Telefónica pretende demostrar que Movistar Plus no tiene rival entre las OTT de pago. La plataforma de streaming se refuerza con cine, series y paquetes convergentes con HBO Max, SkyShowtime, Apple TV+ y Disney+ con descuento.

Movistar baja el precio del paquete Ficción Total

Los clientes miMovistar que no tengan contratado Ficción Total están de enhorabuena. La OTT de pago va a ofrecer este paquete por solo 10 euros mensuales durante los próximos tres meses, aunque es una oferta por tiempo limitado, solo se puede contratar desde el 1 de junio hasta el 31 de julio.

La operadora ha bajado el precio de los 21 euros habituales que cuesta para clientes Movistar, esto supone un ahorro considerable para muchos clientes. A esto se suman descuentos en el paquete de streaming con Disney+, que incluye franquicias como Marvel o Star Wars.

El plan Ficción Total con Disney+ baja a 14 euros al mes durante los siguientes tres meses, en lugar de los 29 euros mensuales de este paquete. Los usuarios pueden ahorrar hasta 15 euros al mes o 45 al terminar la promoción, luego sube a su precio habitual.

Una promoción por tres meses y con requisitos

La nueva oferta de Movistar con más cine y series solo se aplica a los paquetes de Ficción Total y Ficción Total con Disney+. En ambos casos, el descuento será durante tres meses y únicamente lo podrán contratar los clientes miMovistar que todavía no tengan este plan de streaming.

Movistar Plus+ permite añadir otras plataformas de streaming como HBO Max, SkyShowtime y Apple TV en ambos planes. El paquete con todo el cine y series costará 30 euros durante tres meses, en lugar de los 63 euros originales, un ahorro acumulado de 99 euros.

Estas ofertas tienen una letra pequeña. Si quieres acceder a la oferta de Movistar Plus, primero tendrás que tener contratado el paquete base o darte de alta al mismo tiempo que contratas Ficción Total o Ficción Total con Disney+.

Movistar pretende blindarse así para el verano. La cobertura total con los 104 partidos del Mundial de la FIFA de la mano de DAZN no es suficiente, pretenden aprovechar al máximo las vacaciones y el fin del colegio.

Miyazaki, responsable de clásicos atemporales como Mi vecino Totoro, El viaje de Chihiro o La princesa Mononoke, ha declarado que "no se puede crear sin experiencias propias de dolor, conmoción y emociones". Revelando quizá cuál es su secreto para que la mayoría de sus películas queden grabadas en el recuerdo de espectadores de todas las edades y generaciones.

Pero lo cierto es que su reflexión va más allá. En cierto sentido, puede interpretarse como una forma de distinguir la creación tradicional y la llevada a cabo por medio de la inteligencia artificial. Todo el mundo sabe que Miyazaki no es precisamente sospechoso de ser neutral con este asunto. Ha criticado vehementemente a la IA en numerosas ocasiones.

En un documental ampliamente difundido, Miyazaki reaccionó con dureza ante una demostración de animación generada por IA, calificándola como algo "insultante para la vida misma". Su reacción no fue simplemente rechazo tecnológico, sino una defensa de lo humano en el proceso creativo.

Miyazaki defiende la importancia de las emociones

El particular enfrentamiento entre Hayao Miyazaki, del Studio Ghibli, y la IA es profundo. Sobre todo porque hace un tiempo se puso de moda imitar su estilo gracias a esta tecnología. La tendencia fue tan potente que casi terminan por derretir los servidores de ChatGPT. Incluso gente que no había visto una película de Miyazaki nunca se sumó a la moda.

Puede que algún otro hubiese entendido lo ocurrido como una manera de ganar popularidad, pero Miyazaki, como buen japonés, lo juzgó precisamente de la forma contraria: poco menos que una burla a su trabajo. Para él, una máquina puede imitar formas, pero no puede comprender el sufrimiento, la empatía o la memoria emocional que dan sentido a una obra.

Desde su punto de vista, el peligro de la IA en el arte no es solo la automatización, sino la posible desconexión entre creación y experiencia. Si una obra no nace de alguien que ha sentido, observado y vivido, ¿puede realmente conmover? Esa es la pregunta implícita en su crítica. Miyazaki parece sugerir que el arte sin vivencia es, en el mejor de los casos, vacío.

Además, no se puede decir que a Miyazaki le haya ido mal sin la IA. Su carrera está llena de éxitos. El viaje de Chihiro ganó el Premio Oscar a Mejor Película de Animación en 2003, siendo la primera -y durante mucho tiempo la única- producción de anime en lograrlo. Además, recibió un Óscar honorífico en 2014 por su contribución al cine, y repitió en 2024 por El chico y la garza.

Por si fuera poco, Hayao Miyazaki no es el único creador que defiende una postura similar. Otros pesos pesados del cine o de la literatura, como son los casos de Steven Spielberg o Stephen King, se han posicionado en la misma línea. Ambos han reconocido que la IA nunca será capaz de hacer una película o escribir un libro igual que lo hace un ser humano.

Esa es su postura, no obstante, ¿será así realmente? Quizá para ello el futuro esté bastante bien resuelto, ¿pero pueden decir lo mismo muchos trabajadores? Tal vez Miyazaki tenga razón y no se pueda crear sin emociones. Sin embargo, ¿qué sucedería si realmente nos dirigiésemos hacia un mundo así, más frío y automatizado?

Aún no se conoce el propietario tras una batalla disputada entre Mediaset y SIETE, un grupo de comunicación creado por y para el concurso público, pero todo apunta a este último grupo. Este canal se sumará a la llegada de ARTE España antes de verano.

Cambios en la programación del nuevo canal de la TDT

El nuevo canal de la mano de SIETE, si se confirman todas las previsiones, estará centrado en la actualidad informativa con una programación llena de debates, noticias, informativos y entrevistas. El Gobierno pretende llenar este espacio, pero temen que el contenido no sea lo suficiente interesante para atraer al público desde el inicio.

Este canal necesitará algo más para cautivar a los espectadores. SIETE está empezando a comprar contenido variado para llenar su parrilla con entretenimiento, según confirman los accionistas en el evento Content Americas celebrado en Estados Unidos.

Los informativos serán el eje principal con rumores de un posible regreso de la CNN, esperan apostar por un proyecto en el que los espectadores confían para conseguir buenos resultados en su primer año en la TDT en abierto. Este espacio se llenará con cuatro pilares de contenido:

• Películas y cine
• Series de televisión y telenovelas
• Programas de entretenimiento
• Documentales

SIETE apuesta por contenido extremadamente barato para complementar los espacios informativos. El grupo de comunicación solo debe comprar la licencia para emitir películas, series y programas, algunos incluso no será necesario doblarlos al castellano si se han producido en España.

¿Cuándo llegará el nuevo canal de la TDT?

El Gobierno espera confirmar el propietario de la licencia para emitir en la TDT a lo largo del mes, luego habría que esperar antes de que llegue a la televisión. El nuevo canal empezaría a emitir a finales de año, aunque podría estar disponible incluso antes.

El canal empezaría sus emisiones en la TDT en septiembre, lo que permitiría llegar a Navidad con cierta notoriedad. Antes estará disponible ARTE España, el canal temático de RTVE empezará a emitir a inicios de verano, primero en la plataforma de streaming RTVE Play y unas semanas después en la Televisión Digital Terrestre para todos.

El Instituto Tecnológico de Massachusetts (MIT) ha descubierto una forma de comunicarse hacia atrás en el tiempo, podría ser incluso más fácil que hacerlo en tiempo real.

Esto es posible gracias a una nueva interpretación de las ecuaciones de la relatividad general. Christopher Nolan lo adelantaba en la película Interstellar, ahora el MIT lo ha conseguido en la vida real.

Enviar un mensaje al pasado rompiendo el espacio-tiempo

El Instituto Tecnológico de Massachusetts ha desafiado la trayectoria a través del espacio-tiempo que siguen todos los objetos. Este fenómeno se denomina curva temporal cerrada (CTC), lo que permite viajar al futuro antes de regresar al pasado y terminar en el presente.

La curva temporal cerrada crea un bucle en el que se altera el entrelazamiento cuántico. Cuando dos partículas están conectadas, el estado de una siempre es extremadamente sensible vinculado al de la otra, no importa la distancia a la que se encuentren.

Los investigadores del MIT han descubierto que el estado cuántico de ambas partículas se mantiene mediante continuos mensajes hacia atrás en el tiempo. La segunda alerta a la primera sobre cómo reaccionar posteriormente.

"Era el equivalente a enviar un fotón unos nanosegundos hacia atrás en el tiempo y hacer que intentara matar a su yo anterior", confirmaba Seth Lloyd, del Instituto Tecnológico de Massachusetts, en el año 2010. El MIT ha conseguido ahora eliminar las interferencias en la comunicación CTC.

La ciencia recrea una escena de Interstellar

La comunicación entre dos partículas se realizaba a través de un canal muy inestable, cualquier mínimo cambio podría provocar que se pierda la conexión. El equipo de investigadores ha descubierto 16 años después que el funcionamiento es muy similar al de una línea telefónica.

Kaiyuan Ji, investigador del MIT, confirma que el equipo se inspiró en una escena de Interstellar. Al final de la película, el astronauta al que da vida Matthew McConaughey envía un mensaje al pasado manipulando las manecillas de su reloj inspirándose en un CTC.

"El padre recuerda cómo la hija decodifica su mensaje futuro, por lo que puede aprender cuál es la mejor manera de codificarlo", asegura Ji. “Nadie ha construido una curva temporal cerrada y física real, y hay razones para pensar que es muy difícil crearla. Pero todos los canales tienen ruido”, añade para New Scientist.

El equipo de investigadores pretende recrear este experimento con fotones para retroceder en el tiempo al estilo de Interstellar. Esto permitiría aprovechar canales de ruido reales incluso para la comunicación convencional en tiempo real.

La corporación pública se ha inspirado en el canal ARTE de origen franco-alemán para ARTE España, la nueva apuesta de RTVE. Esta emisora ofrecerá contenido íntegramente dedicado a la cultura.

ARTE España llega muy pronto a la TDT

El nuevo canal temático de RTVE podría iniciar sus emisiones el próximo mes de junio, aunque aún se desconoce la fecha exacta. ARTE España llegará primero a RTVE Play, la plataforma de streaming de la televisión pública, y unas semanas después lo haría en la TDT generalista.

El Gobierno ha confirmado a través de la web del Ministerio para la Transformación Digital y de la Función Pública que ARTE España nace de la colaboración con el canal de televisión europeo y la plataforma de streaming cultural propia.

No hay dudas de que ARTE España va a compartir contenido con el canal francés y alemán, aunque se llenará de contenido propio. El nuevo canal de la TDT traerá cine español, ópera, música clásica, teatro y nuevas tendencias que se organizarán por bloques temáticos.

RTVE por fin confirma la programación de ARTE España

La corporación pública no ha dado ninguna sorpresa con la programación de ARTE España. El primer canal temático de RTVE confirma todos los rumores de las últimas semanas, la parrilla se llenará de documentales y cine español.

ARTE España llega para cubrir un vacío en la TDT, que hasta el momento no tiene un canal íntegramente cultural. RTVE ha confirmado su parrilla en torno a cinco pilares fundamentales: documentales, artes escénicas y teatro, cine español, música clásica y ópera y nuevas tendencias.

Los documentales serán el eje principal de ARTE España, tanto de producción propia como en colaboración con el canal europeo. El bloque de artes escénicas y teatro recuperará grabaciones míticas de Estudio 1, mientras que la sección de música clásica y ópera cuenta con la participación de la Orquesta y Coro RTVE y teatros líricos nacionales.

Otro bloque importante de ARTE España es el cine nacional con películas del enorme catálogo de la cadena pública y novedades. El canal de la TDT también ofrecerá contenido dedicado a nuevas tendencias y cultura urbana en colaboración con Radio 3 y Radio 3 Extra.

La llegada de ARTE España coincide con el concurso público para otorgar una nueva licencia estatal de TDT. La convocatoria de octubre de 2025 está a punto de adjudicarse con una duración de 15 años, aunque llegaría más tarde que el canal temático de RTVE.

Todos hemos experimentado alguna vez la frustración de los colores lavados y el brillo apagado de una sala de cine con un proyector que tiene la lámpara gastada. Sales de la película diciéndote: “La tele de mi casa se ve mucho mejor”. Este problema se elimina con una pantalla LED gigante que no se desgasta y siempre emite con la misma intensidad.

Estas pantallas LED Onyx de Samsung ofrecen resolución 4K a 120 Hz, HDR, negros profundos, colores intensos y un contraste impactante, comparado con una proyección.

Una tele de Samsung tamaño cine

El nuevo modelo de 14 metros estrena una importante novedad: ofrece un diseño modular que permite personalizar su tamaño, ampliando la pantalla de los 14 a los 20 metros. Es posible añadir módulos LED individuales en los laterales y en la parte inferior para conseguir el tamaño deseado, creando una experiencia visual uniforme que abarca desde el suelo hasta el techo.

Para conseguir este impresionante tamaño de panel, Samsung ha tenido que añadir un paso de píxeles de 3,3 mm, con el que se consigue una imagen nítida y uniforme en toda la pantalla.

Samsung LED Onyx es la primera pantalla LED de cine con certificación DCI, lo que significa que cumple estrictos estándares de calidad de imagen y sonido.

Onyx admite relaciones de aspecto tanto panorámicas (2,39:1) como telesivas (1,85:1). La tecnología HDR de Samsung garantiza un brillo máximo de hasta 300 nits, que es menor que un televisor, pero es impresionante para una pantalla de un tamaño de hasta 20 metros. Es aproximadamente seis veces más brillante que los estándares de cine convencionales.

Ofrece un brillo y una calidad de imagen uniformes, independientemente del tamaño de la pantalla o de la posición del espectador. Y es compatible con los servidores multimedia Dolby y GDC, que envían las películas por streaming, o con almacenamiento propio en un ordenador local.

LED Onyx logra un volumen de color del 100% con su brillo máximo, mientras que su relación de contraste permite niveles de negro reales para una inmersión más profunda y un mayor nivel de detalle en las escenas oscuras.

Otra ventaja de usar una pantalla LED en el cine, es que se pueden activar diferentes modo de imagen para contenido alternativo a las películas, como deportes en directo, conciertos, eventos de videojuegos y presentaciones corporativas. Esto permite a las salas rentabilizarla mucho más.

Algunas de las salas de cine más lujosas del mundo, como Pathé Dar Essalam en Rabat (Marruecos), ya usan pantalla Onyx. Pathé ya ha instalado 12 pantallas Onyx en sus salas europeas. En Estados Unidos, Trilith Cinemas ya las utiliza en cinco salas.

“La gente va a los cines premium para vivir algo que no puede recrear en casa“, explica Hyoung Jae Kim, vicepresidente ejecutivo del negocio de Visual Display (VD) de Samsung Electronics, en la nota de prensa. “La nueva pantalla Onyx de 14 metros de Samsung ofrece a los exhibidores una forma de llevar la experiencia premium a salas de mayor capacidad, ayudando a que la experiencia de ir al cine vuelva a ser un destino por sí misma”.

Las salas de cine pasan por un momento delicado. Samsung LED Onyx quiere recuperar su esencia con pantallas gigantes que mantienen la calidad de imagen que los usuarios ya disfrutan en sus casas.

