de los Museos del Vaticano y los editores de arte Scripta Maneant. El precio de tan impresionante podría rondar los 12.000 euros.

Las 220 fotografías digitales de la Capilla Sixtina, impresas a escala 1:1, incluyen desde La Creación de Adán hasta El Juicio Final. "Hemos usado un programa especial para conseguir la profundidad, la intensidad, la calidez y los matices de los colores con una exactitud del 99,9 por ciento", ha afirmado Giorgio Armaroli, editor de Scripta Maneant.

En el proyecto se utilizaron técnicas informáticas de post-producción para conseguir la mejor calidad en las fotografías que fueron tomadas fuera del horario de visita de 7 de la tarde a 2 de la mañana. El conjunto incluye los suelos y frescos de Miguel Ángel y de los artistas que han languidecido mucho tiempo bajo su sombra a pesar de haber trabajado también en la capilla.

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El maestro del Renacimiento terminó sus primeros trabajos en el techo de la Capilla Sixtina en 1512,  pintando el panel del Juicio Final detrás del altar entre los años 1535 y 1541."En el futuro, esto nos permitirá conocer el estado de cada centímetro de la capilla como lo es hoy, en 2017," afirma Antonio Paolucci, ex jefe de los Museos del Vaticano. 

[Fuente: Engadget]

Ahora, de acuerdo con los chicos de The Verge, los responsables de esta aplicación tienen la intención de permitir que los usuarios puedan filtros personalizados en Prisma. Según han revelado, los desarrolladores han lanzado hoy una nueva aplicación web que permite subir una imagen de muestra para crear un filtro teniendo en cuenta las características de las fotos.

No obstante, de momento la compañía no permite el acceso de cualquier persona, sino que se ha llevado a cabo una selección de los usuarios más activos, a los que se les ha enviado una invitación para probar la nueva funcionalidad. Después de esta fase inicial de prueba, la plataforma tiene la intención de abrir el uso de esta aplicación para crear filtros a todos los usuarios. Además, también tienen previsto lanzar una versión de la herramienta también para dispositivos móviles.

Al parecer, la aplicación para crear filtros de Prisma no proporciona una buena experiencia de usuario y todavía se tienen que pulir los detalles. En primer lugar hay que subir una imagen, y según explican el sistema tarda como mínimo una hora en llevar a cabo el análisis. Además, los controles deslizables no son intuitivos, por lo que los desarrolladores continuarán trabajando para optimizarla.

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Por otra parte, la compañía ha lanzado hoy una nueva actualización de la app de Prisma que incluye una nueva sección Style Store donde es posible buscar y descargar nuevos filtros para aplicar en las fotos. No te dejes engañar por el nombre: a pesar de que pueda parecer que es una tienda con recursos de pago, todos se pueden obtener de manera gratuita.

[The Verge]

Realmente estas afirmaciones se pueden aplicar a todos los profesionales que en su trabajo deban escoger una fuente de texto adecuada, o utilicen los colores como base para enviar un mensaje a los demás. Pero, ¿qué pasaría si tuviesen a su alcance un dispositivo capaz de escanear cualquier texto para obtener su fuente, o cualquier color para utilizarlo posteriormente?

Con esta idea se presenta Spector, un protitipo de una herramienta para la recolección digital de fuentes y colores desarrollada por Fiona O'Leary con motivo del proyecto de su graduación final en la Royal College of Art de Londres, una universidad pública de investigación especializada en arte y diseño.

El funcionamiento planteado para este dispositivo es muy simple, ya que en principio solo sería necesario colocar Spector sobre cualquier texto impreso y presionar el botón para que saque una fotografía. Posteriormente se escanearía la imagen comparándolo con una base de datos de todas las fuentes conocidas para lograr identificarla.

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A la hora de escanear los colores el planteamiento es exactamente el mismo, siendo necesario únicamente girar su parte superior para cambiar de modo. Al menos, así es como funciona el prototipo puesto que todavía está en una fase de desarrollo muy temprana, y no hay planes para que aparezca en el mercado dentro de poco.

Pero la idea es lograr que en el caso del escaneo de fuentes de texto, tras una identificación positiva el resultado se envíe a través de un plugin a cualquier programa que utilices como InDesign, Pages o similares. Según el propio vídeo, incluso sería posible cambiar la fuente digital de un proyecto de forma automática a la escaneada.

Después de tanto tiempo, el Pokémon más representativo de una de las sagas de videojuegos con más éxito de la historia luce espléndido. Lo hace en París y en la postura original en la que fue plasmado por Ken Sugimori, famoso ilustrador de Pokémon. En cualquier caso, la fama del ratón eléctrico viene del anime, no de los juegos.