¿Por qué este afán por automatizarlo todo? Cabe suponer que por aumentar la rentabilidad de su negocio. Pero también hay un interés generalizado en China por abrazar cualquier tecnología, desde la robótica hasta la IA. Mientras que en Occidente cada vez surgen voces más críticas que denuncian los abusos de las nuevas tecnologías, los chinos parecen encantados con ellas.

La "Netflix china" abraza la IA

IQiyi, que así se llama la plataforma conocida como una "Netflix china", quiere que la inteligencia artificial se encargue de sus películas y series. Como recoge Bloomberg, su director ejecutivo Gong Yu lo ha anunciado en una reunión reciente. Para ello ha presentado una herramienta llamada Nadou Pro, supuestamente especializada en agilizar los trabajos cinematográficos.

Llama la atención que la propuesta no es una simple mejora tecnológica ni una herramienta de apoyo para guionistas o editores. Se trata de automatizar prácticamente todo el proceso creativo: desde la escritura del guion hasta la generación de escenas, pasando por el diseño de personajes, efectos visuales e incluso el montaje final. Vamos, que lo que quieren es reducir la presencia humana.

Para justificar esta decisión, desde la "Netflix china" denuncian que crear películas y series de televisión es un proceso caro y lento. Si para ello se emplean profesionales humanos, claro. La tecnología puede hacer que todo resulte más económico y rápido. Esto último no es baladí. Desde que se aprueba un proyecto hasta que ve la luz, se tarda mucho tiempo. Así quieren reducirlo.

De hecho, no es solo una cuestión de dinero (que se puede suponer que también). Todo el mundo sabe que las plataformas de streaming tienen que estar ofreciendo todo el rato contenidos nuevos. Muchas veces la calidad no es tan importante como la cantidad (algo por lo que Netflix, sin ir más lejos, ha sido criticada en numerosas ocasiones). ¿Podría ser algo así posible aquí en Occidente?

El factor humano… en entredicho

Desde un punto de vista práctico, se le pueden poner pocos peros a la estrategia de la "Netflix china". Sin embargo, no está tan claro que la calidad no vaya a verse resentida. Siempre y cuando eso sea prioritario para este tipo de plataformas, lo cual no está del todo claro. Porque eso también abre otro debate: ¿hasta qué punto la IA puede ser creativa? Creativa de verdad, se entiende.

Según gente como Stephen King o Steven Spielberg, la IA nunca podrá compararse al ingenio de los seres humanos. Puede que tengan razón o puede que no. La gran pregunta es, ¿resulta a día de hoy realmente importante eso? Para los espectadores, incluso.

En la CinemaCon de Las Vegas, Favreau ha explicado en una entrevista que en Hollywood cada vez usan más tecnología comercial, en lugar de crear la suya propia, porque es donde está la innovación.

“Cuando visitaste nuestro plató, estábamos utilizando hardware de videojuegos para poner en marcha un proceso de previsualización de captura de movimiento. Como ahora se trata de productos destinados al gran público, se aprecia una innovación tremenda en ellos. Al igual que hacemos uso del Apple Vision Pro en el plató”, explica.

Una pantalla IMAX en tu salón

“En el caso del Apple Vision Pro, las gafas de realidad mixta son, básicamente, el único punto de vista del director a la hora de encuadrar las tomas para IMAX desde el plató”.

Y continúa: “Así que estoy haciendo una película en IMAX y estoy mirando una pantalla de televisión. Por muy grande que sea la pantalla de tu televisor, no es una pantalla IMAX. Creamos un software para que pudiera ponerme mi Apple Vision Pro y sentirme como si estuviera sentado en una sala de cine IMAX y ver la relación de aspecto completa mientras encuadraba una toma”.

“Puedo ver esa toma y ver lo que verá el público. Esa es una tecnología que ya existía sin nosotros. Hemos desarrollado un pequeño complemento de software sobre ella, pero estamos aprovechando a escala industrial una tecnología dirigida al consumidor”.

Como explica Jon Favreau, los directores filman una película para IMAX sin saber cómo quedará, porque una cámara o un televisor no tiene el tamaño de una pantalla de cine.

Lo que tiene la realidad virtual o aumentada / mixta, es que te permite ver una película con el tamaño de pantalla que tú quieras. Apple se ha autolimitado con las Apple Vision Pro, porque las promociona como un dispositivo para ver contenido en realidad mixta, dentro de tu salón o habitación, y las pantallas virtuales que se ven en los vídeos, son simples televisores.

Pero estas gafas pueden funcionar como un dispositivo de realidad virtual que oculta los límites de tu salón y lo transforma en un cine con una pantalla IMAX de 20 o 30 metros de largo. El director de The Mandalorian y Grogu lo aprovecha para ver las tomas mientras rueda, y comprobar si quedan bien en una pantalla IMAX a tamaño real.

La escala de la realidad aumentada

“A tamaño real” es la clave aquí. Hace varios años que uso la realidad virtual y se lo enseño a la gente, y el concepto “a tamaño real” es el más difícil de entender. Casi nadie se imagina lo que significa, hasta que lo prueba.

La magía de la RV es que no se trata de ponerte unas pantallas en los ojos, y verlo en 3D. Gracias a las lentes, todo lo que ves tiene un tamaño real. Si visitas la Torre Effiel, tendrás que echar la cabeza atrás y mirar al techo para contemplarla. Si juegas a un videojuego, los enemigos miden dos metros de altura.

En el caso de Jon Favreau, ve una pantalla IMAX a tamaño real y eso le permite probar las tomas que rueda al instante, sin tener que esperar a ir a un cine IMAX de verdad. Es la magia de la realidad virtual, que mucha gente no se imagina hasta que lo prueba.

Hasta Ben Affleck ha criticado esta tecnología, pero aunque el director Pedro Almodóvar ha dicho que "solo sirve para memes", Hollywood está confirmando la primera superproducción de cientos de millones de euros que incluye IA junto a la famosa actriz Gal Gadot.

¿Cómo no hacerlo? Cada vez hay más proyectos que funcionan para mejorar efectos visuales, algoritmos e incluso recrear escenas completas. Kling AI, Runway, Meta Movie Gen, Google Veo y otras herramientas están dando mucho de qué hablar.

Si bien ya se han aplicado estos métodos, la novedad del reciente anuncio se trata de una película con el mayor presupuesto que incorpora inteligencia artificial, algo que todavía no se había visto y plantea un cambio importante en todo el cine.

Hollywood ya tiene la primera película casi íntegra con IA y Gal Gadot está en ella

Para muchos es una sorpresa, pero para otros no, y es que durante los últimos años los expertos han advertido sobre el impacto de la inteligencia artificial en los empleos y grandes industrias como la del cine o la música.

Seguro que en Internet te has encontrado con vídeos generados con IA que recrean escenas o hacen partes nuevas con crossover entre distintos personajes. Pues bien, la tecnología finalmente está siendo implementada a gran escala en proyectos de alta relevancia para Hollywood.

Se trata de Bitcoin: Matando a Satoshi (conocida internacionalmente como Paycheck: The Movie), una película protagonizada por Gal Gadot y Casey Affleck, dirigida por Doug Liman (mismo de Al Filo del Mañana y El Caso Bourne).

Lo que tiene de especial esta producción es que detrás de la cámara está la IA trabajando constantemente. Según informa The Wrap, es el primer largometraje de “calidad de estudio” que incluye el uso de inteligencia artificial en la creación de escenarios, iluminación y detalles de entorno.

Normalmente, una película conlleva un gran trabajo en el que fácilmente se pueden tardar varios meses por todo lo que conlleva, pero utilizando un asistente virtual, lo han conseguido en tan solo 20 días.

Para lograrlo, el equipo Acme AI & FX ha construido un estudio especializado en efectos visuales donde los actores han interpretado las escenas con paredes blancas de fondo y una iluminación sencilla.

Todo esto que está detrás va a ser reemplazado por la IA en postproducción, algo similar a lo que hacen con la clásica pantalla verde, pero con un proceso más automatizado y asistido.

De 300 a 70 millones: el impacto real de la IA en Hollywood

Las localizaciones que piensan recrear podrían ir desde la Antártida hasta Las Vegas o el Caribe. En una entrevista con el mencionado medio, el productor Ryan Kavanaugh afirmó que esta decisión responde a la necesidad de reducir costos.

Para las localizaciones reales o estructuraciones de sets, es una estrategia inteligente porque los viajes, equipos y demás detalles conllevan un presupuesto mayor.

En efecto, se esperaba que el gasto total del proyecto fuera de 300 millones de dólares (aproximadamente 254 millones de euros) y, con el uso de herramientas de inteligencia artificial en postproducción, esta cifra se ha reducido a 70 millones de dólares (60 millones de euros).

Eso es casi cuatro veces menos de lo que costaría, y es que con un guion que tiene alrededor de 200 ubicaciones distintas, más de 300 empleados en elenco, equipo técnico y personal adicional, podría haber un crecimiento astronómico en el precio.

Esta etapa está pautada para durar unas 30 semanas y va a incluir 55 “artistas de IA” (el nuevo perfil profesional con IA). Por esta razón, también hay un debate sobre el rechazo de esta tecnología e incluso es una de las razones por las que se han hecho huelgas de actores y guionistas en Estados Unidos.

Si bien otorga muchas ventajas, también es algo que trae efectos negativos, pero con un buen uso, podría ser la clave para el siguiente paso de la industria.

“La IA es muy válida para hacer memes de Trump y Putin vestidos de señora, pero no para crear una película”, dice Pedro Almodóvar. Y ofrece una explicación muy interesante de por qué ChatGPT, Sora o Veo y derivados no pueden sustituir a la creación humana.

El director de Hable con ella reconoce que usa la IA para tareas de documentación, pero no la encuentra válida para el proceso creativo.

Pedro Almodóvar opina sobre la IA

El director está convencido de que “va a haber un cambio brutal cuando todo esto avance”, pero asegura que la inteligencia artificial nunca va a llegar al puro proceso de creación:

“Nunca podrá escribir Hable con ella, no porque sea la mejor película del universo, sino porque yo recuerdo cada fase de cómo fue la creación del guion. Eso es imposible que una inteligencia artificial lo haga".

Pedro Almodóvar explica que la creación depende de datos previos, como los que entrenan a la IA, equivalentes a los recuerdos o el aprendizaje en una persona. Pero la creación es también casualidad, y eso la IA no lo tiene. Por ejemplo, para su película Hable con ella, recuerda que acudió a ver un espectáculo que le emocionó mucho, y eso le dió la idea para iniciar la película con un espectáculo muy potente, en donde un personaje llora, y el otro no. Esa parte del guión sucedió por pura casualidad, si no hubiese ido al espectáculo no lo habría incluido, y eso es algo que la IA no puede hacer. Aquí puedes ver el pódcast completo, la charla sobre la IA empieza en el minuto 33:

El oscarizado director explica que, cuando escribe, su sensibilidad “es un gran receptáculo”, como una antena enfocada al guion, y una canción, una conversación, un sonido, pueden inspirarle para crear una escena para la película. Es un proceso creativo muy diferente al que usa la IA.

También le preocupa que la tecnología esté desconectando a las personas. Nadie quiere hablar en directo: “Yo llamo por teléfono, y no me lo cogen. Envío un mensaje de audio, y me responden al minuto”.

La realidad es que la inteligencia artificial genera rechazo entre los artistas y los consumidores de esos productos de entretenimiento, pero… Las productoras de cine, las plataformas, las compañías de videojuegos, la utilizan de forma masiva, porque ahorra tiempo y dinero.

La IA en el cine

Una cosa es crear un tráiler, un vídeo de dos minutos, y otra generar una película completa, que se sostenga visualmente, o en el guion.

El cierre de Sora de OpenAI, su IA generativa de vídeo, es un buen ejemplo: consumía demasiados recursos para unos segundos de vídeo, y eludir los problemas de copyright es muy complicado, cuando la IA ha sido entrenada con contenido protegido.

Pedro Almodóvar está en contra de usar la IA en el proceso creativo, pero no se cierra a ella en otras tareas rutinarias. Así es como se siente la mayoría de las personas.

La plataforma de streaming ha confirmado que llega a su parrilla un nuevo canal con 70 películas basadas en libros. La emisora conocida como Libros de cine por AMC ya está disponible en el dial 25 hasta el 28 abril.

Un nuevo canal para Vodafone TV

La OTT de la operadora es consciente de que no puede competir contra Movistar Plus+ en deporte con los derechos en exclusiva de los partidos de LaLiga. Vodafone TV apuesta por reforzar su parrilla con más cine.

Libros de cine por AMC trae películas reconocidas por la Academia de cine como La chica danesa o El renacido. El nuevo canal de Vodafone TV también apuesta por cine inspirado en libros con adaptaciones cinematográficas como No es país para viejos o Érase una vez en América.

Vodafone TV ha reforzado así su acuerdo de colaboración con la productora AMC Networks. Este canal pop-up emitirá durante un tiempo limitado y después desaparecerá de la parrilla de la OTT de pago.

El nuevo canal de Vodafone TV está disponible para todos los clientes sin excepción desde el dial 25. Libros de cine por AMC emite totalmente gratis, no es necesario resintonizar el decodificador o realizar cualquier gestión.

Todas las películas que llegan a Vodafone TV

Vodafone TV se prepara para la llegada de hasta 70 películas inspiradas en libros para el mes de abril. Algunos títulos como American Psycho o The Martian se suman a una larga lista de novedades:

• Animales fantásticos y dónde encontrarlos
• El renacido
• La chica danesa
• El crimen del padre Amaro
• Enemigo a las puertas
• El buen alemán
• American Psycho
• Érase una vez en América
• Memorias de África
• Aguas profundas
• El talento de Mr. Ripley Misery
• El informe Pelícano
• Legítima defensa
• It
• The Martian
• Millennium: Los hombres que no amaban a las mujeres
• No es país para viejos

La plataforma de streaming también va a realizar un especial para conmemorar el cumpleaños de Al Pacino, que cumplirá 86 años el próximo 25 de abril. Vodafone TV emitirá Donnie Brasco, Atrapado por su pasado o La sombra del actor, una de sus últimas películas.

Libros de cine por AMC también dedica un pequeño espacio para las miniseries con Frankenstein y Moby Dick. Vodafone TV se blinda con más entretenimiento para el mes de abril.

Los usuarios han criticado en numerosas ocasiones la parrilla de la OTT de la operadora, pero DIGI por fin se ha propuesto cambiarlo. La compañía va a llenar DIGI TV de series y películas para el mes de abril.

DIGI TV se renueva en abril con más cine

La OTT de DIGI ha seguido la misma estrategia que Movistar Plus+ para abril llenando la plataforma de streaming con nuevo contenido. La televisión de la operadora trae hasta 20 películas, series y un nuevo canal.

El pasado 2 de abril llegó la película Assassin’s Creed en AMC, hoy se estrena Bumblebee en el Canal Hollywood, Mil maneras de morder el polvo en Comedy Central y el 11 de abril lo hará Free Guy en el Canal Hollywood.

A esto se suman títulos para los más pequeños como El gato con botas: El último deseo o Shin Chan. DIGI TV ha confirmado las nuevas películas que llegan a la plataforma de streaming este mes:

• Puñales por la espalda – 4 de abril en AMC
• Mechanic: Resurrection – 6 de abril en AMC
• Animales Fantásticos 1 y 2 – 6 de abril en Canal Hollywood
• Hostiles – 6 de abril en AMC Western
• El caso Miranda – 7 de abril en AMC
• Need for Speed – 15 de abril en Calle 13
• El menú – 16 de abril en AMC
• Old Henry – 20 de abril en AMC
• Western Drive My Car – 25 de abril en Sundance TV
• El último duelo – 26 de abril en AMC

Nuevas series que llegan a DIGI TV y una sorpresa

DIGI TV ha confirmado la llegada de series como The Walking Dead: Dead City en AMC, thrillers como CIA en STAR o Bay of Fires en Sundance TV. También regresa como Mismatch en COSMO, la segunda temporada de Patience en el mismo canal, Jane Eyre en BBC o la segunda temporada de El primer matrimonio de Georgie y Mandy desde Warner TV.

La llegada de nuevas series se suma al regreso por sorpresa de Disney Channel, aunque lo hace primero en las OTT como DIGI TV, la TDT en abierto aún tendrá que esperar. Este canal infantil refuerza el contenido para los más pequeños en su parrilla.

Disney Channel recupera series como Phineas y Ferb, Miraculous: Las aventuras de Ladybug y Vampirina: Teenage Vampire. Además, el canal Dreamworks trae Kung Fu Panda: El Caballero Dragón el 6 de abril, la segunda temporada de El Bebé Jefazo: Vuelta al curro el mismo día, That Girl Lay el 20 de abril en Nickelodeon y Rocky y la catástrofe gatuna el 25 de abril en Nick Jr.

La OTT de pago también trae documentales con Los secretos de las abejas el 4 de abril en NatGeo, La Tierra: bajo sospecha el 14 de abril en Odisea o Chernóbil: en el corazón del desastre el 25 y el 26 de abril en NatGeo.

Aquí no hay polémica legal ni social por usar un doble digital del actor generado con IA, porque su familia ha dado permiso para hacerlo. Pero es inevitable preguntarse si es ético, y aporta algo, usar a un actor fallecido en una nueva película en donde no participó en vida.

Recurrir a una réplica IA de un actor puede tener sentido si debe retomar un personaje con el que el público lo identificó en vida, o ya había rodado escenas para la película antes de morir, y quieren completarlas. En el caso de As Deep as the Grave, era un personaje nuevo, y Kilmer no había rodado nada. Vamos, que podría interpretarlo un actor humano sin problemas.

Los actores generados con IA, ¿el futuro, o "AI slop"?

Val Kilmer fue uno de los actores más populares de los años 90 y posteriores. Debutó en la comedia Top Secret! (1984), pero se convirtió en un actor universal con películas muy queridas, como Willow (1988), y la saga de Top Gun. También fue Batman en un par de películas de la saga, en los años 90.

Val Kilmer falleció el 1 de abril de 2025, de una neumonía. Tenía 65 años. Curiosamente, en su última película, Top Gun: Maverick (2022), su interpretación también fue editada con inteligencia artificial. Había perdido la voz debido a un cáncer de garganta, así que las frases que pronuncia son su voz generada por una IA entrenada con audio de anteriores películas del actor.

En As Deep as the Grave será mucho más complicado, porque además de la voz, también van a recrear la imagen del actor. Según cuenta el director y guionista Coerte Voorhees en The New York Times, recurrieron a programas de IA generativa entrenada con imágenes, vídeo y audio recopilado del actor. Insertaron la réplica de Kilmer en escenas ya filmadas utilizando un software de edición estándar.

Este Val Kilmer generado con IA cuenta con la aprobación del gremio de actores, y de la familia Kilmer, que recibirá el pago acordado en el contrato, como si hubiese actuado en vida.

Según ha explicado su hija, Mercedes Kilmer, en una entrevista en Variety, “Mi padre siempre veía las tecnologías emergentes con optimismo, como una herramienta para ampliar las posibilidades de la narración. Este espíritu es algo que todos honramos en esta película”.

El problema de estas interpretaciones post-mortem con IA, es que nunca sabremos si el actor implicado, estaría de acuerdo. Y no deja de ser una interpretación generada por ordenador, realmente no es él. Entonces, ¿qué sentido tiene?

Pese a la hipocresía reinante, hay que reconocer que ByteDance se ha pasado con su nueva IA generadora de vídeo, SeeDance 2.0, que permite crear secuencias de vídeo de 15 segundos con actores famosos de Hollywood y personajes de animación. El realismo es asombroso.

Varios guionistas y directores de Hollywood han reaccionado con variantes de la frase “Estamos muertos”. Pero no solo ellos. Seedance 2.0 es brutal creando anuncios publicitarios con un par de prompts. ¿Trabajas en una agencia publicitaria? Mi más sentido pésame…

SeeDance 2.0 enfada a Hollywood

En el vídeo anterior puedes ver la increíble secuencia creada con Seedance 2.0 por el director irlandés Ruairí Robinson, con un solo prompt de dos líneas: Tom Cruise y Brad Pitt en una pelea sobre el tejado de una ciudad post- apocalíptica.

Los efectos sonoros y la música perfectamente coordinada, los movimientos completamente naturales, los rostros casi perfectos… “La gente de Hollywood estamos cocinados”, afirma.

Rhett Reese, guionista de Deadpool, Deadpool 2, Zombieland y muchos otros grandes éxitos, respondió al vídeo con la frase: “Odio decirlo, pero probablemente se haya acabado para nosotros”.

Las asociaciones de actores y directores de Hollywood han emitido una queja, y tanto Disney como Paramount han enviado a ByteDance una carta de cese y desistimiento. Esto significa que, si no deja de usar sus películas, personajes y actores, la denunciarán.

Para los actores, guionistas o directores, no es tanto lo que la IA generativa de vídeos consigue ahora, como lo mucho que ha evolucionado en un par de años, y lo que lo hará en unos pocos más.

Pero Seedance 2.0 no solo amenaza a los cineastas. También a los publicistas. Mira este anuncio creado con un solo prompt: “Un anuncio de champú de alta calidad para mujeres”:

Se nota enseguida que es un fusión de docenas de anuncios de champú que hemos visto, no hay nada original ni inspirador… pero funciona. Puede pasar por un anuncio hecho por una agencia publicitaria sin demasiado talento, pero sirve perfectamente.

Tras el revuelo armado, ByteDance ha emitido un comunicado recogido por TechSpot en el que dice: “Estamos tomando medidas para reforzar las salvaguardias actuales mientras trabajamos para evitar el uso no autorizado de la propiedad intelectual y la imagen por parte de los usuarios. ByteDance respeta los derechos de propiedad intelectual y hemos escuchado las preocupaciones relativas a Seedance 2.0".

Suena a campaña publicitaria perfectamente orquestada: mano libre los primeros días para generar vídeos virales, y luego activación de los guardarraíles. Objetivo cumplido: Seedance 2.0 ha sido tendencia durante la última semana, eclipsando a Veo 3 y Sora.

Aunque la oferta de Prime Video vuelve a destacar por su considerable variedad, entre la que incluso hay que sumarle competiciones deportivas como la NBA, lo cierto es que los aficionados a las producciones de suspense y a las comedias románticas serán quienes probablemente más disfruten de las novedades confirmadas para las próximas semanas.

Las mejores series de Prime Video para febrero de 2026

Cross, una de las series más esperadas de Prime Video regresa con su segunda temporada. En esta ocasión, el detective Alex Cross se enfrenta a un nuevo y peligroso caso cuando un multimillonario recibe una amenaza de muerte vinculada a un asesinato, lo que desencadena una investigación que promete contar con los habituales giros imprevistos.

Lo bueno es que los fans del suspense no tendrán que esperar apenas para disfrutar de esta nueva entrega. Estará disponible para los suscriptores de Prime Video a partir del 6 de febrero.

Poco más, hasta el 18 de febrero, tendrán que aguantar quienes ya tengan marcado en el calendario el estreno de 56 días. Inspirada en la novela de Catherine Ryan Howard, esta producción sigue a Oliver y Ciara, quienes comienzan una intensa relación tras conocerse por casualidad.

Sin embargo, lo que parece una clásica historia de amor, da un giro inesperado cuando se descubre un cuerpo en el apartamento de Oliver, provocando que todo tenga una naturaleza mucho más criminal y llena de intriga.

En más clave de humor, una de las grandes apuestas de Prime Video verá la luz también el 6 de febrero: Padre no hay más que uno.

O lo que es lo mismo, la conocida y taquillera franquicia protagonizada por Santiago Segura, que a partir de ahora tendrá su versión televisiva. El estilo y el humor prometen ser el mismo, solo que con más personajes y nuevas tramas. Todo muy enfocado a disparatadas aunque cotidianas peripecias familiares.

Las mejores películas de Prime Video para febrero de 2026

También quienes busquen historias románticas las encontrarán este mes de febrero en Prime Video, aunque con propuestas muy distintas entre sí. Por ejemplo, entre sus inminentes estrenos destacan La meta es el amor (4 de febrero), una comedia romántica protagonizada por Kelly Rowland. La actriz interprete a una mujer que debe compaginar su vida personal y el éxito profesional.

Más profunda será Love Me, Love Me, un drama italiano previsto para el 13 de febrero, en la que un joven intenta rehacer su vida después de un episodio dramático.

Los aficionados a la acción, en cambio, seguramente tengan que prestar atención a El engaño (25 de febrero). Muy en la línea de Amazon, se trata de una película de acción y aventuras protagonizada por Priyanka Chopra y Karl Urban. La protagonista, una ex pirata, se ve obligada a volver a la acción cuando un antiguo enemigo regresa para amenazar a su familia.

También ha llamado la atención Man on the Run. Un documental musical que repasa la vida y el legado de Paul McCartney, desde sus inicios y The Beatles hasta su carrera en solitario. Los mitómanos tienen una cita obligada a partir del 27 de febrero.

Se trata de una historia basada en hechos reales que mezcla drama con thriller, y con el mundo del crimen organizado como telón de fondo. Realmente si existe un país que haya vivido en sus propias carnes la fiereza de este último es Italia. Los años 70 y 80 fueron especialmente convulsos en ese sentido, y eso es precisamente lo que pretende transmitir la película.

El falsificador, un nuevo thriller en Netflix para 2026

El propio título de la nueva película de Netflix ya da pistas de por dónde van los tiros: El falsificador (Il falsario, en italiano). El film narra la historia de la historia de Antonio "Toni" Chichiarelli, un joven pintor provinciano que llega a la ciudad eterna de Roma con la ilusión de convertirse en todo un artista. Facultades para conseguirlo no le faltan, dado su gran talento.

El problema es que las cosas no suelen funcionar de manera tan sencilla; el talento no lo es todo. Así que el joven artista no tiene más remedio que verse seducido por un mundo tan poco recomendable como lucrativo: el del crimen organizado. Poco a poco se va convirtiendo en un profesional de las falsificaciones de todo tipo. Algo especialmente valorado por la mafia.

Los años del plomo

Muchos críticos han destacado que uno de los principales atractivos de El falsificador es la forma en la que la nueva apuesta de Netflix recrea aquellos complicados años en Italia, las décadas de los 70 y 80. Este periodo, conocido en Italia como los anni di piombo ("años de plomo"), estuvo marcado por incertidumbre política, la corrupción y el poder de las organizaciones criminales.

Es decir, que a pesar de poder fácilmente catalogarse como un "thriller" (un cajón cinematográfico en el que caben muchas cosas), El falsificador no es una película de policías al uso, con buenos malos y muchos tiroteos. Tiene un trasfondo dramático más pronunciado. De alguna forma quiere reflejar cómo se vivía en Italia, en Roma, durante aquella época.

La originalidad del film, no obstante, está precisamente en eso: la forma en la que enfoca un asunto tan trillado como el crimen organizado y la mafia desde una perspectiva distinta: el arte, y la forma en la que los sueños no suelen convertirse en realidad así como así. No al menos si uno se mantiene todo el tiempo del lado de la ley.

Sobra decir que no se trata de una superproducción, pero para tratarse de una modesta cinta europea, lo cierto es que El falsificador está dando bastante de qué hablar. La mejor forma de descubrir por qué es verla uno mismo.

Igual que sucede con el terror, la ciencia ficción de bajo presupuesto o serie B tiene un fiel reflejo dentro de su catálogo. En muchos casos películas que en su momento no lograron una gran repercusión (ni unas grandes críticas), pero que hoy en día mucha gente recuerda con cariño. Es lo que sucede con un film que ayudó a lanzar al estrellato a una actriz clásica.

Ciencia ficción ochentera en Prime Video

Cherry 2000, estrenada en 1987, no es lo que se dice Blade Runner o Akira. Más bien puede considerarse una más de las muchas películas de ciencia ficción que se estrenaron siguiendo el auge del género allá por los años 80, y que poco a poco ha ido creándose una simpática reputación. Primero en los videoclubs de su tiempo, y ahora en Amazon Prime Video.

La historia de Cherry 2000 se ambienta en un futuro inimaginable por nadie: 2017. Entonces, en un estilo un tanto semejante a Mad Max, el mundo ha pasado a ser un sitio salvaje y terrible. La sociedad tal y como la conocemos ha dejado de existir para dejar su sitio a territorios donde impera la ley del más fuerte. Aunque aún existen zonas urbanas, los forajidos tienen el poder.

La película se centra en Sam Treadwell, un joven acomodado que mantiene una relación con Cherry 2000, una androide diseñada para satisfacer emocional y carnalmente a su propietario. Todo cambia cuando Cherry se estropea de forma irreversible debido a un accidente doméstico. Desesperado, Sam decide emprender un peligroso viaje para encontrar una copia exacta de su modelo. Un poco como la moderna Robot de compañía, pero a lo ochentero.

Para sobrevivir a ese territorio hostil, Sam contrata a E. Johnson, una dura y experimentada rastreadora que se convierte en su guía y protectora. El viaje no solo estará lleno de peligros, sino que obligará al protagonista a replantearse su dependencia emocional de una máquina y su incapacidad para conectar con personas reales.

Un fracaso que ha encontrado su lugar

Cherry 2000 nunca suele destacarse dentro del cine de ciencia ficción de los 80. Sin embargo, es un estupendo ejemplo del tipo de películas que se hacían entonces: coloridas, desenfadadas, un tanto ingenuas y que parecían no tomarse del todo en serio a ellas mismas. Su estreno fue un fracaso incapaz incluso de recuperar los 10 millones de dólares que costó hacerla.

Sin embargo, con el tiempo mucha gente ha pasado a tener un buen recuerdo de ella, también por la presencia de una joven Melanie Griffith (aún no era una estrella de Hollywood, obviamente), y también por ese poderoso sentimiento que siempre es la nostalgia. Más aún en el cine.

Un buen ejemplo de esto último es el caso de una cinta estrenada hace bastante poco (2020), pero que sin duda obtuvo menos repercusión mediática de la que tendría que haber logrado. Más que nada porque aunque toca temas conocidos, lo hace desde una perspectiva bastante singular, y con algún giro que llama la atención. Ahora acaba de llegar a la plataforma de Amazon.

Terror poco conocido en Prime Video

Todo por Jackson (Anything for Jackson) no es un caso excepcionalmente extraño dentro de Prime Video. Lo cierto es que se trata de una película de terror con un presupuesto bajo y que en el momento de su estreno tampoco consiguió demasiada relevancia. Algo que probablemente cambie (al menos hasta cierto punto) con su aparición en la plataforma.