El protagonista de la hazaña ha necesitado armarse de paciencia y de maña. Cual manitas de Art Attack fue colocando una a una todas las cartas para dar forma al mosaico. El riesgo de desbaratar alguna parte del Pikachu gigante estuvo presente en todo momento, por lo que fue necesario extremar la precaución en el recinto.

Las cartas, todas originales y procedentes del extenso merchandising de la compañía, han sido donadas a la obra de arte por The Pokémon Company, la filial de Nintendo encargada de gestionar todo lo relacionado con el mundo Pokémon.

El origen de todos los nombre de Pokémon

Al margen de los videojuegos, que siguen muy vivos en los planes de la corporación japonesa, el juego de cartas Pokémon Trading Card ha sido durante años uno de los pilares del fenómeno fan. Incluso llegó a tener videojuego propio para las Game Boy Color. Ahora se puede jugar online, aunque las cartas físicas siguen teniendo un alto valor material y sentimental.

La nueva estrategia de Nintendo pasa por los dispositivos móviles y las plataformas online, de ahí que se haya anunciado el lanzamiento de Pokémon Go y Pokémon Co-Master. Jugar a las cartas online es otra de las iniciativas que seguramente cosecharán todo el éxito posible entre los pokemaníacos. La llama de Pikachu promete seguir viva durante mucho tiempo.

[Fuentes: The Pokémon Company y Kotaku]

Pese a que ya en 2008 el Daily Mail señaló a un sospechoso de esconderse tras el nombre del grafitero más popular de la historia, era una afirmación por confirmar. Robin Gunningham, el hombre en cuestión, siguió haciendo su vida como si tal cosa, quién sabe si tras el pseudónimo de Bansky.

Ahora, gracias a investigadores de la Universidad Queen Mary de Londres, su anonimato podría haberse acabado. Usando un algoritmo llamado Teoría de la probabilidad, dicen haber descubierto una relación cuantitativa entre Bansky y Gunningham, destapando así su identidad.

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El algoritmo, usado por la Policía para resolver crímenes, se sirve de las localizaciones de losgraffitis de Bansky. 140 de ellos han sido analizadas y relacionadas con lugares importantes en la vida de Gunningham.

La sorprendente coincidencia deja pocas dudas sobre la identidad de Bansky. Al cruzar los datos Gunningham con los de su más que probable alter ego, la relación es evidente. Hay tres principales zonas de actuación del más famoso artista callejero: una está junto a la casa en la que vivía su esposa, otra junto a la que fue su casa y otra es Bristol, ciudad donde creció.

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“Primero, ambos parecen haberse criado en Bristol. Después, Bansky se mudó a Londres en torno al año 2000, al igual que Gunningham. Este análisis apoya la teoría de que Gunningham es Bansky” afirma Steve Le Comber, uno de los principales investigadores de la Universidad Queen Mary.

Aunque no pasa de ser una anécdota, el uso del algoritmo para localizar a una persona anónima demuestra su potencial a la hora de atrapar criminales. No se puede demostrar totalmente que la identidad real del graffitero sea Robin Gunningham, a no ser que él mismo lo confiese. No queda más remedio que seguir disfrutando de sus graffitis y de su arte callejero sin estar seguros de su nombre.

[Fuentes: Daily Mail y Sciencealert]

Para ello, el JPL ha lanzado un conjunto de carteles de estilo retro que promocionan diferentes tours espaciales para turistas intrépidos. La NASA ha encargado la producción de estos carteles a Don y Ryan Clark, responsables de la agencia de diseño Invisible Creature. 

Curiosamente, estos profesionales son nietos de Al Paulsen, que fue ilustrador y diseñador gráfico en la NASA durante más de 30 años, por lo que el encargo les ha resultado muy especial y les ha venido como anillo al dedo. 

Los carteles han sido diseñados en el estilo de la década de los 50. Cada uno de ellos representa una misión y pretende recoger las características, condiciones y espacio histórico de ésta.

Una de ellas es la "Exploración de Marte", donde los hermanos Clark han imaginado un futuro en el que la humanidad ha conseguido colonizar el planeta rojo. La NASA proporcionaría entonces tours para visitar lugares históricos relacionados con la cultura y el arte, la arquitectura y la agricultura, así como los sistemas robóticos pioneros. 

Otro de los carteles se titula "El Gran Tour". En este caso, la propuesta creativa hace que el espectador se imagine a punto de subir a bordo del Voyager para visitar Júpiter, Saturno, Urano y Neptuno. El viaje tiene todavía más encanto si tenemos en cuenta que la misión se llevó a cabo cuando se producía una alineación de los planetas que sólo se repite cada 175 años. 