A priori, la película gira en torno a elementos propios de este tipo de propuestas: miedo, toques sobrenaturales, ritos extraños y ese tipo de cosas. Sin embargo, sus protagonistas hacen que desde el inicio de los poco más de noventa minutos que dura el film todo resulte basta original. Casi como si se tratara de una de los relatos más locos de alguien como Stephen King.

El argumento cuenta la oscura historia de Audrey y Henry Walsh, una pareja de ancianos devastada por la trágica muerte de su único nieto, Jackson. En lugar de aceptar la pérdida, como hubiese sido lo más natural en estos lamentables casos, ambos deciden recurrir a poderes ocultos y extraños para de alguna forma poder ser capaces de devolver la vida la pequeño.

Pero no se trata de resucitarlo sin más. Para conseguir sus propósitos, secuestran a una mujer embarazada con la idea de invocar un ritual que permita transferir el espíritu de Jackson al hijo por nacer. Sobre decir que, más allá de esta singular premisa, las cosas no tardan en volverse mucho más complicadas de lo que sus protagonistas pensaban y hubiesen deseado.

Un solo de aire fresco dentro del género

Está claro que Todo por Jackson no es una de las películas de terror más ambiciosas disponibles en Prime Video. Más bien todo lo contrario. Ni su director, Justin G. Dyck ni su reparto son demasiado conocidos entre el gran público. Pero pese a ello, los aficionados al cine de terror pasarán posiblemente un rato entretenido con su visionado.

A veces no todo son los medios detrás de una película, sino que lo más importante es su propia concepción: partir de una buena idea. Todo por Jackson, pese a sus limitaciones, lo hace.

Una buena prueba de ello es un film por el que, al menos en teoría, casi nadie hubiese dado un duro. Se trata de cinta danesa que cuyo mayor atractivo pasa por ser la típica comedia romántica, un género que por lo general va bastante bien en televisión. ¿Su principal particular? Contar con unos paisajes claramente de ensueños, y que además están rodados en España.

La comedia de Netflix rodada en España

En los últimos meses varias han sido las comedias románticas que han triunfado en Netflix. Algunas de ellas, por una cuestión lógica de fechas, ambientadas en Navidad y en invierno. Pero también se estrenó prácticamente a la vez la película Mango, un film con una ambientación completamente distinta. Se trata de la típica película vacacional con una historia romántica detrás.

Mango narra la historia de Lærke, una ambiciosa directora de hotel interpretada por Josephine Park, cuya carrera profesional la lleva desde Dinamarca hasta Málaga, en el sur de España, con el objetivo de desarrollar un ambicioso proyecto turístico: construir un nuevo establecimiento en medio de una finca de mangos. Por supuesto, lo profesional no tarda en mezclarse con lo personal.

La finca es propiedad de Alex (Dar Salim), un exabogado que vive aferrado a su tierra tras una tragedia personal que lo dejó marcado y reacio a vender su propiedad. De esta forma, lo que parece una aventura profesional, pronto se convierte en una experiencia mucho más personal, profunda, humana y transformadora. Un poco tópica, pero con sus propios puntos a favor.

La dirección en este caso recae en el danés Mehdi Avaz, bastante acostumbrado a este tipo de propuestas, y que la se encargó de proyectos similares como Una vida maravillosa o En la Toscana. Solo que en este caso ha tenido que abandonar el sur de Italia para encargarse de una obra situada en España. Concretamente en la provincia de Málaga.

El amor siempre viaja hacia el sur

De hecho, aunque Mango es una producción danesa de Netflix, su ambientación andaluza es prácticamente su elemento más característico. La luz malagueña y sus países, muchas veces envidiables, dan personalidad propia a la comedia romántica. Es como si casi fuese uno mismo quien lo visita todo durante un viaje.

Desde luego, Mango no es una película que vaya a pasar a la historia. Ni tan siquiera se encuentra entre lo más destacado de Netflix. Sin embargo, en algunos países sí ha conseguido posicionarse bastante bien. Y es que las historias de amor con localizaciones preciosistas siempre parecen ser una apuesta segura.

Desde luego, no puede negarse que sea toda una sorpresa, la primera de este 2026 dentro del servicio de Amazon. Sobre todo porque más que un thriller convencional, de los muchos que a veces suelen funcionar (sobre todo si cuentan con alguna estrella), se trata de un film sobre la guerra, con también parte de drama. No es lo más convencional del mundo, en ese sentido.

La película de guerra más vista en Prime Video

No es la primera vez que una producción alemana se cuela entre lo más visto de Prime Video. De hecho, desde hace un tiempo el país europeo y la plataforma de Amazon parecen estar viviendo un particular idilio. Particular, sobre todo, porque muchos de los éxitos que tienen su origen allí se convierten en lo más visto sin que absolutamente nadie fuera capaz de esperarlo.

Es lo que ha sucedido con El tanque, una de las primeras apuestas de Prime Video que destaca en lo poco que llevamos de 2026. El film, dirigido por Dennis Gansel, ha conseguido lo que solamente unos elegidos logran: convencer a los espectadores de Prime Video a nivel mundial. La película ha logrado posicionarse en el número uno de más de una veintena de países.

¿Qué quiere decir esto? Pues que El tanque, sin contar con un enorme presupuesto detrás ni tampoco un reparto muy conocido (al menos fuera de sus fronteras originales, claro), ya se ha transformado en la película alemana más vista en la historia de Prime Video. Lo cual no es decir precisamente cualquiera cosa.

Hay que tener en cuenta que la cinta, estrenada tímidamente a finales de 2025, sí llegó a los cines de Alemania. Pero en taquilla no logró convencer mucho al público. Todo lo contrario que lo que viene sucediendo desde que viese la luz en Prime Video a principio de este mes de enero.

¿De qué va El tanque?

El tanque es, principalmente, una película bélica. Ambientada en el año 1943, se centra en lo ocurrido con la tripulación de un tanque alemán que es enviado a una peligrosa misión en la que debe infiltrarse tras las líneas enemigas. Un poco a lo Salvar al soldado Ryan, pero a la alemana, y salvando las diferencias.

Las críticas, por su parte, también han sorprendido. Mientras que los expertos tuvieren cierta tibieza a la hora de recibir el estreno del film, el público sí parece haber entendido mejor su propuesta, y por lo general disfruta de bastante buena acogida en casi todos los portales cinéfilos especializados.

Sin embargo, aunque estas series pueden considerarse hitos que en parte marcaron un antes y un después dentro de la plataforma, los datos parecen demostrar que el mayor éxito de Netflix no es una serie. Se trata de una película y, por si fuera poco, de animación. Efectivamente, nos estamos refiriendo una vez más nada más y nada menos que a Las guerreras K-Pop.

Un fenómeno que no se detiene

Da la sensación de que Las guerreras K-Pop se han propuesto pulverizar todos los récords de Netflix. No solo por la gran repercusión que han tenido en todo el mundo (sin que nadie lo esperara, Sony apenas confiaba en estrenar la película), sino por su permanencia en el tiempo. Otros films de Netflix han funcionado bien, pero al poco, como es natural, han perdido fuelle.

En este caso no sucede así, un mucho menos. Estrenada en junio de 2025, Las guerreras K-Pop se ha convertido en la película más vista de la historia de Netflix en un periodo de seis meses, alcanzando la descomunal cifra de 482 millones de visualizaciones. Un número que no solo deja atrás a cualquier otro largometraje del catálogo, sino que evidencia una diferencia enorme.

Para hacerse una idea, solo hay que ver que la obra de animación se encuentra a años luz del resto de títulos más consumidos durante el mismo periodo de tiempo. Para poner el dato en contexto, la segunda película más vista en esos seis meses se quedó en torno a los 135 millones de visualizaciones. Es decir, Las guerreras K-Pop casi cuadruplica a su competidora más cercana.

Lo sorprendente del asunto es que, a pesar de todo, Las guerreras K-Pop no deja de ser una película musical y de carácter infantil. Muchos expertos intentan explicar su popularidad argumentan que es un título capaz de llegar a distintas generaciones, y argumentos por el estilo. Pero la realidad es la que es: nadie esperaba estos números, ni la propia Netflix.

¿Nuevos tiempos para Netflix?

El fenómeno en el que se ha convertido Las guerreras K-Pop, superior incluso al de Stranger Things o El juego del calamar, demuestra también como están cambiando las cosas en el streaming. De ahí que plataformas como Netflix apuesten cada día más por películas capaces de llegar sí o sí a la gente, y también por series cada vez más cortas.

Con todo, si algo ha puesto de manifiesto el estreno de Las guerreras K-Pop es que el público siempre es impredecible. Y cuando se trata del streaming, más aún.

Muchas de las películas disponibles en su catálogo con mejores críticas pertenecen precisamente a este tipo de films. A continuación, te dejamos las más representativas y que más adoran, tanto los expertos como los propios usuarios.

El viaje de Chihiro (2001)

Aunque cada apasionado del anime tiene su película favorita del Studio Ghibli (algunas de ellas no necesariamente demasiado conocidas), lo cierto es que El viaje de Chihiro es posiblemente la más popular de todas. Fue la que más pegó en Occidente, y a día de hoy se sigue demostrando en lo célebre que resulta.

La película no solo ganó el Óscar a la Mejor Película de Animación, sino que también se ha consolidado como uno de los títulos más importantes de la animación moderna. Una especie de revisión a la japonesa del clásico Alicia en el país de las maravillas.

Mi vecino Totoro (1988)

Magia, drama y una visión distinta de la infancia se dan cita en otro de los grandes clásicos de Hayao Miyazaki. En esta ocasión, narrando las peripecias de dos hermanas que viven en un entorno rural y que afrontan singulares aventuras mientras su madre enferma y tiene que ingresar en un hospital.

A pesar de los años y las muchas cintas del Studio Ghibli que han visto la luz, la mayoría de ellas auténticas obras maestras, ninguna ha logrado superar el encanto y lo entrañable de Mi vecino Totoro.

Schrek (2001)

Para entender todo lo que Schrek supuso en su momento, es necesario que realmente lo vivieses entonces. La película de animación de DreamWorks mostró una original y adulta sátira del mundo de los cuentos de hadas clásicos. Pero a la vez también contaba con una magia particular.

Su enorme éxito provocó que surgieran varias secuelas y spin-offs, pero lo cierto es que ninguna igualó a la primera. Prueba de ello son las notazas que la película sigue teniendo en cualquier portal donde se busque información sobre ella, todavía a día de hoy.

Klaus (2019)

No hay ninguna lista de películas animadas que estén disponible en Netflix que deje de lado la apuesta nacional Klaus, dirigida por Sergio Pablos. De hecho, incluso estuvo nominada al Oscar como mejor película de animación.

Tanto por su particular animación como por su gran historia, es de una visualización obligada. Por su puesto, si es con los más pequeños de la casa y durante la Navidad, mejor. Pero si no, pues tampoco pasa nada.

El tiempo contigo (2019)

Si bien la animación japonesa del Studio Ghibli suele contar con críticas excelentes en casi todo lo que hace, lo mismo sucede con Makoto Shinkai, quien ha logrado revolucionar la animación japonesa desde Your Name.

Puesto que esta no está disponible en Netflix (lo está en Prime Video), su obra con mejores críticas que sí puede verse en la plataforma no es otra que El tiempo contigo. Un fascinante cuento que mezcla imaginación, drama y ciencia ficción.

Sin embargo también forman parte de su catálogo películas que pertenecen a este género (al menos, en teoría), pero se salen de todos los tópicos más convencionales. Aquí no hay asesinatos y sospechosos o policías que quieren descubrir tal o cual cosa. Con todo, en su momento se estrenó una de las propuestas más arriesgadas de Netflix, y todavía lo continúa siendo.

La película de intriga más peculiar de Netflix

A pesar de que no tiene una gran reputación como director, lo cierto es que Charlie Kaufman es uno de los guionistas más originales de Hollywood. De su particular ingenio surgieron algunas películas tan aplaudidas por la crítica y difíciles de encasillar como Olvídate de mí o Cómo ser John Malkovich.

Para ponerse detrás de las cámaras en un proyecto producido por Netflix, en cambio, optó por adaptar una novela de Iain Reid. No se trata de un libro muy conocido, pero sí bastante ingenioso e interesante. Así fue como nació Estoy pensando en dejarlo, una de las películas de intriga menos convencionales de Netflix, en parte por lo surrealista de buena parte del metraje.

Eso sí, aunque Kaufman tomó como punto de partida la base del libro, no es menos cierto que aportó muchas cosas de cosecha propia. Todo comienzo de forma habitual, una joven viaja con su novio, Jake, para conocer a sus padres en una remota granja rural. Durante el trayecto en coche, la protagonista repite mentalmente una frase inquietante: "estoy pensando en dejarlo".

Poco a poco, el argumento de la película se va retorciendo, dejando de llevar un camino lógico, y poniendo a prueba al espectador, un poco a lo David Lynch. Los personajes cambian sus roles y ocupaciones, envejecen, rejuvenecen, y en ocasiones las escenas incluso pasan a contradecirse a ellas mismas. Un ejercicio cinematográfico tan arriesgado como disfrutable.

No se trata de otro film más

Las críticas de Estoy pensando en dejarlo fueron bastante dispares. Muchos aplaudieron la valentía de su director (y también de Netflix, por dar luz verde a un proyecto así), mientras que otros cinéfilos más conservadores encontraron en ella una propuesta demasiado rara. Quizá todo depende de cómo se quiera ver el film.

Si se busca algo distinto, desde luego que merece la pena. En algunos casos, quién sabe, incluso puede llevar a los más curiosos a interesarse también por el libro original en buscas de respuestas. Este fue editado en España, aunque también sin demasiada repercusión.

Pero lo cierto es que a la sombra de las producciones más emblemáticas aparecieron muchas otras que, para al menos la mayoría de los espectadores, terminaron por quedar en el olvido. Comercialmente, siempre jugaron en una segunda división, si bien es cierto que por calidad poco o nada tenían que envidiar a cintas mucho más recordadas. Un buen ejemplo está también en la plataforma de Amazon.

El thriller policíaco de los 90 de Prime Video

Aunque ya lleva algún tiempo disponible dentro del catálogo de Prime Video, lo cierto es que Luna de porcelana no es una película excesivamente conocida. Tal vez porque para empezar le faltó una gran estrella en su reparto. Tenía grandes intérpretes entre sus protagonistas, como Ed Harris (demostrando una vez más su talento), Madeleine Stowe o Benicio del Toro.

Pero digamos que en aquel entonces -corría el año 1994 cuando la película del director John Bailey vio la luz- ninguno de los tres parecía un reclamo portentoso para atraer a la gente a los cines. Tampoco su principal responsable era demasiado famoso. Era la segunda película de Bailey hasta aquel momento, y al parecer el realizador no le terminó de coger el gusto a eso de ponerse detrás de las cámaras.

Más que nada porque John Bailey no volvió a dirigir nada después de Luna de porcelana. Eso no quiere decir, no obstante, que dejara definitivamente de lado el mundo del cine. Simplemente regresó a su principal ocupación, que no era otra que ser director de fotografía. En ese rol participó en muchas películas importantes, como la premiada Mejor… imposible.

Quizá la razón principal tuviese que ver con que la película fracasó estrepitosamente en su paso por los cines. Costó unos 10 millones de dólares, y no logró recaudar ni tan siquiera la mitad. Muchos lo explican argumentando que el público ya estaba un poco cansado de la reiteración de thriller policiales más o menos eróticos (en este caso, más bien menos).

Fracasó en taquilla, pero convenció a los cinéfilos

Es verdad que Luna de porcelana no inventaba la pólvora. Harris hacía de un detective privado viviendo una experiencia límite, y Stowe de la típica femme fatale cuyas intenciones nunca terminan de estar del todo claras. Pero incluso así, la cinta resultaba -y sigue resultando a día de hoy- sumamente entretenida. Y superior a la media.

De todas formas, es posible que, pese a las buenas críticas que habitualmente recibió, te pasara desapercibida. Si es el caso, puede ser una manera de pasar un rato divertido, a poco que te llamen la atención este tipo de films.

Con todo, entre todas las propuestas que pueden disfrutarse a día de hoy, destaca una que logró llamar la atención de casi todos los fieles seguidores de este género. No tanto por su producción (se trata de un film modesto, sobre todo en comparación con las grandes apuestas de Hollywood), sino por lo contundente de su desarrollo. De esos que no suelen dejar indiferentes.

Terror sacrílego en Prime Video

Sin contar con una gran promoción detrás, cuando Immaculate llegó a los cines el pasado año 2024, terminó por dando bastante de qué hablar. Cabe suponer que por conseguir una buena reputación en el "boca a boca". El film solo costó 9 millones de dólares, demostrando así su naturaleza de cinta prácticamente independiente, pero logró recaudar más de 30 millones.

Es cierto que las películas de terror con monjas de por medio no son algo inusual. De hecho, en los últimos años se han visto bastantes ideas similares, en las que la religiosa protagonista representaba el origen del miedo (como en las entregas de La monja, del universo de Expediente Warren), o en las que más bien sufría las consecuencias de tal o cual pesadilla sobrenatural.

El caso de Inmmaculate es relativamente inusual. La película sigue a la hermana Cecilia, una joven novicia que tras parecer una experiencia cercana a la muerte, siente que Dios la ha elegido para cumplir una misión. Es entonces cuando tiene la posibilidad de formar parte de un convento remoto en la campiña italiana. Uno ocupado principalmente por monjas moribundas.

Como suele ocurrir en este tipo de producciones, la protagonista no tarda en descubrir que las cosas allí no son ni mucho menos lo que parecen. Al poco de llega, se encuentra con la celebración de rituales extraños y comportamientos que parecen ocultar siniestros secuestros.

Un reparto a tener en cuenta

Uno de los aspectos más llamativos de Immaculate, más allá de que se trata de una película inquietante e incluso con gore (de ese setentero que estaba tan de moda hace unas décadas), es su llamativo reparto. Este está encabezado por Sydney Sweeney, conocida por su participación en grandes estrenos como Madame Web o Érase una vez en Hollywood.

Además, la intérprete también ejerce en esta ocasión como productora de film. Por otro lado, también destaca la presencia de Álvaro Morte, actor español bastante conocido por su presencia en la serie La casa de papel.

El film en cuestión se estrenó en 1977. O lo que es lo mismo, que aunque el actor tuviese ya una trayectoria y una reputación, sobre todo en su país de origen, todavía quedaban algunos años para que lograse convertirse en el referente internacional que sería algo más de una década después. Curiosamente, sí se trataba de una película inquietante y de terror.

Terror de los 70 con Anthony Hopkins en Prime Video

A veces resulta interesante echar un vistazo atrás para saber cómo eran las cosas para tal o cual estrella de Hollywood hace bastante tiempo. Prime Video, en ese sentido, lo pone bastante fácil. Hace poco sumaron a su catálogo uno de los primeros papeles protagonistas de un jovencísimo Brad Pitt, y ahora han hecho lo propio pero con el aún más veterano Anthony Hopkins.

Lo curioso de este caso es que Las dos vidas de Audrey Rose no fue ningún exitazo en el momento de su estreno (menos aún la de Pitt, las cosas como son). Se trataba de una historia de terror sobrenatural que, de alguna manera, ponía de manifiesto el tipo de cine de miedo que se rodaba a finales de los años 70. Cine influenciado principalmente por El exorcista (1973) y La profecía (1976).

Es verdad que Las dos vidas de Audrey Rose suele etiquetarse como una cinta de posesiones, exorcismos y ese tipo de cosas. Pero tampoco sería del todo descabellado pensar que se trata de una especie de drama. Con todo, tiene ese toque inquietante y un tanto austero, sobrecogedor, que tenían la mayoría de producciones de miedo que se filmaban entonces.

En el momento de su estreno, hay que recordar que Anthony Hopkins aún no era una estrella ni nada parecido. Su carrera se había desarrollado principalmente en el teatro británico y en producciones televisivas, con algún papel más o menos destacado en cine europeo. Con todo, su presencia en Las dos vidas de Audrey Rose ya resaltó en su momento como lo mejor del film.

Una historia de las de antes

Basada en la novela de Frank De Felitta, publicada solo dos años antes, Las dos vidas de Audrey Rose gira en torno a la vida de una familia. En principio, parecen normales, pero todo cambia cuando su hija pequeña empieza a tener comportamientos extraños, ataques de pánico y visiones aterradoras.

Es entonces cuando interviene el personaje de Hopkins, quien se muestra convencido de que la cría es en realidad la reencarnación de su propia hija, fallecida en un accidente de tráfico poco tiempo antes.

Vodafone TV no solo apunta a la operadora low cost con una oferta de entretenimiento algo limitada para DIGI TV, sino que pretende hacer frente a Movistar Plus+, la OTT más utilizada en España. La operadora ha llenado su plataforma de streaming con nuevos canales gratuitos para todos los usuarios.

Vodafone regala canales premium hasta febrero

Las OTT de operadoras apuestan por canales pop-up que llegan a sus plataformas de streaming de manera temporal. Vodafone TV ha apostado por llenar su parrilla con más emisoras premium totalmente gratis con cine, series y documentales.

La operadora de telefonía añadió 17 canales a finales de 2025, la promoción original iba a terminar el 9 de enero de 2026. Vodafone TV acaba de confirmar que las emisoras temporales se quedarán un mes más en su parrilla hasta el 8 de febrero de 2026 sin coste.

La compañía ha aclarado que los canales gratuitos están disponibles para todos los suscriptores de Vodafone TV y los nuevos clientes sin coste adicional. No es necesario realizar ningún trámite ni ajuste, la parrilla añade 17 emisoras sin importar el paquete que se tenga contratado.

Todos los nuevos canales gratis de Vodafone TV

El gigante de las telecomunicaciones apuesta por más entretenimiento con series, películas y documentales para todas las edades y con temáticas variadas con los nuevos 17 canales gratuitos:

• DARK: canal 53
• Somos: canal 56
• Odisea 4K: canal 100
• Odisea: canal 101
• Discovery Channel: canal 102
• Canal Historia: canal 103
• Nat Geo Wild: canal 105
• Escapa TV: canal 106
• AMC BREAK: canal 107
• ¡Buen viaje!: canal 108
• Slow 4K: canal 109
• AMC CRIME: canal 122
• MyZen TV: canal 124
• Eurosport 2: canal 251
• Extreme Channel: canal 254
• Surf Channel: canal 259
• Betis TV: canal 317

Vodafone TV ha confirmado que los nuevos canales premium pueden ver desde el decodificador de la operadora, la aplicación para móviles, ordenadores y tablets, Smart TV compatibles o servicios como Amazon Fire TV y Chromecast.

El gigante de las telecomunicaciones es consciente de que no puede competir con Movistar Plus+ en deporte con el fútbol de LaLiga, la mayor oferta en España, aunque esta estrategia supone un duro golpe en entretenimiento con más cine y series.

El protagonista de Armageddon y Darevevil no cree que la revolución sea tan grande como otros temen, pero sí coincide en que existen muchos intereses al respecto. Se está realizando una gran inversión en inteligencia artificial, y antes o después las compañías tendrán que dar explicaciones de por qué lo están haciendo.

Ben Affleck contra la IA

En los tiempos que corren, raro resulta que se entreviste a un actor y no se le haga una pregunta casi obligada: ¿qué sucederá con la IA en el futuro? ¿Dejarán los actores de ser necesarios en Hollywood más pronto que tarde? El último en responder a estas cuestiones no ha sido otro que el popular Ben Affleck, quien ha participado en un podcast llamado The Joe Rogan Experience.

Para empezar, como recoge Business Insider, Affleck piensa que los resultados que ofrece la IA no siempre son lo que se dice fiables. De hecho, en muchas ocasiones estos tienden a ser "really shitty". Es decir, que no le convencen en absoluto, realmente malos. En general, el ganador de un Oscar tiene claro que la tecnología no llegará a sustituir a los seres humanos.

¿Y por qué piensa de esa forma? Según sus propias palabras "por la profundidad humana", que parece ser imprescindible a la hora de generar un buen guion y una situación dramática. Es decir, lo mismo que más o menos dijeron en su momento otras figuras destacadas como el director Steven Spielberg o el célebre escritor Stephen King. Ninguno tiene miedo de la IA.

¿Por qué entonces se habla tanto de la inteligencia artificial y genera tanto revuelo? Para Affleck, se trata únicamente de cuestiones financieras. "Quieren cambiarlo todo en dos años", admite el actor, pero solamente porque muchas compañías que están invirtiendo cantidades ingentes de dinero en esta tecnología. Para él, la IA está sobrevalorada y no ha demostrado un "valor profundo".

Hollywood no se pone de acuerdo

Así las cosas, Ben Affleck parece estar tranquilo: no teme que la IA le quite el trabajo. Desde luego, no es el único. A los ejemplos ya comentados anteriormente, hay que sumarle igualmente el de otros rostros famosos, como el de Reese Witherspoon. Esta también insistió en la importancia de la creatividad, palabra que se repite una y otra vez.

Otros actores, en cambio, sí han mostrado su inquietud. Entre ellos la propia Scarlett Johansson. Pero claro, es que la actriz de Lost in Translation y Her tuvo ya sus más y sus menos con OpenAI, cuando los creadores de ChatGPT parecieron emplear su voz para en de sus modelos de lenguaje.

De hecho, su nuevo thriller llega marcado por sus principales estrellas protagonistas, pero también por ser una película repleta de acción y sumamente entretenida. Era una gran apuesta, y por eso no sorprende a nadie que ya se haya convertido en número 1 en más de 80 países. Un triunfo del que pocos estrenos pueden presumir, ni tan siquiera en Netflix.

El thriller más potente de Netflix

El botín es sin duda un ambicioso proyecto por parte de Netflix, pero también una apuesta segura. Para empezar, por su atractivo reparto, liderado por una de las parejas más taquilleras de Hollywood: Matt Damon y Ben Affleck. De hecho, la pareja no solo protagoniza la película, sino que también la produce, gracias al trabajo de su productora en colaboración con Netflix.

Luego, tampoco puede pasarse por alto su evidente presupuesto. Aunque Netlix no suela dar detalles al respecto, es obvio que se trata de un proyecto bastante "top" a nivel económico. Solo en sueldos se habrán gastado una buena suma.

De la misma forma, tampoco puede pasarse por alto el prestigio de su director. Para que el proyecto lograra llegar a buen puerto, tanto Netflix como los propios Damon y Affleck han elegido a todo un veterano especializado en thrillers de acción: Joe Carnahan. Es decir, el director de Juego de asesinos o Narc, quien sabe bien cómo darle ritmo a este tipo de producciones.

Teniendo en cuenta todos estos aspectos fundamentales de la película, no es de extrañar que El botín solo haya necesitado unos pocos días para colarse entre lo más visto en más de 80 países. Sus críticas, además, han sido por lo general bastante positivas, tanto por parte de los expertos como de los propios usuarios. Algo que no siempre es habitual en estrenos similares de streaming.

¿De qué va El botín?

El argumento de El botín parte de una premisa atractiva y que, libremente, se inspira en un acontecimiento real sucedido en Miami. Todo da comienzo cuando un grupo de policías antidroga da por casualidad con el escondite de 20 millones de dólares, hallado durante una operación normal y corriente.

A partir de ese momento, claro, se ponen en cuestión no solo la codicia de los agentes de la ley, sino incluso cuestiones más profundas como los lazos que forman su amistad. La tentación es enorme.

Sin embargo, películas inspiradas en Stephen King las hay de todo tipo, desde aquellas que arrasaron en taquillas y basadas en algunas de sus historias más célebres, hasta otras más modestas y, por lo general, menos conocidas. En algunos casos, incluso podría decirse que hay poca gente que sepa de su existencia. Una de ellas se encuentra disponible en Prime Video.

La película menos conocida de Stephen King en Prime Video

Es importante empezar entendiendo por qué Algunas veces ellos vuelven no es una de las películas basadas en Stephen King más populares. Primero, porque se trató de una producción para televisión (igual que la primera vez que se adaptaron It o El misterio de Salem’s Lot). Y segundo, porque su estreno se remonta a 1990. A mucha gente le pasó inadvertida hasta su llegada a Prime Video.

Quizá por estar realizada con medios modestos, tampoco puede decirse que sea la mejor versión de este tipo. Sin embargo, lo que es indudable es que se trata de un largometraje que transmite la esencia de Stephen King al cien por cien. Tiene todos los elementos propios del autor, y en algunos casos incluso recuerda a clásicos como It o Christine en muchas cosas.

Todo comienza cuando Jim Normal regresa al pueblo de su infancia para ejercer como profesor en el instituto. De niño, Jim y su hermano sufrieron los abusos de un grupo de pandilleros, y este último terminó por perder la vida. Lo escalofriante del asunto es que, de repente, los viejos enemigos del maestro parecen haber regresado y formar parte de su propia clase. El tiempo no ha pasado por ellos.

Por si fuera poco, los estudiantes normales del aula también parecen estar desapareciendo. La historia resulta interesante y, sobre todo, muy del estilo del autor: abusos infantiles, fantasmas, protagonistas que arrastran un trauma desde niños, un pueblo en el que mucha gente parece esconder secretos, un anciano que sirve de guía…

Un relato en el mejor momento del autor

Algunas veces ellos vuelven no se basa en un libro de Stephen King, sino en uno de sus relatos. Concretamente, en una de las historias que forman parte de su antología En el umbral de la noche. Para muchos, la mejor colección de cuentos del famoso escritor. Desde luego, fue la primera, lanzada en 1978, y también incluía otras historias que después se llevaron al cine.

Por ejemplo. Los chicos del maíz o El cortador de césped. Quizá eso también se note en Algunas veces ellos vuelven: su historia está un poco demasiado estirada para llegar a unos honrosos 97 minutos. Pero si te gusta Stephen King y el cine de los 90, seguramente te resulte cuanto menos curiosa.

El popular actor Matt Damon ha revelado los trucos que usa Netflix para enganchar a la gente a sus películas, y lo cierto es que son bastante deprimentes.

Damon habla de cosas como meter las escenas de acción más potentes en los primeros cinco minutos de la película, que es lo que aguanta la gente antes de decidir si la ve o no. O repetir claves del argumento cuatro o cinco veces a lo largo del filme, para que a los usuarios no se les pase, porque están todo el rato mirando el móvil y se distraen.

El móvil y la destrucción del cine

Los actores Matt Damon y Ben Affleck ha sido entrevistados en el podcast Joe Rogan Experience, para promocionar la película The Rip, que han hecho para Netflix.

Durante la entrevista, vía la revista Variety, Matt Damon asegura que “la forma estándar de hacer una película de acción que aprendimos era que normalmente hay tres escenas clave. Una en el primer acto, otra en el segundo y otra en el tercero”.