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El tercer cartel propone una visita a Encédalo, una pequeña luna de Saturno, por su papel en la ceración de los anillos del planeta y por la posibilidad de existencia de actividad  hidrotermal, lo que la convierte en uno de los principales lugares donde buscar vida fuera de la Tierra. 

La NASA ha publicado un total de 14 carteles. Puedes verlos todos a continuación y descargar de manera gratuita una versión para imprimir (PDF o TIFF)  los que más te gusten:

[Fuente: NASA e Invisible Creature]

Todos los expertos apuntan a que 2016 servirá para el despegue definitivo de la realidad virtual, un sector en el que importantes empresas han invertido miles de millones de dólares pero al que le cuesta todavía llegar al usuario final.

La mayoría de los proyectos sobre realidad virtual giran en torno al mundo de los videojuegos, pero las posibilidades de esta tecnología van mucho más allá como demuestra la última iniciativa del Museo de Salvador Dalí de San Petersburgo en Florida (Estados Unidos).

"Sueños de Dalí" permitirá introducirse en el universo surrealista del pintor español con la ayuda de unas Oculus Rift. Los visitantes pasearán por la obra "Reminiscencia arqueológica del Angelus de Millet" dibujada por el pintor español durante la década de los treinta como reinterpretación de la obra del realista francés.

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"Si Dalí estuviera hoy vivo seguro que le encantaría la realidad virtual", resume Nathan Shipley, jefe de diseño de la agencia Goodby Silverstein & Partners que se ha encargado de desarrollar la experiencia de realidad virtual.

La experiencia de realidad virtual será la obra central de la exposición "Arquitectos de la imaginación" que a partir del 23 de enero repasará la relación de amistad entre Walt Disney y Salvador Dalí, que incluso llegaron a colaborar en una película animada.

Hace unos meses una experiencia parecida permitía introducirse en "El café de la noche de Van Gogh" a través de unas Samsung Gear VR o unas Oculus Rift. Por otro lado el actor Kevin Spacey ha invertido personalmente en Woofbert VR, una empresa enfocada en trasladar obras de arte al universo de la realidad virtual.

Las mejores gafas de realidad virtual de 2015

La exposición de Florida servirá para que la realidad virtual rescate el universo surrealista de Salvador Dalí de una forma hasta ahora desconocida, reflejo de una tecnología con mucho potencial para redescubrir las mejores obras de arte de toda la historia.

Cada año, lanzan una edición especial por vacaciones y, en esta ocasión, la temática es “Ocho regalos sensatos por Jánuca”. El equipo de CAH enviará ocho regalos individuales en el transcurso de las ocho noches de la fiesta judía. El año pasado regalaron a cada uno de los 250.000 participantes de “Los diez días de Kwanzaa o lo que sea” -sí, son irreverentes- unos centímetros cuadrados de una isla privada en Maine.

Para Jánuca, los tres primeros días de festividad judía regalaron calcetines, el cuarto y quinto día participaciones en organizaciones benéficas, el sexto día vacaciones con gastos pagados para los trabajadores de la imprenta china donde se fabrican las cartas… pero la sorpresa y la polémica saltaron al séptimo día.

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Cartas contra la humanidad invirtió parte de los 2.25 millones de dólares recaudados con la edición especial del juego de Jánuca para comprar Tête de Faune, la Cabeza de Fauno de Picasso. CAH ha abierto el debate entre su público, deben votar sobre lo que le pasará al original del célebre pintor malagueño: pueden elegir donarlo al Instituto de Arte de Chicago o cortarlo en 150.000 minúsculos pedazos con un láser y enviar a cada participante su propia “porción” de Picasso.

La votación comenzará el día después de Navidad y se extenderá hasta final de año. El fundador de Cartas contra la humanidad, Max Temkin, se ha negado a difundir ninguna información adicional sobre el cuadro hasta “después de las votaciones”. Solo queda esperar y confiar en el buen juicio de los participantes de Ocho regalos sensatos por Jánuca, “sabemos que Internet hará lo correcto”. Sin embargo, teniendo en cuenta el público objetivo de este juego, es posible que los amantes del arte se lleven una infeliz sorpresa en los próximos días.

[Fuente:theverge]

No sólo está jugando con drones bajo el nombre de Project Wing, por poner uno de los muchos ejemplos, sino que también está apostando por la cultura.

Y es que Google ha creado a través del Google Cultural Institute, la plataforma Performing Arts, con la que pretende llevar al arte a nuestras casa de una manera dinámica y viva, al estilo de los vídeos en realidad virtual que tiene en Youtube.