Y continúa: “La mayor parte del presupuesto se destina a la del tercer acto. Esa es la escena final. Pero ahora dicen: ¿Podemos incluir una escena espectacular en los primeros cinco minutos? Queremos que la gente se quede. Y no pasaría nada si se repitiera la trama tres o cuatro veces en el diálogo, porque la gente está mirando el móvil mientras ve la película”.

Es la triste realidad del cine televisivo, muy diferente al cine de sala. Aquí el espectador paga una entrada, y los móviles están prohibidos. Así que el director y los guionistas no deben preocuparse de llamar la atención del espectador, porque la tienen. No hay que repetir el argumento cuatro veces.

Las películas de las plataformas de streaming se hacen, generalmente, para enganchar al principio, porque aquí lo único que importa son los minutos de visionado. Y se obsesionan con dárselo todo bien mascadito a los televidentes, porque están demasiado ocupados mirando el móvil.

Todo esto, sin duda, hace que la calidad de los guiones se resienta. Una desgracia para el Séptimo Arte, y los cinéfilos.

No se trata de intuición, sino de hechos. En el momento en que esta película vio la luz, allá por 2019, no tardó también en convertirse en todo un fenómeno internacional. Y además, su director no fue otro que el popular Makoto Shinkai, que ya había revolucionado la animación japonesa con obras tan impresionante en todos los sentidos como Your Name.

La obra maestra del anime en Prime Video del autor de Your Name

Si eres mínimamente aficionado al anime, y en particular a las películas de animación japonesas, lo más probable es que el nombre de Makoto Shinkai te resulte familiar. Suyas son algunas de las obras de animación más visualmente espectaculares y emotivas de los últimos años. Su nombre, además, siempre estará ligado al de su producción más conocida: Your name.

Pero lo cierto es que esta famosa película no es un caso excepcional dentro de su destacable filmografía. De hecho, en Prime Video puede encontrarse otro de sus trabajos, que bien puede considerarse prácticamente al mismo nivel que el estreno de 2016. Al menos, eso es lo que sugieren los portales especializados de Internet y las notazas que acumula en ellos.

La película en cuestión no es otra que El tiempo contigo. Al igual que Your Name, el particular sello de Makoto Shinkai se puede apreciar en cada momento del film. Tanto en lo realista y cuidado de su apartado visual, como en su propio desarrollo, que tiene un ritmo vertiginoso, protagonistas con los que es fácil empatizar y momentos bastante dramáticos.

El tiempo contigo no solo fue un gran éxito de taquilla, sino que en su momento se coronó como un auténtico fenómeno. La película costó unos 20 millones de dólares, una cifra alta para tratarse de un anime con origen en Japón, pero logró recaudar 355 millones de dólares en todo el mundo. Una cifra astronómica incluso teniendo presentes las superproducciones de Hollywood.

Una historia para recordar

El argumento de El tiempo contigo presenta a Hodaka Morishima, un joven que se muda a Tokio en busca de oportunidades, y a Hina Amano, una chica que vive en una pequeña isla y cuya vida está marcada por fenómenos meteorológicos extraños. De hecho, tiene un extraño y peligroso poder para manejar el clima.

Al igual que Your name, este anime tiene elementos de ciencia ficción, aventura y drama, pero sobre todo es muy, muy disfrutable. Incluso si no eres muy aficionado a las películas de dibujos animados. Si no la has visto, Prime Video te la ofrece en bandeja.

Este es sin duda el caso del alemán Roland Emmerich. Su estilo puede gustar más o menos, pero en el fondo quién no conoce algunas de sus obras más populares, como Independence Day, Godzilla, El día de mañana y demás. Lo que no todo el mundo sabe es que una de sus primeras producciones dentro de este género acaba de llegar a Prime Video.

Los comienzos del director de Independence Day, en Prime Video

Si estás echando un vistazo al catálogo de Prime Video y encuentras sin poner mucho interés la película Estación lunar 44, quizá no te llame demasiado la atención. Verás que se trata de una película de ciencia ficción, con un cierto tono añejo (es de 1990, y eso se nota de primeras) y que cuenta con una premisa más o menos típica dentro de este género. Nada que se salga de lo excepcional.

Lo curioso de esta película disponible en la plataforma de Amazon llega cuando uno se fija en su director: Roland Emmerich. El mismo que logró grandes taquillazos como Independence Day o 2012. De hecho Estación lunar 44 fue su última película rodada en Alemania antes de dar el salto definitivo a Hollywood y lograr triunfar con Soldado universal, con Jean Claude Van Damme y Dolph Lundgren.

A partir de ese momento, la mayoría de sus propuestas cinematográficas han sido bastante populares. Stargate también triunfó en taquilla, lo mismo que Independence Day o Godzilla. Es verdad que esta del célebre saurio japonés no dio tanto dinero como otras, pero tampoco estuvo mal del todo. Luego llegarían El patriota, El día de mañana o la notable Anonymous.

Es verdad que el estilo de Roland Emmerich no convence siempre a todo el mundo, y que sus películas suelen ser habitualmente criticadas por resultar excesivamente efectistas y "tontorronas". Pero la taquilla no dice lo mismo. Además, ¿cuántos directores alemanes de ciencia ficción han logrado realmente conquistar Hollywood como él lo hizo?

Ciencia ficción primeriza

Aunque Estación lunar 44 no fue la primera película de Roland Emmerich, sí puede considerarse su primera obra de ciencia ficción con un considerable presupuesto detrás: unos 15 millones de dólares, lo cual no estuvo nada mal para tratarse de una producción con su origen en Europa.

La historia se desarrolla en una estación minera de alta tecnología situada en la Luna, en el año 2033. La instalación, operada por una corporación privada, se dedica a la extracción de recursos estratégicos para la Tierra, y esto termina por generar una situación de enfrentamiento. No es la película de ciencia ficción definitiva, pero sí una rareza aceptable y propia de su tiempo.

Ya se sabe, desde aquella correcta propuesta de Kenneth Branagh y Robert De Niro de los años 90, hasta los viejos clásicos de James Whale, pasando por todas las particulares licencias de la Hammer británica. Pero muy pocos han indagado en uno de los aspectos más personales del mito literario: su origen. Uno casi tan lleno de leyenda como el propio monstruo.

Prime Video y los orígenes de Frankenstein

Con los orígenes de Frankenstein no nos referimos a la conocidísima historia del científico Víctor Frankenstein. Es decir, a su intento de vencer a la muerte construyendo una criatura artificial que, debido a su propio espanto, termina volviéndose contra su creador. Hablamos de la historia real que provocó que Mary Shelley escribiera la novela, y que también tiene su aquel.

Muchos amantes de la literatura quizá si conozcan la misteriosa velada en la que la escritora, junto con su prometido el poeta Percy Bysshe Shelley, el médico Dr. John Polidori y Lord Byron, se encontraban en una mansión a orillas del lago Ginebra. El mal tiempo provocó que todos se propusieran un juego creativo: que cada uno escribiera su propia historia de fantasmas.

Supuestamente de ahí salió Frankenstein, el libro, y precisamente eso es lo que se trata en la película Gothic (o Gótico, depende de la traducción), disponible en Prime Video. El film, estrenado en 1986, estuvo dirigido por el cineasta Ken Russell, conocido por su trabajo con artistas rockeros y por muchas cintas bastante subidas de tono, casi siempre con elementos eróticos, como la obra de culto La pasión de China Blue.

En esta ocasión, el cineasta contó con un destacable reparto para trata su gótica historia. Dentro del mismo se encontraban Gabriel Byrne (Stigmata, El fin de los días), Julian Sands (Warlock, Leaving Las Vegas) o Timothy Spall (El último samurái, El discurso del rey).

Una obra poco conocida por el gran público

Pese al buen elenco actoral, la película no fue ningún éxito ochentero. De hecho, su presencia en Prime Video también ha pasado bastante desapercibida. Hay que tener presente que fue un film modesto, y que además se tomaba ciertas libertades, sobre todo para que la jornada en Villa Diodati estuviera más cercana a lo que la cinta quería ser: una obra de terror.

En cualquier caso, se trata de una película cuanto menos curiosa, una rareza en la filmografía de un realizador, como Russell, que siembre abrazó encantado cualquier tipo de polémica o incorrección política.

Al menos, no en un principio. Primero de todo, porque el film no es un thriller convencional, como tantos otros que suelen gustar mucho al público del streaming, sino más bien una comedia de acción. Y segundo, porque se trata de una película de serie B pura y dura. Es verdad que tiene el reclamo de contar con algún rostro conocido de los 90, pero incluso así…

La nueva comedia de acción de Prime Video

Fritos a balazos (Guns Up) es hasta cierto punto una típica comedia de acción, con cierto toque del cine de antes. No solo por sus principales protagonistas, sino también por su particular argumento. Si te paras a hacer memoria, es fácil que te recuerde al tipo de cintas parecidas que cada dos por tres se estrenaban allá por los años 80 y 90, con policías de por medio.

El argumento del film cuenta la historia de Ray Hayes un hombre bastante normal y corriente que en su día fue inspector de policía y ahora trabaja como mano derecha de la mafia. Para colmo, es algo que intenta ocultar a su familia, lo que no resulta fácil. Ray sueña con dejar atrás ese peligroso mundo y abrir un restaurante familiar junto a su esposa Alice.

Por supuesto, las cosas no salen como el hombre esperaba, en especial cuando este se dispone a realizar su último encargo. La película, de hecho, tira de algunos tópicos del cine de mafiosos, pero lo pasa todo por el filtro de la comedia, con momentos bastante absurdos. Todo, conviene dejarlo claro, tratándose de una producción modesta que pertenece a la serie B.

Sin embargo, nada de esto parece haber preocupado al público de Prime Video, que una vez más ha vuelto a sorprender a todo el mundo haciendo que un film que en su momento se estrenó sin apenas repercusión en las salas de cine si haya logrado posicionarse entre lo más visto en países como España.

Un reparto de los de antes

Quizá parte de su tirón en Prime Video se deba principalmente a sus protagonistas: la pareja formada por los veteranos Kevin James y Christina Ricci. El primero, que ya ha cumplido los 60, es bastante conocido por haber participado en comedias como Pixels o Niños grandes junto a Adam Sandler.

Por su parte, Christina Ricci fue una actriz precoz que allá por los 90 ya protagonizó películas como Casper o hizo de Miércoles en La familia Addams. Desde entonces ha participado en producciones generalmente menores, como La maldición (Cursed) de Wes Craven.

Así que, la plataforma de streaming ha debido recurrir a un viejo tópico para comenzar el año: si algo funciona, ¿para qué cambiarlo? Dicho y hecho: apenas ha dado comienzo este nuevo 2026, y ya se ha estrenado un nuevo film en la misma línea, solo que en esta ocasión con una ambientación bastante distinta. A la crítica no le ha entusiasmado, pero al público sí.

Netflix estrena comedia romántica en 2026

Gente que conocemos en vacaciones (People We Meet on Vacation) lo tenía todo para ser uno de los primeros triunfos de Netflix en este 2026, y lo cierto es que así ha sido. La película realizada por el director Brett Haley solo ha necesitado unos días (se estrenó el pasado 9 de enero) para convertirse en uno de los largometrajes más visto de Netflix en varios países.

Sin hacer mucho ruido, el film ha conseguido colarse en numerosos ránkings, aunque sí es cierto que partía con ventaja: está basado en un libro que se publicó en 2021 y que, sin ser la novela más conocida del último lustro, sí logró algo de notoriedad en su momento. Con todo, no es exagerado pensar que ha sido la premisa de la obra lo que más ha atraído a los espectadores.

El argumento de la producción de Netflix sigue a Poppy Wright y Alex Nilsen, dos amigos que se conocen desde siempre pero que cuentan con personalidades muy diferentes entre sí. Ella es espontánea, extrovertida y vive en el cosmopolita Nueva York escribiendo sobre viajes. Él en cambio es más reservado, rutinario y convencional, y trabaja de profesor en Ohio.

¿Por qué entonces tienen tanta relación, si viven tan lejos el uno de la otra? No, no es gracias a Internet, sino a una tradición mucho más clásica: la pareja pasa unos días de vacaciones cada año. Es algo que llevan haciendo una década y que al final, claro, termina por llevar a una pregunta inevitable: si son tan buenos amigos, ¿podrían ser buena pareja?

El streaming se apunta otro tanto

Aunque Gente que conocemos en vacaciones parece una comedia romántica típica de Netflix (en cierto sentido lo es), también presente toques de humor, nostalgia y pretende ser un poco más profundilla que la mayoría de propuestas de este tipo. ¿Lo consigue? Para algunos entusiastas de la novela original, no. Pero las opiniones están divididas, es cierto.

En cualquier caso, no es probable que Netflix esté muy preocupada: el film ha conseguido ser número uno en más de 60 países distintos, así que seguramente no tardemos en ver más estrenos con amor y parejas singulares como principales protagonistas.

De hecho, se trata de uno de los mayores atractivos de la plataforma de Amazon para los cinéfilos. Al menos, para aquellos que ya tienen una edad o que por la razón que sea disfrutan con el cine clásico. No solo cuenta con cintas modernas o antiguas pero bastante conocidas, sino con algunas que nunca llegaron a ser especialmente célebres, a veces de manera injusta.

El thriller de los 90 menos conocido de Prime Video

Cuando Doble juego (Romeo is Bleeding) se estrenó en 1994, su director, Peter Medak, ya era conocido dentro de la industria. Suya había sido la película de terror de culto Al final de la escalera, y también había sido el responsable de algunos capítulos de las recordadas series La dimensión desconocida o Historias de la cripta. Pero la cinta ahora disponible en Prime Video pasó bastante desapercibida.

La película, de hecho, fue un fracaso a nivel comercial. Costó alrededor de 10 millones de dólares (no gran cosa, pero dentro de lo razonable para aquella época), y no logró recaudar ni tan siquiera la mitad. De ahí que a día de hoy poca gente, ni siquiera quienes ya disfrutaban del cine por aquel entonces, se acuerden de ella. Incluso contando con un reparto bastante atractivo.

La principal estrella del film era sin duda Gary Oldman, que acababa de arrasar gracias al enorme éxito de Drácula de Bram Stoker (la de Coppola). La principal, pero no la única. También formaban parte del elenco principal Lena Olin (La novena puerta, Chocolat), Roy Scheider (Tiburón, Carga maldita) o Ron Pearlman (El nombre de la rosa, Hellboy).

Curiosamente, en su momento de su estreno no solo el público dio la espalda a Doble juego; tampoco la crítica se mostró demasiado entusiasmada por ella. Destacaron levemente el talento de su reparto, pero poco más, dando a entender que el film no alcanzaba el nivel que se esperaba de él. Algo que con los años ha cambiado, mejorando mucho su reputación.

El "noir" moderno de los 90

En Doble juego, Gary Oldman da vida a Jack Grimaldi un detective de homicidios que puede considerarse el típico antihéroe de Hollywood: es un policía corrupto que recibe sobornos de la mafia para entregarles información, miente y engaña a su esposa, y mantiene una relación con una amante mucho más joven. Una joya, vamos.

Todo cambia cuando el jefe de la mafia, Falcone. le pide a Jack que liquide a Mona Demarkov (Lena Olin), una asesina brutal y seductora que se ha convertido en un problema para el crimen organizado. Una premisa interesante para uno de esos films que lleva el género "noir" en la sangre, y que en Prime Video puede ahora disfrutar de una segunda y merecida oportunidad.

Sin embargo, también es posible encontrar una obra que no resulta ni mucho menos tan famosa, pero que ya han conseguido entusiasmar a la crítica. En algunos portales especializados de Internet, incluso, tiene unas puntuaciones casi al mismo nivel de films inmortales como Akira o Ghost in the Shell. Solo que su temática es muy distinta y alejada de la ciencia ficción.

La película anime que arrasa en Netflix

Los animes deportivos han sido una apuesta habitual desde los tiempos de Captain Tsubasa (Oliver y Benji o Campeones para la mayoría de espectadores españoles) y Slam Dunk. Muchos de ellos, de hecho, han marcado época para un considerable número de apasionados a la animación japonesa. Pero los tiempos han cambiado, y Netflix es una buena demostración de ello.

Así lo demuestra 100 metros lisos, una de las últimas películas anime en llegar a la plataforma. Por un lado, su propio nombre ya indica que la inspiración principal del film viene del mundo del atletismo, claro. Pero su estilo está muy lejos de los clásicos recordados anteriormente: se trata principalmente de un drama, que poco tiene que envidiar a otras grandes producciones.

El largometraje, inspirado en un manga creado por Uoto, toca todas las emociones que uno podría esperar que se dieran dentro del deporte competitivo: superación, esfuerzo, rivalidad, miedo, etcétera. Ya se sabe, además, cómo les gusta a los japoneses poner la lupa en este tipo de ejercicios para mejorarse uno mismo. La historia, de hecho, es bastante adulta.

Esta gira en torno a Togashi, un joven corredor llamado a triunfar en los 100 metros lisos desde que es un chaval. Todo cambia, sin embargo, cuando conoce a Komiya, un estudiante que también parece sentir un gran entusiasmo por el atletismo. Togashi se convierte así en su maestro, sin saber que con el paso del tiempo ambos se tendrán que medir cara a cara.

De los cines japoneses al streaming

Como suele suceder en estos casos, 100 metros lisos se estrenó en cine en su país de origen, Japón. Allí logró una respuesta modesta por parte del público, pero en cambio el aplauso de muchos medios, que vieron en ella una de las mejores películas del año.

Sin embargo, ha sido tras su llegad a Netflix cuando el film ha logrado convertirse en una cinta de animación mucho más popular. Otra demostración más del interés de la plataforma por apostar por este tipo de producciones niponas.

Por un lado, esto sirve para que films que no tuvieron suerte en su paso por los cines tengan una segunda oportunidad, a veces inesperadamente fructífera, en el mercado doméstico. Por otro, también es posible que cintas que nunca tuvieron la promoción y notoriedad adecuada, jueguen con unas reglas más generosas para ellas.

Netflix estrena 2026 con un exitoso thriller

Aunque no es una película actual, ya que se estrenó en 2022, Tierra sin ley (God's Country) puede pasar por un nuevo estreno para mucha gente. Más que nada, porque hasta su llegada a Netflix casi nadie la conocía. Aunque se estrenó en cines, al menos en Estados Unidos, lo hizo de manera efímera y puntual. Es decir, que su sitio estaba claramente en el streaming.

Lo que quizá nadie esperaba es que a estas alturas la película lograra colocarse entre lo más visto de Netflix, siendo uno de los primeros grandes éxitos de la plataforma este 2026. Uno de esos que llega por sorpresa. Quizá sea su apropiada ambientación en la nieve, o su oscurilla atmósfera, pero lo cierto es que ha convencido a los espectadores.

Dirigido Julian Higgins, este thriller está inspirado de manera bastante libre en el relato corto Winter Light del escritor James Lee Burke. O lo que es lo mismo, que se lleva a cabo en un ambiente rural y desolado del oeste de Estados Unidos. Además, tiene un ritmo pausado que se esfuerza por tocar temas personales y conflictos sociales más o menos a la orden del día.

La película cuenta la historia de Sandra, una profesora universitaria (interpretada por Thandiwe Newton) que se marcha a vivir a una zona remota de Montana tras las dramáticas consecuencias del huracán Katrina y la muerte de su madre. Una vida solitaria en mitad de ninguna parte que se ve alterada cuando descubre a dos cazadores que han entrado en su propiedad sin permiso.

Una película que divide a la crítica

Para sorpresa de todo el mundo, Tierra sin ley se ha convertido en una de las películas más vistas de Netflix en este comienzo de 2026. ¿Pero qué dice la crítica sobre ella? Pues lo cierto es que las opiniones están bastante divididas. Los expertos aplaudieron la originalidad de su propuesta, pero entre los propios usuarios, el entusiasmo no fue tan generalizado.

Algunos defienden que la película es más profunda que otras propuestas parecidas, y que logra crear intriga a su manera. Pero otros coinciden en que su desarrollo es demasiado lento. Lo mejor, cómo no, es verla tú mismo y sacar tus propias conclusiones.

Lo que sucede es que, como suele ser habitual en cualquier tipo de género o subgénero cinematográfico (cine negro, films de mafiosos, ciencia ficción, suspense, etcétera), muchas veces es complicado encontrar propuestas que, sin renunciar a las bases convencionales, ofrezcan algo realmente diferentes a los espectadores. Por suerte, hay una película que sí lo hace.

La comedia slasher más peculiar de Prime Video

Hay un montón de slashers en Prime Video con un estilo similar. Un asesino más o menos sobrenatural y más o menos enmascarado, la toma con una serie de gente (habitualmente joven) a la que desea cargarse de la forma más pintoresca y sangrienta posible. A veces con un punto de humor, una ambientación particular (parque de atracciones, Navidad), etcétera.

Lo que rara vez se muestra en este tipo de películas es la perspectiva contraria: ¿qué motiva realmente al tipo que hay detrás de la máscara? Sí, vale, venganza, odio y ese tipo de cosas. Pero ¿y si existiera una iniciativa que fuese más allá? Por ejemplo, sentir auténtica fascinación por estos locos y querer convertirse en uno más que nada por simple admiración. Como si fuese un arte.

En líneas generales, eso es lo que propone Detrás de la máscara: El encumbramiento de Leslie Vernon. Una película estrenada en 2006 y que ahora puede verse en Prime Video. El film se inspira en clásicos conocidos por todo el mundo como Viernes 13, La noche de Halloween o Scream, pero ofrece un enfoque radicalmente distinto. Para empezar, se trata de un falso documental.

El argumento de la película tiene como protagonista a Leslie Vernon (interpretado por Nathan Baesel), un tipo aparentemente normal, educado y con buenas maneras que, sin embargo, tiene un objetivo un poco rarito: quiere convertirse en asesino en serie. Pero no uno "normal", sino un enmascarado que imite a los de sus principales ídolos, los protagonistas de las películas slashers.

El duro camino del asesino

Para lograrlo, Leslie invita a una periodista -Taylor Gentry (Angela Goethals)- y a su equipo a documentar todo su proceso de preparación, desde la elección de víctimas hasta el acondicionamiento del escenario donde llevará a cabo su matanza. ¿Alguien pensaba que Jason actuaba de forma improvisada? Para el personaje de esta alocada cinta, nada más lejos de la realidad.

En realidad, Detrás de la máscara: El encumbramiento de Leslie Vernon es una parodia en clave de comedia, eso está claro. Pero también es una evidente demostración de cariño hacia el género. Una propuesta original que gustará a los aficionados al cine de terror, pero también a quienes busquen algo distinto.

Con todo, nadie esperaba comenzar 2026 con una revelación en toda regla. Una película que se estrenó discretamente el año pasado en los cines, sin llamar apenas la atención, pero que ha sido a su llegada a Amazon cuando realmente ha despertado el interés del público. Ha sido número 1 en más de 20 países, entre ellos España.

La película de acción más vista de Prime Video

Trap House se ha convertido en todo un éxito dentro de Prime Video. Incluso sin tener la importancia de otros grandes estrenos, el film parece haber conquistado a los espectadores de muchos lugares diferentes del mundo. Quizá, en gran medida, por la presencia de toda una estrella, como es nada más y nada menos que Dave Bautista, el antiguo luchador de la WWE.

No es el único intérprete conocido que aparece en la cinta, aunque tal vez sí el mayor reclamo. También forman parte de la película otros rostros bastante conocidos, como Jack Champion, famoso por formar parte de las series de películas de Avatar. O Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones, que a su vez formó parte de It o Dungeons & Dragons: Honor entre ladrones.

En cuanto a su trama, aunque Trap House es un thriller de acción en toda regla, parte de una premisa más o menos original: dos agentes de la DEA se ven envueltos en un peculiar y peligroso juego de gato y ratón: deben medirse con sus propios hijos adolescentes. Estos se han propuesto nada más y nada menos que robar a un peligroso cártel.

¿Y cómo han sido capaces de montar un plan así? Pues fijándose en sus padres, claro. Tanto en su trabajo como agentes especiales, como en la información de estos. Es decir, que aunque se trate de un film de acción, también tiene un lado más "familiar", por así decirlo, y también un poco más de esencia adolescente.

Fracaso de crítica, éxito de público

Aunque Trap House está arrasando en Prime Video, en cuanto a número de visualizaciones se refiere, lo cierto es que no ha sucedido lo mismo con la crítica. Al menos con la especializada. La mayoría han considerado que su mezcla entre aventura adolescente y el tema serie de las drogas y los cárteles no casa demasiado bien.

Desde luego, no es la primera vez que una película de acción experimenta algo parecido: no gustar a los expertos pero sí a la gente. De hecho, viene sucediendo desde que el mundo es mundo.

Es cierto que el más reciente estreno surcoreano de la popular plataforma de streaming puede no ser un film para todo el mundo. De hecho, desde que vio la luz las opiniones han estado bastante divididas tanto a su favor como en su contra. Pero lo que no se puede negar es que resulta una propuesta sorprendente, ambiciosa y bastante original.

La última película coreana de Netflix

Cuando uno empieza a ver El gran diluvio, la película de Netflix dirigida por Kim Byeong-woo, puede llevarse una impresión falsa. La acción empieza deprisa y da la sensación de estar ante una típica aventura de catástrofes. Al fin y al cabo, el propio título y la presentación de la obra así lo sugieren. También el argumento apunta ni más ni menos que en esa dirección.

La película, ambientada en unos gigantescos bloques de pisos en Seúl, narra la historia de An-na, una investigadora que vive con su hijo en un tercer piso. Lo que parece comenzar como un día cualquiera, pronto se antoja excepcional: la lluvia no cesa, y todo comienza a inundarse en cuestión de minutos, obligando a los residentes a intentar ponerse a salvo cuanto antes.

An-na tiene que hacer todo lo posible para luchar por alcanzar los pisos superiores antes de que sea demasiado tarde, tanto para ella como, sobre todo, para el joven Ja-in. Sin embargo, lo que empieza como un film de supervivencia más o menos predecible, pronto se destapa como algo bastante diferente en realidad: una cinta de ciencia ficción compleja y llena de giros.

Quizá demasiado compleja, y quizá con demasiados giros, sobre todo en su tramo final. Es ahí donde posiblemente el éxito o fracaso de El gran diluvio dependa de un hecho fundamental: que seas o no amante de películas al más puro estilo Matrix. Porque la película de Netflix mezcla inteligencia artificial e incluso se pregunta qué es lo que realmente nos hace humanos.

Un éxito a la altura de El juego del calamar

Aunque suene a tópico, no es exagerado decir que El gran diluvio es una de esas películas que no dejará indiferente a nadie: o te encantará o te parecerá una pérdida de tiempo, lo más probable. Pero de lo que no hay duda es de la gran acogida que ha tenido en todo el mundo. En apenas un mes ha sumado 0 millones de visualizaciones y más de 130 millones de horas reproducidas.

O lo que es lo mismo, que ha conseguido situarse entre las 10 películas de habla no inglesa más vistas de la historia de Netflix. Una demostración más de que Corea del Sur y la plataforma viven un idilio lo que se dice muy especial.

No obstante, no todas las obras de este tipo tienen una particularidad especial: contar con la presencia de quien indiscutiblemente es una de las mayores estrellas de Hollywood: Brad Pitt. La película, estrenada en 1989, no suele recordarse demasiado, entre otras cosas porque fue un fracaso comercial, pero sin duda supone una primera curiosidad en la filmografía del actor.

El slasher con Brad Pitt de Prime Video

Si no fuese por la presencia de Brad Pitt, quizá Clase sangrienta sería otro slasher ochentero más, uno de los muchos que pueden disfrutarse en Prime Video. Y probablemente lo más justo sería reconocer que no se trata precisamente de uno de los más memorables. Ni siquiera en su momento, 1989, su estreno tuvo lo que se dice demasiada repercusión.

En líneas generales, Clase sangrienta intentaba aprovechar el éxito de películas como Viernes 13, La noche de Halloween o Pesadilla en Elm Street para proponer algo más o menos similar. No solo ofrecía muchos de los clichés típicos de estas cintas de terror, sino que también jugaba con la idea de intentar descubrir quién era realmente el asesino de turno.

Si eres aficionado al género, el argumento te sonará. La historia se sitúa en un instituto estadounidense aparentemente normal, sacudido por una serie de asesinatos brutales. El foco recae sobre Dwight Ingalls, un estudiante problemático que acaba de salir de un centro psiquiátrico tras ser acusado del asesinato de su padre. Dwight vuelve al instituto decidido a recuperar a su exnovia Paula.

A medida que los cadáveres se acumulan, la película juega con la duda constante sobre si Dwight es realmente el asesino o si alguien está manipulando la situación para inculparlo. El guion recurre a los clichés del slasher ochentero: profesores antipáticos, estudiantes arrogantes, fiestas juveniles y asesinatos lo que se dice pintorescos. A veces, nada parece tomarse muy en serio.

Una rareza dentro del catálogo de la plataforma de Amazon

Clase sangrienta no es lo que se dice una gran película. Ni siquiera teniendo en cuenta el nivel de la mayoría de slasher se los años 80 (que, como todos los subgéneros, tiene sus cosas brillantes, entretenidas y rematadamente malas). Por eso llama la atención encontrarse a un joven y aún inexperto Brad Pitt, años antes de que destacase en Seven o Entrevista con el vampiro.

Pero Pitt no es la única estrella de Clase sangrienta. En ella también participa Roddy McDowall, toda una leyenda del cine fantástico, conocido por obras de culto como El planeta de los simios y Noche de miedo. Ahí es nada.

Pero la carrera de Barker no se limita solamente a los cenobitas. De hecho, entre las películas más frikis de Prime Video, puede encontrarse el que a la postre sería su último trabajo como director. Estrenado ya a mitad de los años 90, el film no logró convencer demasiado en su momento, y pasó más bien desapercibido. Hoy, en cambio, es también considerado medio de culto.

La película más personal del director de Hellraiser

Cualquiera que haya leído a Clive Barker, sabe que sus obras van más allá del terror carnal por el que se hizo famoso, y de clásicos como Hellraiser o Candyman. Muchos de sus libros, de hecho, tienen casi más de fantasía oscura, y muchas veces cuentan con personajes y tramas extremadamente peculiares, fruto de la genuina imaginación del escritor.