Gracias a un acuerdo con más de 60organizaciones con fines artísticos, los espectadores creerán estar viviendo una experiencia tan real como el hecho de estar en una butaca de un gran auditorio disfrutando de una obra de teatro virtual.

Entre ellas se encuentran centros como el Carnegie Hall, el Berliner Philharmonie o el Bolshoi Theatre con funciones variadas donde hay cabida desde el teatro hasta la danza, pasando por la ópera.

“Se necesitan años de práctica para perfeccionar las piruetas. Meses de ensayo para obtener los crescendos justos. En los principales centros de artes escénicas del mundo muchos se unen para crear el momento perfecto en el escenario. Y ahora usted puede unirse a ellos” reza la nota de prensa con la que Googleha presentado este proyecto.

La experiencia Performing Arts de realidad virtual inmersiva es debido a la grabación en 360ºde grandeseventos artísticos donde no sólo podremos ver la obra completa, sino que además, por medio de Street View podremos pasear por el backstage de lugar como el Teatro Municipal de Sao Paulo.

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Esta iniciativa, fundada en 2011 forma parte del desarrollo de Google Cultural Institute y que completan las 200 maravillas del mundo, el arte callejero o los lugares emblemáticos de cada ciudad.

[Fuente: Google Blog]

Cada civilización que ha ido habitando a lo largo y ancho del globo terrestre ha llevado en su piel trazos que representaban desde acontecimientos hasta los clanes a los que pertenecían.

Y lo que es pasar, no pasa de moda. Actualmente sigue siendo muy habitual la tendencia a llenar la piel de tinta si no fuera por uno de sus grandes inconvenientes, el precio.

Pero, ¿qué harías si tuvieses la oportunidad de saber cómo tatuarte a ti mismo? Partiendo de esta afirmación, un grupo de artistas se han puesto manos a la obra para llevar los tatuajes a todo el público.

Estudiantes de postgrado del Royal College of Art han creado una máquina que, sin prescindir de la seguridad de una máquina para tatuar de uso profesional, te permite tatuarte a ti mismo de una manera muy sencilla.

“Esta máquina democratiza la industria del tatuaje”, declara Jakub Pollág, uno de sus creadores. “Pone a disposición de aquellos quieran una forma alternativa de tener recuerdos en su piel una herramienta potente”.

Influenciado por las técnicas utilizadas por los presidiarios para tatuarse ellos mismos, Pollág ha construído un dispositivo que tiene la intención de convertirse en la máquina para tatuar de andar por casa.

La máquina, creada en serie bajo una máquina de impresión en 3D consta de una batería de 9 voltios bajo un motor con un circuito de corriente continua que convierte el movimiento giratorio de la aguja en un impulso hacia arriba y hacia abajo.

También se ha encargado de diseñar el embalaje que integra el resto de elementos, tales como los guantes de goma, un tintero y la loción antiséptica.

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Sí. Lo sabemos. Estás deseando saber cuánto cuesta y dónde comprarlo. Por desgracia ahora mismo no está disponible para su venta, pero dado el éxito que está cosechando es posible que llegue pronto al mercado.

Y tú, ¿te harías con una?

[Fuente: Studio deFORM]

Poetrics es una instalación artística interactiva situada en el barrio londinense de King Cross en el lugar sobre el que se levantarán las nuevas oficinas del gigante de Mountain View en la capital británica, que además sirve como colofón del Curious Arts Festival celebrado este verano.

Google Poetrics es una especie de máquina que utiliza la tecnología de Google Speech para reconocer las palabras recibidas a través de una serie de micrófonos instalados alrededor de la obra. Las palabras se muestran en 17 paneles LED hasta conseguir formar un poema. La instalación artística interactiva se inauguró el pasado 26 de agosto y permanecerá abierta durante los próximos 6 meses.

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Google Poetrics es el resultado de una competición organizada por Google en colaboración con la prestigiosa escuela Central Saint Martins de la Universidad de las Artes de Londres para crear una "experiencia interactiva para la comunidad".

"Vimos Poetrics como una oportunidad para que la gente tenga una experiencia colectiva al jugar con el lenguaje y el absurdo igual que hicieron los dadaístas con el juego surrealista del cádaver exquisito", ha explicado a los medios una de las estudiantes a cargo del proyecto, la española Laura Ventura Ricart.

Poetrics, la máquina que convierte palabras al azar en poesía, no es el único espacio artístico en el que ha colaborado Google, que ya ha recopilado cientos de obras de arte expuestas en museos de todo el mundo a través de imágenes en alta resolución al alcance de cualquiera con Google Art Project.