Esto es algo que ya se notaba en El señor de las ilusiones, la película de Prime Video de 1995 y que, al igual que Hellraiser, fue dirigida por el propio Clive Barker. En ambos casos se inspiró en un texto suyo, aunque en esta ocasión concreta fue en uno de los relatos incluidos en sus célebres Libros de sangre. Su trama es una mezcla de horror cósmico, oscurantismo, sectas y magia.

El protagonista de la historia es Harry D’Amour, un detective privado especializado en casos sobrenaturales que se ve envuelto en una serie de crímenes relacionados con un poderoso ilusionista llamado Philip Swann. Como anécdota, el propio D’Amour (interpretado aquí por Scott Bakula) tendría que vérselas con los cenobitas en una de las últimas novelas de Barker: Los evangelios escarlata.

Al igual que en el relato, aunque de manera más extendida, D’Amour descubre en El señor de las ilusiones, que Swann fue discípulo de un culto liderado por Nix, una figura mesiánica obsesionada con alcanzar la inmortalidad a través de rituales extremos y magia prohibida. Es decir, que el argumento no puede ser más propio de los singulares gustos de su responsable.

Una nueva oportunidad en Prime Video

Al final, El señor de las ilusiones fue la última película de Clive Barker. Cabe suponer que, porque entre otras cosas, el film fue un fracaso comercial. Costó alrededor de 16 millones de dólares (lo cual no estaba mal para la época), y ni siquiera fue capaz de recaudar eso mismo en su paso por los cines.

Algunos lo achacaron a los cambios que los productores forzaron para hacer la película más convencional, mientras que otros piensan que su oscura trama no es para todo el mundo. Ahora, pese a todo, se trata de una película prácticamente considerada de culto. No es tan popular como Hellraiser, pero tiene sus defensores a ultranza.

Pero lo cierto es que existe un fenómeno anime mucho más reciente, que forma parte de la plataforma de Amazon. En ocasiones puede olvidarse su enorme impacto, pero la verdad es que está ahí. No solo se trata de una de las películas de este tipo más taquilleras de todos los tiempos, sino que sus críticas poco o nada tienen que envidiar a los films comentados anteriormente.

El gran éxito anime de Prime Video

Si eres mínimamente aficionado al anime, lo más probable es que estés familiarizado con Guardianes de la noche, incluso aunque no seas un gran fan. Lo que no todo el mundo conoce, es la grandísima repercusión que la primera película basada en la franquicia -y estrenada en 2020- tuvo cuando llegó a los cines japoneses. No se había visto nada semejante.

El éxito de la película fue inmediato. En Japón, Tren infinito arrasó en taquilla, superando incluso a clásicos intocables del cine nipón. Con más de 40.000 millones de yenes recaudados, se convirtió en la película más taquillera de la historia del país, por delante de títulos como El viaje de Chihiro. Además, alcanzó sus increíbles números durante la pandemia.

Si en ese momento tan complicado para el cine como fue 2020, Guardines de la noche: Tren infinito, tuvo el increíble tirón que tuvo, es complicado imaginar qué hubiese sucedido en circunstancias normales. Más mérito incluso tiene el hecho de que la película, a decir verdad, está directamente relacionada con el anime. Si no conoces este, es más difícil disfrutarla.

Pese a ello, la crítica también abrazó el resultado sin concesiones. Aunque se trataba de una obra continuista con respecto a lo visto en la serie, muchos aplaudieron su factura técnica, o lo emotivo de la trama. De hecho, hoy en día, un lustro después de su estreno, esta continuación de Guardianes de la noche sigue teniendo auténticas notazas en muchos portales de cine.

¿De qué va Guardianes de la noche: Tren infinto?

A decir verdad, Guardianes de la noche: Tren infinito, retoma la historia justo donde termina la primera temporada de la serie. De ahí que sus fans sean quienes más puedan disfrutarla también en Prime Video. Tanjiro, Nezuko, Zenitsu e Inosuke se embarcan en un misterioso tren donde decenas de pasajeros han desaparecido.

Para resolver el caso se une a ellos Kyojuro Rengoku, uno de los poderosos pilares del cuerpo de cazadores de demonios. Pronto descubren que el tren está controlado por un demonio capaz de manipular los sueños, atrapando a las víctimas en ilusiones diseñadas para quebrar su voluntad.

Runtime TV ha preparado un especial de Reyes Magos desde hoy hasta el próximo 9 de enero. Este nuevo canal que llega a las Smart TV se podrá ver también desde un ordenador o un móvil.

Esta emisora está incluida en muchas plataformas de streaming como Samsung TV Plus, Plex o Pluto TV, ahora llega de forma gratuita a todas las televisiones.

Runtime llena la televisión de cine y programación infantil

Runtime TV es uno de los canales gratuitos más populares de plataformas como Samsung TV Plus con cine y series. La emisora llega a millones de Smart TV para sumarse a la celebración de la semana de los Reyes Magos hasta el viernes 9 de enero.

El nuevo canal para millones de Smart TV ha dividido su programación en tres bloques para la semana de Reyes. El más importante será un especial con cine familiar en prime time en horario de noche, el resto de emisiones se llenarán de estrenos y contenido infantil.

Runtime pretende convertirse en un canal de entretenimiento para toda la familia con programación variada. La emisora ofrece a lo largo de la semana películas populares entre los más pequeños como Academia Cranston, La abeja Maya: el orbe dorado, Las aventuras de la familia Fox, La leyenda de Hei o Stardog y Turbocat.

Toda la programación especial de Runtime para el día de Reyes

Este nuevo canal que llega a las Smart TV ofrecerá una programación especial ininterrumpida durante el día de Reyes con estrenos inéditos en Runtime TV:

• George y el dragón – 12:00
• D’Artacan en uno para todos y todos para uno – 15:25
• El caballero de las sombras – 18:40
• Mi amigo Berni – 20:35
• Cazadores de tesoros (Golden Retrievers) – 22:00 horas

El especial Reyes en Runtime se va a llenar de más programación infantil que nunca con series durante el 6 de enero. Esta parrilla pensada para los más pequeños se suma a otros canales temáticos de la productora como Runtime Acción, Runtime Romance, Runtime Comedia o Runtime Thriller, disponibles en su plataforma.

El nuevo canal de Runtime ya ha empezado a emitir en plataformas como Samsung TV Plus, Xiaomi TV+, Tivify o Plex a través de la aplicación gratuita para Smart TV de la marca.

Sin embargo, la popular plataforma de streaming se prepara para recibir el nuevo año con cierta controversia. O mejor dicho, para sumar a su catálogo una película que provocó sentimientos encontrados entre muchos aficionados al cine. También entre críticos profesionales. Aunque el impacto llegó con su estreno, todo hace presagiar que la polémica seguirá en Netflix.

La película incómoda que llega a Netflix en 2026

No resulta exagerado decir que El cautivo, la película de Alejandro Amenábar sobre Miguel de Cervantes, es una de las obras españolas más polémicas de los últimos años. Así al menos lo percibieron muchos espectadores cuando se estrenó el año pasado. Pese a tratarse de una de las producciones nacionales más costosas, lo cierto es que no contentó a todo el mundo ni brilló en taquilla.

La película se sitúa en 1575, cuando Cervantes, joven soldado y escritor frustrado, es apresado junto a su hermano y llevado a Argel. Allí pasa casi cinco años como prisionero, intentando huir en repetidas ocasiones mientras observa la brutalidad, la corrupción y las contradicciones del poder. Y también es entonces cuando ingenia muchas de sus ideas creativas.

Como era de esperar, el film busca encontrar el lado más humano del autor de la inmortal novela Don Quijote de la Mancha. Y es precisamente ahí donde radica la polémica de la película. Algunos vieron un cierto anacronismo en la forma en la que Amenábar interpreto los gustos y las pasiones de un Cervantes algo "modernizado", según críticos.

También generó cierto debate cuando el film llegó a los cines que no se tratara de una biografía como tal, sino que más bien se centrara en un momento concreto de la historia del personaje. Para gustos, los colores, pero lo cierto es que también se cuestionó en parte el tono oscuro y un tanto fantástico de la narración.

Los misterios de Miguel de Cervantes

Hasta cierto punto, es comprensible que la forma en la que Amenábar ha mostrado una parte de la vida de Miguel de Cervantes no haya gustado a todos. Más que nada porque no todo está claro ni tan siquiera entre los historiadores. Por ejemplo, hay quienes sostienen que el escritor tenía inclinaciones homosexuales, mientras que otros lo niegan categóricamente.

Este y otros asuntos cuestionables están presentes en El cautivo. Y es casi seguro que el film seguirá dando de qué hablar ahora que se dispone a llegar a Netflix. Lo hará el próximo 29 de enero.

Los discos Blu-ray llegaron en 2006 para sustituir al DVD. Su principal aportación fue un aumento de la resolución, de 480p a 1080p, un mejor codec (AVC o H.264), y mejores estándares de audio.

Frente a los 4,7 GB de almacenamiento del DVD, Blu-ray aumentaba el espacio a 25 GB con una cara y una capa, aunque posteriores formatos grabables con varias capas, aumentaron el tamaño hasta los 128 GB.

Los videojuegos y las películas, el pilar del Blu-ray

Durante los dos primeros años compitió ferozmente con el formato HD-DVD presentado por Toshiba, rememorando la guerra VHS vs. Betamax. HD-DVD aguantó un par de años, pero la presencia de Blu-ray en las consolas fue clave para que Toshiba abandonase su formato.

Como ha pasado con los últimos formatos físicos, su “boom” llegó cuando se introdujo en las consolas PlayStation 3 y Xbox One, como formato de disco para los videojuegos. También se podía reproducir películas, y la gente se ahorraba comprar un reproductor de Blu-ray.

Durante una década, fue el formato de referencia para comercializar películas y series, hasta la llegada de las plataformas de streaming, que dejaron de publicar su contenido en formato físico.

En 2016 se estrenó el formato Ultra HD Blu-ray, que ofrece resolución 4K con HDR y Dolby Vision. Se incorporó en las consolas PlayStation 5 y Xbox Series X.

El formato Blu-ray sobrevive con la publicación de casi todos los estrenos de cine, menos las producciones propias de Netflix, Prime Video y otras plataformas. Las series casi han desaparecido, solo llegan al formato físico las de HBO (Warner) y Paramount.

En los videojuegos, Sony y Microsoft están haciendo todo lo posible para eliminarlo de las consolas. Quieren que los usuarios compren solo juegos digitales, que es un alquiler, y paguen una suscripción permanente a Game Pass y equivalentes.

Sony, inventora del formato Blu-ray, se esfuerza especialmente en destruirlo, al negarse a añadir el soporte de Blu-ray 3D que los usuarios llevan años pidiendo, ofreciendo un reproductor muy básico sin Dolby Vision, y eliminando el lector de disco en PS5 Pro. Hay que comprarlo aparte por 80 euros, lo que añade un sobrecoste a lo que ya es una cara consola.

Pese a todas las zancadillas, el formato Blu-ray sigue vivo en su 20 Aniversario. Personalmente sigo comprando mis películas favoritas en Ultra-HD Blu-ray, porque se ven y escuchan bastante mejor que el streaming de baja calidad de Netflix y el resto. Por desgracia, comprar series en disco ya es una misión casi imposible.

La compañía pretende seguir con la misma estrategia que les ha funcionado en 2025. Movistar Plus+ vuelve a llenar de fútbol en enero, uno de los momentos con más partidos y competiciones internacionales en activo.

Movistar se llena de fútbol con LaLiga EA Sports, la Supercopa y la Premier

No hay sorpresas de cara a 2026, Movistar Plus+ sigue siendo la casa del fútbol con más partidos que nunca. El mes de enero se inicia con uno de los derbis más esperados del año que enfrenta al Espanyol y Barcelona el próximo sábado.

Movistar Plus+ ofrece toda LaLiga EA Sports, LaLiga Hypermotion, la Primera Federación RFEF, el mejor partido de cada ronda de la Copa África y competiciones europeas como la Champions League con el Benfica-Real Madrid del 8 de enero.

La OTT de Movistar también ofrece algunos de los partidos de Champions que enfrentan a los mejores equipos de Europa. El 4 de enero se emitirá el Manchester City-Chelsea y el 8 de enero el Arsenal-Liverpool.

Movistar Plus+ desde 9,99 euros al mes

La compañía apuesta por el entretenimiento con Movistar Plus+, que se puede contratar desde cualquier operadora. El precio de la suscripción básica se mantiene en 2026 con 9,99 euros al mes o 99,90 euros al año, también compatible con el Bono Cultural Joven.

Los clientes que quieran todo el fútbol podrán contratar paquetes específicos como Champios League por 23 euros al mes, LaLiga con todos los partidos por 35 euros o Todo el fútbol por 49 euros.

Movistar incluye toda LaLiga EA Sports, las 42 jornadas de LaLiga Hypermotion y los playoff de ascenso, la UEFA Champions League, Europa y Conference League, la Supercopa de España y de Europa, toda la Copa del Rey y la Copa África 2025 en exclusiva.

Los usuarios de la suscripción de 9,99 euros tienen algunas limitaciones, aunque mantiene los dos dispositivos simultáneos. Movistar Plus+ ofrece más de 80 canales de entretenimiento, cine y series originales y fútbol con LaLiga Hypermotion al completo, 10 partidos por jornada de la Primera Federación y uno por jornada de LaLiga EA Sports, la Champions y la Premier League.

Paramount Network va a seguir el mismo camino de Disney Chanel, canal que despareció a inicios de 2025 para dar lugar a la primera emisora de Squirrel en la TDT. Los cambios se van a producir poco después de las campanadas.

Paramount Network desaparece de la TDT en 2026

Uno de los primeros cambios de la Televisión Digital Terrestre para el próximo año va a ser la desaparición de Paramount Network. La cadena dejará de emitir definitivamente en la TDT tras más de 13 años en antena.

Esta despedida no solo se producirá en la televisión en abierto, también en las OTT de operadores como Movistar Plus+, Vodafone TV y Orange TV. Paramount Network desaparecerá de manera simultánea en poco más de una semana.

La alternativa es el canal disponible a través de Pluto TV de manera gratuita, aunque con ciertas novedades. El canal centrado en cine y series clásicas ofrecerá menos contenido con una programación reducida y un modelo FAST, pierde la identidad original.

El grupo Squirrel va a ocupar el espacio libre que ha dejado Paramount Network en la TDT en abierto. La compañía se consolida en la televisión española con un nuevo canal con cine en abierto, aún se desconoce la programación, pero sería dirigida a un público más amplio.

Un nuevo canal para la TDT sale a concurso

La televisión española va a vivir una de las mayores transformaciones de su historia con la llegada de las emisiones en Ultra Alta Definición (UHD). Los canales en 4K van a consolidarse a lo largo del año de la mano de Antena 3, Telecinco, La 1 y algunas autonómicas.

Además, el Gobierno ha acelerado las negociaciones para sacar a concurso la licencia de un nuevo canal nacional en abierto para la TDT que emitirá en 4K. La fecha límite para presentar candidaturas se cerró el 20 de noviembre de 2025.

La cadena que obtenga la concesión podrá emitir en la TDT durante quince años. Esta emisora se sumará a las licencias de RTVE ya existentes, 32 señales nacionales y los canales autonómicos.

El Ejecutivo está valorando diferentes opciones con el grupo Siete que empieza a ganar peso en las negociaciones. El conglomerado español se enfrentará a Mediaset España, entre otros, mientras que Atresmedia, Prisa o Movistar Plus+ han optado por no presentarse.